Muchos críticos también incluyen en él a Harold Pinter (Hackney, Londres, 1930-2008) por la virulencia de sus temáticas. Sin embargo, ello no es del todo exacto, pues este hombre de orígenes humildes que fue actor en su juventud mantuvo siempre una actitud independiente y cultivo una dramaturgia bastante ecléctica.

Harold Pinter nació en el barrio obrero de Hackney (en la foto).

En este sentido, podría decirse que su obra combina la herencia del “Teatro del absurdo” de su amigo Samuel Beckett con la de los “Jóvenes airados” para crear dramas en los que la crítica social se halla presente pero cuyo eje temático fundamental es la complejidad de las relaciones humanas y la dificultad del individuo para encajar en la sociedad. Son estos asuntos los que se repiten –a veces de forma obsesiva- en sus textos. El resultado es una dramaturgia de contenidos profundos y en ocasiones violentos que, al ser representada, también modifica algunos parámetros tradicionales de la puesta en escena. Todo ello le permitió obtener el Premio Nobel de Literatura en 2005.

Así, uno de sus temas predilectos es el del engaño entre amigos a causa de una mujer, argumento de ‘Traición’, estrenada en 1978 y que ha sido representada en teatros de todo el mundo. Nos propone un triángulo amoroso: Emma se cita con su antiguo amante Jerry para contarle que ha revelado a su marido y amigo de éste, Robert, la relación que ambos habían mantenido en el pasado. A partir de este planteamiento, Pinter nos traslada varios años atrás, al momento en que iniciaron su relación.

De esta forma, descubrimos que todos ellos construyeron una serie de engaños y el hecho de conocer lo que ha sucedido posteriormente, nos permite centrarnos en el desarrollo de la obra. Éste nos muestra a un tiempo a los tres personajes en situaciones en que la atmósfera de tensión se nota en el ambiente, algo a lo que contribuyen los característicos diálogos de Pinter, escuetos y que ceden el protagonismo a expresivos silencios. Se trata, en suma, de una reflexión sobre el fracaso de la verdad en determinadas relaciones humanas y, sin duda, de una excelente obra dramática.

Fuente: Haroldpinter.org.

Foto: Sludgegulper.

Y ello no sólo por la calidad de su obra poética sino también por su excepcional labor de magisterio y mecenazgo a través de las revistas literarias que dirigió y de su labor al frente de la editorial Faber and Faber, donde reunió a una serie de poetas que representaban lo más moderno de la lírica británica.

'Asesinato en la catedral' se basa en el magnicidio del Arzobispo de Canterbury (en la foto, esta ciudad).

Porque Eliot, perteneciente a una distinguida familia del Este norteamericano, se estableció en Inglaterra con veinticinco años y en ella permaneció toda su vida. Había estudiado en Harvard, La Sorbona y Oxford y ello le otorgó una sólida formación que ya se aprecia en la ‘Canción de amor de J. Alfred Prufrock’, su primera composición importante. Sin embargo, su prestigio comenzó a consolidarse con el largo poema ‘Tierra baldía’, un texto plagado de erudición que trata acerca de la esterilidad de la sociedad moderna y que se convirtió en un hito de la propia modernidad, a pesar de que Eliot siempre se consideró a sí mismo como un clásico en lo literario, además de un monárquico en lo político y un anglocatólico en lo religioso.

Además, el poeta norteamericano fue un excelente dramaturgo. Buena prueba de ello es ‘Asesinato en la catedral’, basada en un hecho real: el asesinato público de Thomas Becket, Arzobispo de Canterbury, por orden del Rey debido a su negativa a someterse a las Constituciones de Clarendon. Este suceso, acaecido en 1170, le sirve a Eliot para reflexionar sobre si es lícita la rebelión contra un poder político injusto, un tema que ha dado mucho juego a la literatura de todas las épocas.

Pero la obra, escrita en verso, es también una pieza maestra (no en balde, se la considera la mejor de todo su teatro), pues el autor consigue otorgarle aire de majestad antigua a través de lentas escenas que, no obstante, poseen una fuerte tensión y una ascendente grandeza. Se trata, en suma, de una excepcional creación que defiende la libertad de conciencia del individuo y la dignidad personal frente a los caprichos del poder establecido.

Fuente: Modern American Poetry.

Foto: Matryo6ka.

También sobre él versa la obra de Friedrich Dürrenmatt (Konolfingen, Suiza, 1921-1990) titulado ‘La visita de la vieja dama’. Hijo de un pastor protestante, recibió una sólida formación intelectual pero sus gustos se inclinaban hacia lo artístico, en especial hacia el dibujo.

