Monumento a los Quintero en el Parque del Retiro, Madrid

Tradicionalmente, se ha divido en género teatral en tragedia y comedia y, a su vez, éstas en diversas tendencias. Pero un arte tan complejo no siempre es fácil de enclaustrar en rígidas clasificaciones. El creador siempre va por delante de ellas. Así, por ejemplo, existe la tragicomendia al igual que la comedia melodramática.

Por ello, a la hora de hablar de un autor de teatro, lo mejor es huir de etiquetas y limitarse a caracterizar del mejor modo posible su obra, sobre todo si es tan peculiar como la de los hermanos Álvarez Quintero.

Serafín (1871-1938) y Joaquín (1873-1944) Alvarez Quintero, sevillanos de Utrera, cultivaron, en efecto un tipo de teatro alegre y amable. El hecho de calificarlo así no significa que se trate de obras cómicas –ni siquiera son estrictamente comedias, pues plantean siempre algún tipo de conflicto-, sino que rebosan alegría de vivir. Sus personajes son buenos, amantes de la vida, seres sencillos que, sin tener muchas cosas, saben ver siempre el lado amable del vivir y de la sociedad.

En este sentido, cabe decir que los conflictos que muestran sus obras podrían calificarse de melodramáticos, en el mejor sentido de la palabra. No hay en ellas grandes tragedias, sino pequeños problemas de la vida que siempre se resuelven bien. Se trata de piezas simpáticas, con diálogos vivos, llenos de gracia y salero andaluz y con un indudable componente costumbrista. La ternura, la luz de su tierra y un lenguaje elegante completan la descripción de estas obras.
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Si tuviéramos que establecer una línea de descendencia histórica entre los grandes detectives de la literatura, tendríamos que comenzar por Auguste Dupin, seguir por Sherlock Holmes y, en tercer lugar, situar a Hercule Poirot, en una continuidad que discurre paralela a la de sus creadores, Edgar Allan Poe, Arthur Conan Doyle y Ágatha Christie.

Ágatha Christie

Y es que, en efecto, tras la genial obra de Doyle, el siguiente gran nombre en la narrativa policíaca es el de Ágatha Christie, quien, además, presenta una obra tan extensa como variada, siempre dentro del género detectivesco –salvo su incursión, menos conocida, en la novela romántica bajo el seudónimo de Mary Westmacott-.

La llamada Reina del crimen también muestra otra novedad: la creación de dos investigadores absolutamente distintos, como son el citado Hercule Poirot, más o menos profesional y delicado, como buen belga, y Miss Marple, madura ama de casa que no duda, para resolver sus accidentales casos, en incomodar a todo el mundo con su insaciable curiosidad.

Pero Ágatha Christie (Torquay, Reino Unido, 1890-1976) también escribió un buen numero de narraciones en las que no aparecen ninguno de ambos y el protagonista es colectivo. Buen ejemplo de ello es la popular Diez negritos. En este tipo de novelas, la construcción de la trama suele ser parecida: varias personas se reúnen, más o menos accidentalmente en una casa y se produce uno o varios asesinatos de los que todos los presentes son sospechosos.
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Durante el primer tercio del siglo XX, el teatro español se hallaba presidido por la figura de Jacinto Benavente, autor de comedias de tipo tradicional y de tono amable, muy al gusto del público. Puede decirse, por tanto, que a lo largo de esos años, la escena española carecía de tragedias de altura.

Federico García Lorca

Dejando aparte los sigulares esperpentos de Valle Inclán, de indudable fuerza trágica aunque peculiares en su sentido dramático, no puede hablarse –a nuestro juicio- de tragedias al estilo clásico hasta la aparición de las primeras creaciones teatrales de Federico García Lorca.

La vida de Lorca (Fuentevaqueros, Granada, 1898-1936), perteneciente a una familia acomodada, se desarrolló por unos cauces que jamás permitirían adivinar su triste fin. Hombre amable, fue amigo de José Antonio Primo de Rivera igual que del socialista Fernando de los Ríos y nunca tuvo enemigos.

Y sin embargo, hay en él un sentimiento trágico que se compadece mal con su aspecto alegre. Muchas de sus obras muestran la desazón vital de quién se halla desubicado, de la persona que siente frustración de vivir y una tristeza que parece presentir su final.
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Afortunadamente, la vida de casi todos los escritores que han significado algo en la larga historia de la literatura es bastante conocida, con la ventaja que ello aporta a la hora de entender sus inquietudes e interpretar sus obras. Es esta una afirmación cierta salvo en un caso.

William Shakespeare

Y es que no deja de resultar sorprendente que, cuando leemos una biografía de un genio como William Shakespeare, casi todo sean conjeturas. Cada párrafo de ellas se inicia con un ‘probablemente’ o un ’se cree’ porque muchos pasajes de su vida constituyen, aún hoy, un misterio. Ello ha dado lugar a teorías un tanto peregrinas como las que identifican su nombre con un seudónimo, bien de uno, bien de varios escritores.

