Esto ocurrió en 1904 cuando el dramaturgo José de Echegaray (Madrid, 1832-1916) fue elegido por la Academia Sueca para recibir el Nobel de Literatura junto al poeta provenzal Frédéric Mistral. Una verdadera pléyade de colegas elevaron sus voces para oponerse. Entre ellos, figuras de la talla de Miguel de Unamuno, Azorín o Emilia Pardo Bazán.

Banco de España, creado por José de Echegaray cuando era Ministro de Hacienda

Bien es cierto que Echegaray quizá hubiera merecido el premio en otra área del saber, ya que era profesor de Física y Matemáticas, sobre las cuales había publicado importantes textos, y, durante muchos años, desarrollado una importante labor pública como Ministro en varios departamentos. A él se debe, por ejemplo, siéndolo de Hacienda, la creación del Banco de España. Por el contrario, su obra literaria, a la que ni siquiera él otorgaba demasiada importancia, resultaba anacrónica para la época, tanto por sus formas como por las tesis que defendía.

Es el teatro de Echegaray continuador del romántico, con parlamentos grandilocuentes y pasiones desbocadas. Y, en cuanto a las ideas, presenta algunos conceptos que, para entonces, habían quedado desfasados, tal como sucede con la exagerada importancia del honor. Si bien, a partir de un cierto momento, trató de modernizarse, siguiendo las corrientes que autores como Ibsen o Hauptmann estaban imponiendo, el resultado se nos presenta como una combinación un tanto artificial entre neorromanticismo y realismo.

Sin embargo, Echegaray conservó siempre el favor del público. De hecho, fue la primera figura del teatro español durante muchos años, acumulando un éxito tras otro. Así ocurrió con el drama ‘Mancha que limpia’, que nos presenta un sangriento triángulo amoroso. Matilde vive despechada por el matrimonio de su amado Fernando con Enriquita y, cuando descubre que ésta le es infiel, su despecho se transforma en odio y la asesina. Sin embargo, Fernando adoptará un sorprendente comportamiento para defender su honra. Si algo es seguro, es que el teatro de Echegaray, con sus cualidades y defectos, no ha resistido el paso del tiempo y hoy, al contemplarlo, nos resulta totalmente anacrónico.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Hispavista.

Foto: Losmininos.

Adaptación de Macbeth por Orson Welles.

Cineastas como Orson Welles, Franco Zeffirelli, Laurence Olivier, Richard Loncraine, Akira Kurosawa, Al Pacino, Roman Polanski, Baz Lurmahn y, como no, Kenneth Branagh, no habrían sido lo que son ahora sin la existencia de Shakespeare. Pero el autor ha sido pasto de adaptación muchas otras veces, pues con su obra se ha hecho de todo: se han trasladado los argumentos a cualquier época o ambiente, se han realizado parodias, adaptaciones literales, y hasta dibujos animados. Es por ello que, hoy en día, podemos decir que Shakespeare figura como el autor más veces adaptado a la pantalla. ¿Que no te lo crees? A los datos nos remitimos. Seguro que se escapa alguna que otra película, pero se calcula que las obras de Shakespeare cuentan con más de 300 versiones fieles, 41 modernizadas y muchísimas más parodias. En cuanto a las historias, destacan ‘Hamlet‘ con 7 versiones fieles y ‘Romeo y Julieta‘ con 5. Sin embargo, la que se lleva la palma es ‘Macbeth‘, que cuenta con 33 adaptaciones.

Las claves del éxito de Shakespeare no son otras que su rabiosa atemporalidad y el hecho de que nos hable de pasiones humanas que traspasan épocas y continentes.

Shakespeare también es catódico

Si ya hemos defendido la tesis de que la actualidad de su obra ha llevado a Shakespeare a convertirse en el autor más adaptado del cine, no es menos cierto que, cuando las ideas escasean, siempre es bueno recurrir a los clásicos. En este sentido, Shakespeare ha tenido gran culpa del reciente resurgir de las ficción televisiva estadounidense. Son muchas las influencias de la narratividad del serial televisivo contemporáneo (para algo estamos en la pos-posmodernidad), pero sin duda el relato coral establecido en las obras de teatrales de este autor y la manera en que proyecta los temas universales del hombre a través de sus argumentos, a buen seguro han servido de referente para más de un guionista.

Puede parecer un tópico, pero son muchos los que afirman que si William Shakespeare estuviese vivo, sería guionista de televisión.