Friedrich Dürrenmatt vivió muchos años en Neuchâtel (en la foto).

De hecho, comenzó ganándose así la vida y, más tarde, una vez famoso por sus escritos, él mismo realizó ilustraciones de algunas de sus obras. En el campo literario, sus primeras creaciones fueron novelas policíacas que se publicaban por entregas en periódicos de su país y algún serial radiofónico. No obstante sería con el teatro con el que alcanzaría resonantes triunfos. En parte, ello se debe a su peculiar concepción de la obra dramática, a medio camino entre el clasicismo aristotélico y el teatro dialéctico de Bertold Brech. Temáticamente, Dürrenmatt explicó sus textos señalando: “escribo conociendo lo absurdo de este mundo pero sin desesperar”. En consecuencia, se trata de comedias satíricas en las que la crueldad también se halla presente.

Todo ello se aprecia en ‘La visita de la vieja dama’, cuyo tema central, como decíamos, es el poder del dinero. Clara Zachanassian regresa a su pueblo, Güllen, convertida en multimillonaria. Años atrás, había tenido que abandonarlo al quedarse embarazada de su antiguo novio, Alfred, que sobornó a dos testigos para negar su paternidad. Ahora, la villa está en crisis y sus habitantes cargados de deudas. Además, aquél se ha convertido en un personaje admirado que va a ser el futuro alcalde.

Clara se muestra dispuesta a entregar mucho dinero al pueblo para solucionar sus problemas. Pero pide una condición: que algún voluntario asesine a Alfred. Repentinamente, todos los vecinos de Güllen, que hasta entonces consideraban a éste como a un ídolo, comienzan a cambiar de opinión de una forma temible para él. Las intenciones de Clara resuenan como un aldabonazo cuando exclama: “el mundo me convirtió en una puta y ahora yo lo convertiré en un burdel”. Se trata, en suma, de un texto duro pero también de una de las mejores obras del escritor suizo.

Fuente: Kirjasto.

Foto: Vmk Olga.

A partir de sus tesis, conjugadas con la crisis existencial del cambio de centuria, escritores como Franz Kafka, Rainer María Rilke o Miguel de Unamuno comienzan a plantearse el papel del Hombre en el mundo. Y, junto a ellos, un dramaturgo cuyos textos llevan el juego de las apariencias y la realidad al extremo: se trata del italiano Luigi Pirandello (Agrigento, Sicilia, 1867-1936).

Pirandello nació en Sicilia. En la foto, casa del escritor en Taormina.

Las obras de Pirandello, casi siempre protagonizadas por personajes pertenecientes a las clases medias o bajas y, por tanto, comunes a cualquier sociedad, poseen no obstante gran profundidad filosófica. En tanto comunes, sus criaturas son universales y lo que el dramaturgo suele plantear a través de ellos es el conflicto entre su papel como integrantes del gran engranaje social y su anhelo de individualidad. La mejor expresión de ello es ‘Seis personajes en busca de autor’ pero se trata de un rasgo presente en todos sus textos.

También lo es –en relación con lo anterior- su deseo de mostrar la fina línea que separa la apariencia de la realidad o, dicho de otro modo, que las cosas no siempre son como pensamos. Buena muestra de ello es ‘Así es si así os parece’, obra escrita en 1917 a partir de un cuento del propio Pirandello titulado ‘La señora Frola y su yerno el señor Ponza’. Éste es un funcionario del Estado que llega a una pequeña ciudad de provincias. Se trata de un oscuro personaje que parece ocultar un secreto y ello basta para desatar las especulaciones.

La rumorología de la provinciana sociedad comienza a hablar de que el señor Ponza obliga a su esposa y a su suegra a vivir separadas. La idea cobra fuerza a causa de que las versiones de aquél  y de la señora Frola –su suegra- no coinciden. Sin embargo, será la señora Ponza la que haga una confesión inesperada. En suma, nos hallamos ante un nuevo caso en la obra del dramaturgo italiano del juego apariencia-realidad, tras el que se encuentra la concepción pirandelliana de que buena parte de la individualidad de un ser humano no es creada por él sino por la imagen que construyen los demás.

Fuente: Kirjasto.

Foto: Maha-online.