Lo que es indiscutible, sea quien fuere, es que William Shakespeare (Stratford-on-Avon, 1564-1616) fue un extraordinario dramaturgo. Tras una infancia económicamente precaria, se casó, con tan sólo dieciocho años, con una mujer mayor, Anne Hathaway. Trabajó como actor al tiempo que escribía obras para su compañía, alcanzando cierta notoriedad que le permitió vivir un retiro parcial en sus últimos años.

En cualquier caso, nos quedan sus obras, comedias y tragedias. Y, entre éstas últimas, se encuentran algunas de las más perfectas que se hayan escrito jamás. Es muy difícil hallar creaciones dramáticas de la talla de Macbeth, Otelo, Romeo y Julieta o Hamlet.
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Es un fenómeno todavía por estudiar el desarrollo alcanzado por la literatura rusa a partir de mediados del siglo XIX. En efecto, hasta esa época, las letras rusas habían pasado desapercibidas en el panorama internacional. En cambio, a partir de la obra de Aleksandr Pushkin –considerado el creador de la literatura rusa moderna-, se produce un espectacular florecimiento que abarca a autores de la talla de Gogol, Dostoievski, Turgueniev o Tolstoi.

Nikolai V. Gogol

Es, por tanto, difícil precisar hasta que punto este auge se produjo por influencias exteriores, como la de la literatura francesa, o bien por una maduración de elementos autóctonos. Pero, en cualquier caso, el hecho es que las letras rusas logran, en esta época, una extraordinaria calidad.

Una importante culpa de ello la tuvo Nikolai Vasilievich Gogol (Bolshie Sorochintsy, Ucrania, 1809-1850), amigo y discípulo de Pushkin, de quien recibió una fuerte influencia que supo asimilar en un estilo propio y singular. La vida y la obra de Gogol se encuentran vinculadas a San Petersburgo, ciudad en la que residió casi toda su vida y en la que están ambientadas muchas de sus obras.

Gogol es un cronista de la sociedad rusa, de la que brinda una visión satírica e irónica. No obstante, su intención final no es la burla de aquella, sino que, tras esta motivación superficial, se halla una intención reformadora de las anquilosadas estructuras sociales que regían la vida del Imperio zarista. Ello se aprecia sobre todo en sus relatos cortos, autenticas obras maestras de humor y calidad literaria -La nariz es proverbial en este sentido-.
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El movimiento naturalista creado por Zola contó con cultivadores en todas las formas de expresión artística. Concretamente en literatura, no solamente encontró su cauce en la narrativa. También en el teatro se adhirieron a sus tesis muchos dramaturgos.

August Strindberg

El espectáculo teatral, además, se presta muy bien al análisis social y de caracteres que defendía el autor francés, ya que su puesta en escena permite reflejar mejor que cualquier texto los recovecos íntimos de la personalidad y los conflictos sociales. Y, por otra parte, el drama contaba con una trayectoria anterior que, ya desde los antiguos griegos, buscaba impactar en el espectador a través de personajes y situaciones trágicas.

No obstante, no fueron muy numerosos los autores teatrales que se sumaron a las tesis zolescas, aunque los que lo hicieron poseían excepcional talento y calidad.

Uno de ellos fue el sueco August Strindberg (Estocolmo, 1849-1912), cuya obra ejerció una extraordinaria influencia en las corrientes dramáticas posteriores. En efecto, se le considera un precedente del llamado teatro de la crueldad –cuyo rasgo primordial es impactar en el espectador por cualquier medio, incluso la violencia- y del teatro del absurdo –caracterizado por tramas sin sentido aparente pero que encierran un mensaje-.

Fue Strindberg un personaje singular. De personalidad esquizoide, durante un tiempo padeció manía persecutoria y fue gran aficionado a la alquimia. Pero, curiosidades al margen, nos encontramos ante uno de los creadores del teatro moderno.
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El siglo XX ha sido, sin duda, el más prolífico de la corta historia de la literatura norteamericana. Iniciado por una excepcional generación de novelistas, pronto se incorporaron poetas y, sobre todo, dramaturgos. A los Faulkner, Hemingway o Steinbeck, se añaden Eugene O’Neill y Tennessee Williams, entre otros.

Paul Newman hizo un magistral Chance Wayne en el cine

Dentro de ellos, por otra parte, se produce un curioso fenómeno. Muchos habían nacido en el sur del país y esto se traslada a su obra. Frente al norte, más industrializado, amplias zonas del sur albergaban aún costumbres anacrónicas y un modo de vida rural, dentro del cual el racismo era una de las manifestaciones más evidentes.