Más información / UHU

Se trata de Bertold Brecht (Augsburgo, 1898-1956), creador de un teatro que se ha bautizado como “épico” por distanciar al espectador de lo que ocurre en la escena con objeto de que éste juzgue de forma fría los acontecimientos. Frente al espectáculo dramático tradicional, Brecht se sirve de diferentes recursos para evitar que la obra sugestione al público, condicionando su pensamiento: cuenta de antemano lo que va a suceder, rompe el desarrollo de la trama introduciendo canciones o recitados o incluso muestra carteles que invitan a reflexionar al espectador.

Una vista del Theater am Schiffbauerdamm, donde se estrenó la obra

El resultado es un teatro de crítica social que parte de postulados marxistas para presentar al Hombre como una criatura que debe luchar constantemente contra la sociedad, dominada por la explotación y el dinero. Pero sus protagonistas tampoco resultan héroes positivos sino un perfecto reflejo de las contradicciones humanas y de los conflictos sociales. Además, Brecht no aporta soluciones, se queda en la crítica de la sociedad moderna, y es el público quién debe buscarlas.

Buena muestra de todo ello es ‘La ópera de los dos centavos’, drama con música estrenado en el Theater am Schiffbauerdamm de Berlín en 1928, antes del exilio de su escritor a causa de la llegada del régimen nazi. No encontramos en el Londres victoriano, por cuyos bajos fondos pulula Macheath, un criminal sin ninguna ética y, por tanto, escasamente heróico. Este sujeto, también llamado “Mack el Navaja”, se casa con Polly, a la sazón hija del mafioso que controla los bajos fondos. Éste, descontento con la boda, trata por todos los medios que el protagonista sea apresado y colgado.

Aunque su objetivo se ve obstaculizado por “Tiger” Brown, el jefe de policía y antiguo colega de armas de Macheath, éste es encarcelado pero el final oculta un desenlace sorprendente. Se trata, en suma, de un curioso argumento que plantea una cuestión al espectador: ¿quién es mayor delincuente, el que realiza el delito físico o la persona de elevada posición social que lo dirige y ampara?

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Alternativa Teatral.

Foto: Budgetplaces.com.

Uno de los dramaturgos que con más frecuencia usa este ardid es el británico George Bernard Shaw (Dublín, 1856-1950), quién además introduce en sus textos un humor ácido e irónico que busca hacer reaccionar al espectador. Crítico teatral antes que autor y con unas ideas muy personales acerca de la vida y de la sociedad, Shaw tomó partido ante casi todas las cuestiones candentes en su época, desde los movimientos independentistas irlandeses hasta los totalitarismos. Y casi todas sus opiniones generaron fuertes polémicas.

Monumento a George Bernard Shaw en Niágara (Canadá)

Quizá su obra más importante sea ‘Pigmalión’, que, a través de la formación de una sencilla florista, pretendía concienciar a la sociedad británica sobre el correcto uso de la lengua inglesa pero que fue entendida como una sátira de las clases altas: cualquiera, con un pequeño barniz de educación formal, podía pasar por secular aristócrata. Se trata de un texto que ha dado la vuelta al mundo y sobre el que se han rodado películas y creado musicales.

En cualquier caso, la producción dramática de George Bernard Shaw es muy abundante y todos sus textos revelan su inconformismo y crítica social. En ‘El hombre del destino’, nos retrotrae nada menos que a la época de Napoleón Bonaparte, que es personaje de la obra cuando aún es un simple general. Toda ella se desarrolla a partir de una comprometedora carta de amor que la esposa de aquél, Josefina, escribiera años atrás y que puede dejar en evidencia al futuro Sire ante la sociedad francesa.

Pertenece al grupo de obras que el propio Shaw bautizó como “comedias agradables” y fue estrenada en 1897. En ella, como en casi todas las del autor británico, destaca el humor punzante y la agudeza de los diálogos. No en balde, Shaw poseía un extraordinario dominio de la lengua inglesa y manejaba a la perfección todos sus resortes verbales y juegos de palabras. El premio Nobel de Literatura en 1925 vino a reconocer su trayectoria.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Online Literature.

Foto: Gtall 1.

Retrato del dramaturgo francés Pierre Corneille.