Sin embargo, uno de los escritores que más participativos se mostraron en este movimiento fue el Premio Nobel William Butler Yeats (Dublín, 1865-1939), extraordinario poeta y dramaturgo que, junto a la citada Lady Gregory y a Edward Martyn fundó el Abbey Theatre, verdadera sede de aquél donde se representaron numerosas obras que, basadas en tradiciones célticas, exaltaban la nacionalidad irlandesa y propugnaban la independencia.

Cathleen ni Houlihan es uno de los nombres mitológicos de Irlanda (en la foto).

Muy influido en sus inicios por el Simbolismo, Yeats fue, por tanto, el máximo impulsor del renacimiento de las letras en su tierra. A través de su doble función como director del Teatro Abbey y como autor de obras para representarse en él, consiguió convertir este centro dramático en uno de los más importantes del mundo y, sobre todo, en el verdadero corazón intelectual del movimiento independentista. Una labor política que se intensificaría al constituirse el Estado de Irlanda, del que fue senador en la primera legislatura de su Parlamento.

Para el Abbey, escribiría Yeats numerosas obras. Pero, quizá, la más emblemática sea ‘Cathleen ni Houlihan’, estrenada en 1902 y que constituye un texto enormemente simbólico a través del cual se anima al pueblo a luchar por su independencia. El título alude a uno de los nombres que en la poesía tradicional gaélica se daba a la propia Irlanda. Así, en la obra, Cathleen-Irlanda aparece trasmutada en una anciana que visita a la familia Gillane.

Ésta se encuentra atareada preparando la boda de su hijo Michael y el objeto de la visita de la mujer es convencer al novio de que abandone sus planes nupciales para contraer un compromiso más elevado: casarse con Irlanda, abatida y olvidada, defendiéndola con las armas y, si fuera necesario, con la vida. Aunque se trata de una creación propagandística, la elevada calidad literaria de Yeats hace del texto una hermosa evocación lírica de las ancestrales tradiciones irlandesas y, en último término, una bellísima obra. No en balde, William Butler Yeats es uno de los más importantes autores, no sólo de la literatura de su tierra, sino de la europea en general en el siglo XX.

Fuente: Online Literature.

Foto: Yoprogramador.

Algo similar ocurre con el norteamericano Eugene O’Neill (Nueva York, 1888-1953), que forma la tríada de grandes dramaturgos estadounidenses junto a Tennessee Williams y Arthur Miller y cuyas obras revelan un fuerte pesimismo existencial. Habida cuenta de que sus matrimonios fueron desdichados, que dos de sus hijos, adictos a las drogas, terminaron suicidándose y él mismo fue alcohólico y padeció Parkinson, a nadie puede extrañar esa visión de la vida.

Eugene O'Neill es un autor muy representado. En la foto, puesta en escena de una de sus obras.

Ganador de cuatro premios Pulitzer y del Nobel de Literatura, los textos de O’Neill poseen una extraordinaria tensión trágica y siempre generaron no poca polémica. Sus personajes suelen ser criaturas débiles que se ven arrolladas por las fuerzas ocultas de la existencia y, en especial, por el Destino, que arrumba con todas sus expectativas e ilusiones. Un fatalismo vital recorre toda su obra. Pero, a diferencia de otros grandes trágicos, O’Neill, tras inquietar al espectador, no propone soluciones que lo tranquilicen sino que es el propio público el que debe tratar de hallarlas.

A todo ello responde ‘Más allá del horizonte’, en la que los personajes se atreven a desafiar al Destino y ello les trae la desgracia. Nos presenta un triángulo amoroso formado por los hermanos Robert y Andrew Mayo y Ruth, una joven de la que ambos están enamorados. El primero de ellos ha decidido alejarse acompañando en un viaje a su tío Scott pero, al saber que la muchacha lo ama a él, opta por quedarse y entonces es Andrew quién parte.

Pasan los años. Ruth y Robert se han casado pero su vida no ha sido feliz, incluso la granja se ha hundido. Por su parte, Andrew ha recorrido el mundo y logrado una relativa felicidad. Entonces, Robert se da cuenta de su error: su ambición era viajar y conocer mundo pero no quiso escuchar a su destino y optó por quedarse. Las consecuencias han sido funestas para todos. Así, el mensaje de O’Neill viene a ser que nunca se debe luchar contra lo que el Destino nos ha preparado pues es inútil y acarrea la desgracia.

Fuente: Zarzamorarte.

Foto: Dpape.