Pues bien, estos autores sitúan sus obras en este profundo sur, mostrando sus costumbres e injusticias. Pequeñas poblaciones que parecen aisladas del mundo, en las que el ambiente moral es asfixiante y cualquier alteración de sus normas es castigada con la marginación y el ostracismo.

Uno de los escritores que mejor han sabido trasladar esto a sus creaciones ha sido Thomas Lanier Williams (Columbus, Mississippi, 1911-1983), conocido mundialmente -por el apelativo que le pusieron sus compañeros de universidad debido a su exagerado acento sudista- como Tennessee Williams.
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La división del teatro en comedia y tragedia procede de los mismos orígenes del género. Se entiende por la primera aquella que pretende entretener y mover a la risa al espectador a través de enredos, equívocos o chistes verbales.

Historia de una escalera, la obra que dio a conocer a Buero

Pero la segunda es más compleja. La primera teoría sobre la tragedia procede nada menos que de Aristóteles, quien, en su Poética, estableció las bases y rasgos que la componen. Además de establecer sus elementos formales, el pensador griego, en uno de los apartados de aquella, expone la función que debe conseguir: a través de la identificación del espectador con lo que sucede en la escena, se produce en este una catarsis o liberación de sus miedos.

Desde entonces, se ha expuesto muchas tesis acerca del género trágico. Pero es bien cierto que la buena tragedia teatral siempre ha conservado ese componente de catarsis colectiva y, sobre todo, su capacidad de hacernos reflexionar acerca de la condición del ser humano y sus circunstancias.

Y, en este sentido, uno de los dramaturgos contemporáneos que mejor ha conseguido despertar en el espectador esa reflexión ha sido Antonio Buero Vallejo (Guadalajara, 1916-2000) a quien, además, cabe atribuir el acierto de haber hecho despertar al teatro español tras el parón  de la Guerra Civil, con Historia de una escalera, un drama de fuerte contenido social.
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En los años finales del siglo XIX, la literatura francesa se vio enriquecida con varios autores de nacionalidad belga y francófonos que muestran una calidad excelente. Entre ellos, se encontraban, como más destacados integrantes, los novelistas Rodenbach y Lemonnier, el poeta Verhaeren y el también lírico y dramaturgo Maeterlinck.

La filosofía de Hegel -en la foto- influyó poderosamente en la obra de Maeterlinck

Pero, sin duda, es éste último el más ilustre de todos ellos y uno de los más relevantes miembros de la escuela poética simbolista que fundaran Mallarmé y Paul Verlaine. Maurice Maeterlinck (Gante, 1862-1949) fue, además, un estudioso de la filosofía y la literatura, lo que le permitió conocer en profundidad a Hegel y Schopenhauer y a los autores del Romanticismo alemán –Novalis, los hermanos Schlegel, etc-, cuya defensa del idealismo influiría poderosamente en su obra.

En 1886, se trasladó a París, donde entró en contacto con los integrantes de la escuela simbolista, especialmente con Mallarmé y Villiers de L’Isle-Adam, cuyo magisterio terminaría de configurar su estilo literario. En 1911, le fue otorgado el Premio Nóbel de Literatura.

Maeterlinck es un excepcional poeta, pero, quizá, lo más destacado de su obra sean sus dramas. Junto al gran escenógrafo Constantin Stanislavski, revolucionó el teatro, mediante la introducción del estatismo, es decir, reduciendo la importancia de la acción para transferir el protagonismo a los actores, que son quiénes verdaderamente deben transmitir sus emociones e inquietudes.
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A fines del siglo XIX, Rusia era aún un país casi feudal. La servidumbre había sido abolida en fecha tan tardía como 1861 y la miseria y el analfabetismo estaban muy extendidos. Por otra parte, una burocracia férrea –que tan bien describiera Dostoievski- hacía la vida del estado casi imposible y la policía zarista velaba por el poder absoluto del máximo dirigente.

Por todo ello, cuesta trabajo comprender que en esa sociedad surgiera una literatura tan brillante. En un breve periodo de tiempo coinciden autores de la talla del citado Dostoievski, Tolstoi, Turgueniev o Antón Chéjov, que elevan a las letras rusas a la cima de las universales, con obras que combinan la técnica realista con unos contenidos en que lo espiritual ocupa un lugar relevante.

Art Theatre, en Moscú, donde Chéjov -en el recuadro- estrenó sus obras

Antón Chéjov (Taganrog, 1860-1904) vivió en su infancia algo que parece consustancial al literato: la ruina económica. Es como si ésta agudizara el ingenio de los escritores –un día debería hacerse la nómina de los grandes creadores que pasaron penurias de dinero-. La falta de recursos le impulsó a colaborar con distintas publicaciones y, así, forjar un excepcional talento literario.

Pese a todo, logró terminar la carrera de Medicina y comenzar a ejercerla, aunque no debía tener excesiva vocación o, al menos, la tenía mayor por la literatura, pues continuó escribiendo.
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