La obra que nos ocupa hoy aquí es ‘La ilusión cómica’ (L’illusion comique es su título original), escrita por Corneille a los 29 años de edad y la número ocho en su repertorio, lo que nos lleva a pensar que, al componer este manuscrito, el dramaturgo galo ya tenía un estilo consolidado y propio. Y es que, además de suponer una suerte de culminación de sus trabajos anteriores, ‘La ilusión cómica’ se presenta como un cambio en su itinerario literario, pues ésta será la última obra no trágica que escriba. Pero volviendo a su madurez como escritor, podemos decir que en la obra que te presentamos seremos conscientes de todo el virtuosismo que le hizo legendario, pues en ella condensa, además, varios géneros teatrales.

En sus propias palabras: “Le premier acte n’est qu’un prologue, les trois suivants font une comédie imparfaite, le dernier est une tragédie, et tout cela cousu ensemble fait une comédie“. O, lo que es lo mismo, de los cinco actos que conforman ‘La ilusión cómica’, para Corneille el primero es solo un prólogo, los tres siguientes hacen las veces de comedia imperfecta, y el último acto es pura tragedia. Para el autor, mezclar todos estos elementos da como resultado una comedia en toda regla.

En el primer acto se nos presentan a los dos personajes principales: Pridamant, un padre desconsolado por la desaparición de su hijo, Clindor; y a Dorante, que le explica las posibles causas de dicha desaparición. Será precisamente éste último quien le presente a uno de los personajes más decisivos para el relato y su significado: un mago que, en teoría, será capaz de ayudar a Primadant a encontrar a Clindor. De hecho, este mago ha sido visto en muchas ocasiones como el trasunto de la figura del dramaturgo, haciendo de esta pieza un reflejo del teatro en si mismo. Subtextos que se encuentran presentes en esta obra magna de Corneille y que nos conducen de lleno a desafiar las normas que rigen la representación, y todo por el hecho de marcar una cierta distancia entre espectáculo y espectador.

Y es que, sin ánimo de desvelar nada a los potenciales lectores, diremos que la pieza termina con un homenaje al teatro en si mismo y al oficio de actor. Una oda de amor a la dramaturgia creada por la pluma de Jean Corneille.

Foto / Wikipedia Commons

Entre ellos, sin embargo, uno de los más activos era el bilbilitano Joaquín Dicenta (Calatayud, Zaragoza, 1862-1917), iniciador de una estirpe de escritores y actores de teatro y cuya vida turbulenta era proverbial. Baste como ejemplo el hecho de que, el día del estreno del ‘Juan José’, según nos cuenta el citado Zamacois, Dicenta “llegó sangrando, alguien le había atizado dos bastonazos en la cabeza”.

Una vista de Calatayud, donde nació Joaquín Dicenta

No obstante, también era Dicenta un excelente escritor que nos ha legado novelas, cuentos y piezas teatrales. Había intentado de ser militar, como su padre, pero fue expulsado de la Academia de Artillería de Segovia por su vida disipada. Se instaló entonces en Madrid para estudiar Derecho y trabajar como periodista. Desde su atalaya en varios diarios republicanos defendió un socialismo de corte utópico, especialmente, desde la revista ‘Germinal’, de la que fue director y en la que escribieron muchos de los intelectuales de la época.

El éxito literario le llegó, precisamente, con el estreno del drama ‘Juan José’, que se produjo el veinticinco de octubre de 1895 en el Teatro de la Comedia de Madrid. Aunque fue considerada una obra de denuncia social, ésta queda diluida por el ingrediente sentimental. Juan José vive con Rosa, por quién también se interesa Paco, capataz de la hacienda donde trabaja el protagonista. El choque entre ambos hombres termina con Juan José despedido y abocado a robar para sobrevivir. Mientras éste acaba en la cárcel, Rosa acepta a Paco.

A partir de este momento, el protagonista sólo piensa en escapar de presidio para vengarse de ambos amantes. Como puede apreciarse, el componente social se limita al ambiente donde se desarrollan los hechos y lo que de verdad se resalta es el sentimental: la tragedia de los celos de Juan José. No obstante, la obra constituyó un éxito incluso en otros países europeos y dio inicio en España a una corriente denominada “drama social” que seguirían autores como Federico Oliver y José López Pinillo, entre otros.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Biografías y Vidas.

Foto: Lostajy.

Sede de la Comédie Fraçaise en la Plaza Collette, Paris.