Sin embargo, hay una cuarta figura que no les desmerece en absoluto y que podríamos considerar, si no epígono, sí heredero de todos ellos. Se trata de Edward Albee (Washington, 1928) y quizá no podría haber sido otra cosa que hombre de teatro, pues sus padres adoptivos, Reed y Francis Albee, pertenecían a ese ambiente y le proporcionaron una sólida formación intelectual y, sobre todo, dramática.

Edward Albee nació en Washington (en la foto)

Albee ha sido siempre un escritor polémico, que nunca ha perdido la ocasión de mostrarse agrio y rebelde. Sus primeras obras teatrales se inscriben en el llamado “teatro del absurdo” que en Europa cultivaban Eugene Ionesco o Samuel Beckett y al que él adapta a la mentalidad norteamericana. Pero su primer gran éxito fue ‘¿Quién teme a Virginia Woolf?’, que presenta la peculiar vida matrimonial de una conflictiva pareja y que sería llevada al cine por Mike Nichols con Richard Burton y Elizabeth Taylor como protagonistas obteniendo cinco óscars.

Y es que Albee reflexiona, en todas sus obras, sobre cuestiones relativas a las relaciones humanas. En ‘Un delicado equilibrio’, lo que es sometido a análisis es la amistad y sus límites. Tobías y Agnes son también un matrimonio con problemas que se mantiene unido sobre un tenue hilo. De pronto, irrumpen en su casa sus amigos Harry y Edna, otra pareja que viene buscando refugio y pretende quedarse a vivir con ellos. Este hecho altera por completo la vida de aquéllos haciendo peligrar incluso su propio matrimonio.

Así, pronto surgirán los problemas pues los nuevos huéspedes traerán sus propios conflictos y aquel delicado equilibrio sobre el que tenían construida su vida Tobías y Agnes amenaza con resquebrajarse definitivamente. El texto, que fue galardonado con el Premio Pulitzer en 1967, revela una fuerte influencia de Albert Camus y sus inquietudes existenciales, un autor al que Albee admiraba profundamente. Se trata, en suma, de un excelente drama con el que el escritor consigue –como sucede con todos sus textos- remover la conciencia del espectador que no puede evitar preguntarse qué haría de hallarse en esa situación.

Fuente: Imagi-nation.

Foto: Humberto Moreno.

Es la época del Realismo, un movimiento preferentemente narrativo que cuenta con excepcionales figuras como Charles Dickens, Benito Pérez Galdós, Honoré de Balzac o Gustave Flaubert. Pero también alcanzó importante desarrollo en el teatro, en el que su mejor representante es, con toda probabilidad, el noruego Henrik Ibsen (Skien, 1828-1906), cuya larga trayectoria literaria otorga una extraordinaria renovación a la dramaturgia.

'Los pilares de la sociedad' pertenece a la etapa más realista de Ibsen. En la foto, monumento al dramaturgo en Oslo.

Porque Ibsen se inicia en el género con obras aún fuertemente influidas por el Romanticismo. En ellas adopta como asunto temas de la tradición y el folclore de su país para retratar lo que consideraba defectos del carácter de sus compatriotas. A este periodo pertenecen ‘Brand’ o ‘Peer Gynt’. Pero pronto se sitúa en las corrientes realistas para escribir obras que tratan temas sociales con un espíritu crítico, de denuncia de ciertas situaciones que considera anacrónicas o injustas. ‘Casa de muñecas’ y ‘Un enemigo del pueblo’ son, probablemente, las más destacadas de esta etapa.

También ‘Los pilares de la sociedad’  pertenece a ella. Constituye una denuncia de los turbios negocios que propiciaban los tiempos y, en este sentido, posee plena actualidad. Karsten Bernick es un empresario que se dispone a realizar una operación de recalificación de terrenos que le proporcionará pingües beneficios. Pero, repentinamente, regresa a la ciudad Johan, hermano menor de su esposa que había huido años atrás para cargar con la culpa de una quiebra familiar. Ello desata fantasmas del pasado y, con ellos, una lucha que se complican aún más a causa de ciertas relaciones sentimentales.

A medio camino entre el drama romántico y el de denuncia social, se trata de una excelente obra que posee una perfecta construcción. Pertenece a la etapa en que Ibsen se veía envuelto en grandes polémicas a causa de sus textos. Quizá por ello, evolucionaría en sus últimos años hacia un teatro simbólico en el que se ocupa de hondas reflexiones acerca del ser humano. Buena muestra de ello es ‘El pato salvaje’, que trata sobre la posibilidad de regeneración de éste.

Fuente: Ibsen.net.

Foto: Xabier Cid.