Además de su valor histórico, podemos decir que esta compañía contribuyó a una cierta renovación de los modos y maneras del teatro europeo. Perteneciente al teatro nacional y directamente subvencionada por el Estado, la Comédie Française se caracterizó en su día por una alta calidad en sus interpretaciones, pues a los actores se les exigía casi la excelencia. Pertenecer a la institución teatral era todo un honor, pues tengamos en cuenta que ésta se fundó por decreto del rey Luis XIV, que el 24 de agosto de 1680 mandó unir tres de las más importantes compañías de teatro parisinas: L´illustre Théâtre, Théâtre dus Marais y Les Comediens du Roi de l´Hôtel de Bourgogne. Años antes, en 1673, fecha del fallecimiento de Molière, la compañía del autor galo, L´illustre Théâtre, se fusiona con su rival, Théâtre du Marais. Como vemos, los primeros pasos hasta conformar la gran compañía nacional de teatro.

Desde su conformación en el siglo XVII la Comédie Fraçaise hizo gala de su monopolio a la hora de llevar a escena obras en lengua francesa. Poco a poco su répertoire se fue ampliando hasta hacerse más que extenso, llegando en la actualidad hasta las  3.000 obras, entre las cuales se encuentran algunos de los autores más celebrados de las letras galas: Corneille, Racine, Molière… Para llegar a trabajar en la Comédie Française los actores debían de tener una preparación excelente, pues los requisitos eran muchos y muy duros. En su origen los intérpretes debían de ser diestros, y también capaces de recitar tanto en verso como en prosa.

Con el tiempo, y como es habitual, surgieron más compañías y la Comédie Fraçaise dejaría de arrasar con todas las subvenciones del Estado. Sin embargo, supo combatir la nueva competencia aferrándose más que nunca a los clásicos de siempre, sus principales valedores. Sin embargo, también se pudo apreciar una cierta voluntad aperturista al incluir obras de Alejandro Dumas o Víctor Hugo ya entrado el siglo XX. Con la llegada del cine y la televisión, la compañía empezó a participar activamente en los nuevos medios mediante producciones de películas o trabajos catódicos.

Aún hoy, la Comédie sigue engrosando su repertorio, y gracias a ella Francia ha podido conocer a algunos de los actores más importantes de las últimas décadas. Sara Bernhardt o Jeanne Moreau son dos de los ejemplos más mediáticos.

Más información en la Web Oficial de la Comédia Française.

Foto / Carles Toma¡s Marta

Por eso, se imponía un cambio que modernizase el género teatral con arreglo a los nuevos gustos de un público mayoritariamente burgués y que lo situara en consonancia con la narrativa. Y, en las letras españolas, este papel correspondió a dos dramaturgos: Adelardo López de Ayala y Tamayo y Baus, creadores de una nueva estética que se bautizó como “Alta Comedia”.

Una vista de la Biblioteca Nacional de España, de la que Tamayo y Baus fue Director

En el caso de Manuel Tamayo y Baus (Madrid, 1829-1898), además, no podría tratarse de persona más indicada, pues era hijo de la actriz Josefina Baus y del actor y director de escena José Tamayo y pariente del también dramaturgo Antonio Gil y Zárate. Podría decirse, por tanto, que se había criado en el teatro y lo dominaba a la perfección en todos sus aspectos. Ello posibilitó que le resultara más fácil darse a conocer que a otros pero también que sus obras fueran revisadas con mayor rigor por parte de la crítica.

Pese a todo, los inicios de Tamayo se inscriben plenamente en el Romanticismo. Sus primeras obras responden al interés de esta estética por la Historia y por las formas líricas. La más destacada es, sin duda, ‘Locura de amor’, basada en Juana la Loca y en verso. Sin embargo, hacia 1859, coincidiendo con su discurso de ingreso en la Real Academia Española titulado ‘La verdad considerada como fuente de belleza en la Literatura dramática’, Tamayo realiza un giro radical en su concepción del teatro, adscribiéndose a la “Alta Comedia”.

La primera obra que responde a su nuevo estilo es ‘La bola de nieve’, cuyo tema central son los celos y como éstos conducen a la ruptura de una pareja feliz. María y Luis, hijos de una marquesa, dan en creer –especialmente la primera- que sus respectivas parejas, Fernando y Clara, mantienen un romance. En principio, ello es falso pero lo insostenible de la situación comienza a aproximarlos. Respondiendo a los nuevos gustos del público, se trata de un texto de ambiente aristocrático y cargado de intención moralizante pero también de una perfecta construcción dramática.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: MCN Biografías.

Foto: Ricardo Ricote Rodríguez.

Por otra parte, es conocido el gusto de los escritores románticos por la Historia nacional, de la que casi todos ellos extrajeron argumentos para sus obras, especialmente los dramaturgos. Desde Larra a José Zorrilla, pasando por Espronceda o Juan Eugenio Hartzenbusch, todos ellos hallaron en la convulsa época medieval hispana tramas interesantes para sus obras teatrales. El resultado fueron textos en los que el rigor histórico se sacrifica en favor de la presentación de pasiones desatadas que hacían las delicias del espectador.

Una vista de Chiclana de la Frontera (Cádiz), donde nació García Gutiérrez

En buena lógica, otro de los autores más relevantes del Romanticismo, Antonio García Gutiérrez (Chiclana de la Frontera, Cádiz, 1813-1884) siguió idéntica línea argumental en sus textos dramáticos. Claro que, antes de triunfar como dramaturgo, pasó no pocas privaciones: en sus primeros años en Madrid, malvivió como traductor de obras de Scribe y Alejandro Dumas e incluso tuvo que alistarse en el Ejército. El éxito le llegaría con el estreno de ‘El trovador’ en el Teatro del Príncipe en marzo de 1836, cuando el Romanticismo se hallaba en pleno apogeo y apadrinado por Espronceda.

Aunque, a lo largo de su carrera, García Gutiérrez escribió más de sesenta obras, ‘El trovador’, que muestra la venganza de la gitana Azucena contra los Artal, causantes de la muerte en la hoguera de su madre acusada de brujería, y que Giuseppe Verdi convertiría en ópera, fue suficiente para que el escritor gaditano pasara a la Historia del Romanticismo español. No obstante, también ha legado otras obras muy estimables como ‘Venganza catalana’, ‘Simón Bocanegra’ o ‘Juan Lorenzo’.

Por su parte, ‘El bastardo’ nos traslada a la Corte medieval de Sancho III el Mayor, Rey de Navarra desde el año 1004 hasta su muerte, acaecida en 1035 y, concretamente, nos muestra las intrigas de su hijo García para derrocarlo mientras es defendido por don Ramiro, uno de sus hijos bastardos. Pero, como decíamos anteriormente, el rigor histórico queda relegado a un segundo plano en favor de la presentación de intrigas, sucesos y caracteres. Se trata de una obra menor del dramaturgo gaditano pero de indudables cualidades.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Cádizpedia.

Foto: Stkie.

Pero, además, Aleksandr Pushkin (Moscú, 1799-1837) es considerado el creador de la literatura rusa moderna por haber evolucionado la lengua literaria y haber adaptado sus géneros y contenidos a las inquietudes de sus contemporáneos. De sus logros –también de los de Nokolai Gógol- se beneficiarían grandes figuras posteriores como Fiódor Dostoievski o León Tolstoi.

Monumento a Aleksandr Pushkin

Precisamente la publicación de su ‘Oda a la Libertad’ supuso a Pushkin la deportación a Ucrania. Sin proponérselo, el poeta se vio allí rodeado por los paisajes más gratos a los románticos: el mar, las montañas y, en suma, la grandiosidad de la Naturaleza. Fruto de este destierro fueron extraordinarias composiciones como ‘El prisionero del Cáucaso’ o ‘Los hermanos bandidos’ –otra figura social, la del bandolero y su rebeldía, muy usado por los autores de la época- y allí inicia igualmente la elaboración de ‘Eugenio Oneguin’, un extenso poema narrativo.

Además de un extraordinario lírico, Pushkin fue un consumado autor teatral, muy influido por Shakespeare. Los argumentos de estas obras están tomados de la historia europea y muy especialmente de la rusa y tratan temas universales. Entre ellas, se encuentran ‘El caballero avaro’ o ‘El convidado de piedra’ y, sobre todo, la que es considerada su más lograda creación (junto al citado ‘Eugenio Oneguin’): ‘Boris Godunov’, cuyo asunto primordial es la ambición de poder y en la que es inevitable buscar paralelismos con el ‘Macbeth’ shakespeariano.

Basada en la vida del Zar Godunov, que rigió los destinos de Rusia en la frontera entre los siglos XVI y XVII, primero como Regente y después como mandatario absoluto, en la obra de Pushkin, el personaje aparece retratado con algunos caracteres positivos pero ellos se ven anulados por su irresistible ansia de poder que lo convierte en un tirano para su pueblo. Se trata, en suma, de una tragedia histórica de extraordinaria calidad literaria y que, por tratar un tema universal y atemporal, continúa teniendo hoy plena vigencia, al margen de estilos y gustos estéticos.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Itemátika.

Foto: Basykes.