Respecto al teatro, en los países nórdicos, las nuevas tesis literarias vinieron representadas primero por la figura de Henrik Ibsen y, poco más tarde, por el sueco August Strindberg (Estocolmo, 1849-1912), personaje de vida peculiar y atormentada cuyas inquietudes se ven reflejadas en sus obras. Incluso durante un tiempo fue incapacitado mentalmente a causa de sus desajustes psíquicos, que precisamente confieren a su obra una especial intensidad y dramatismo.

August Strindberg -en el centro- es uno de los principales dramaturgos contemporáneos.

Dos etapas se suelen señalar en ella. La primera es claramente naturalista y en este periodo uno de sus temas favoritos es el ataque a la institución matrimonial (él estuvo casado tres veces y todas ellas constituyeron un fracaso). Sobre ello trata, por ejemplo, ‘El padre’ pero su principal obra de esta etapa –y quizá la mejor de toda su creación- es ‘La señorita Julia’, que presenta las desgraciadas relaciones entre un ambicioso lacayo y la hija desequilibrada de un conde y que fue llevada al cine por Alf Sjöberg y convertida en ópera.

Por su parte, la segunda fase de su obra posee más bien un carácter simbolista y constituye una importantísima aportación a la modernización del teatro contemporáneo. Porque en textos como ‘El sueño’ o ‘Espectros’, Strindberg se olvida de los cánones del Realismo y rompe los corsés escénicos de la dramaturgia, además de introducir nuevos efectos en la representación. A esta etapa pertenece igualmente ‘La tormenta’, que nos muestra a un anciano que reflexiona sobre su vida pasada al tiempo que en el exterior se produce un fuerte aguacero acompañado de rayos y truenos.

La función simbólica de esta tormenta como imagen de los recuerdos del protagonista y, sobre todo, de la amenaza de la muerte que se cierne sobre él es evidente. Y es que pocos han manejado el simbolismo en la escena como Strindberg. No es casual que sus obras continúen representándose hoy por todo el mundo –algo que nos da idea de su modernidad- y que grandes dramaturgos posteriores como Eugene O’Neill, Sean O’Casey o el propio Luigi Pirandello hayan reconocido su magisterio.

Fuente: Alternativa Teatral.

Foto: Kungliga Biblioteket.

Fue introducido por los dramaturgos Arno Holz y Johaness Schlaf pero su gran figura fue Gerhart Hauptmann (Obersalzbrunn, entonces Alemania, hoy Polonia, 1862-1946), quién obtendría por su labor el Premio Nobel de Literatura en 1912 “principalmente en apreciación de su producción fructífera, variada y sobresaliente en el campo del arte dramático”.

'Los tejedores' se desarrolla en la región de Silesia (en la foto)

Y ello a pesar de que su primera vocación fue la de escultor. Incluso pasó dos años en Italia estudiando a los grandes clásicos. Sin embargo, tras regresar a Alemania, tomó la decisión de dedicarse a la Literatura. Con el drama ‘Antes del amanecer’ (1889) proporcionó la primera gran obra al Naturalismo alemán y también la primera polémica de la época, pues mientras la crítica ortodoxa le atacó duramente, los autores más jóvenes la apoyaron de forma entusiasta.

No obstante, la obra más conocida de Hauptmann es ‘Los tejedores’, un drama social que se basa en un hecho histórico: la sublevación de los tejedores de Silesia en 1844 ante la irrupción de las máquinas en las fábricas, algo que los condenaba al paro y la miseria. El dramaturgo estructura la obra en cinco actos que componen una perfecta gradación ascendente siguiendo la evolución de la actitud de los obreros, que va desde la resignación hasta la decisión incondicional de sublevarse.

Liderados por dos personajes, Bäcker y Moritz Jäger, a los que ayuda el herrero Wittig -el único que conoce los efectos sangrientos de las revoluciones, pues ha participado en la Francesa-, los tejedores optan por la sublevación y se enfrentan al ejército. Un elemento clave de la construcción naturalista de la obra es el uso del dialecto de Silesia en los parlamentos de los obreros y muy relevante también es el final abierto que propone Hauptmann, quién, en ningún momento -igualmente siguiendo los postulados de la escuela de Zola- toma partido. No debemos olvidar que, pese a su fama de izquierdista, el dramaturgo era un asceta aristocrático al que nada gustaban los movimientos revolucionarios. En cualquier caso, nos encontramos ante una excepcional obra.

Fuente: Nobel Prize.

Foto: Sir Iwan.