Al igual que en otros aspectos de las artes, en la literatura también se origina una mitología propia, constituida por personajes que han calado tan profundamente en la conciencia colectiva que se erigen en representativos de una forma de entender la vida –ya sea para bien, ya como ejemplo de perversión- hasta el punto de que son rápidamente identificados con una actitud vital.

Monumento a Tirso de Molina en Madrid

Los ejemplos son muy numerosos, pero, por citar algunos, podríamos decir que Emma Ozores –y su correlato francés, Bovary- personifican la insatisfacción de la persona reducida a una vida superficial y frívola; Werther se erige como arquetipo del idealismo y la rebeldía románticas; o don Quijote es la encarnación del idealismo y la lucha inútil por la justicia.

Como ellos, don Juan Tenorio es personificación de muchas cosas y no todas positivas. Así, por una parte, es el prototipo del rebelde ante la sociedad, que vive saltando por encima de sus convenciones y haciendo lo que le viene en gana, rasgos muy atractivos en cualquier época y lugar. Pero, por otra, es un ser perverso, que no duda en engañar para lograr sus objetivos sexuales, aunque con ello arruine la vida de sus víctimas.

Sea como fuere, se trata de uno de los personajes literarios que más han calado en la conciencia universal, hasta el punto de  que, en casi todas las épocas y lugares se han realizado reelaboraciones del mito. Moliere, Zorrilla o Lord Byron son algunas de las figuras literarias que se han ocupado de él.
Seguir leyendo »

Zorrrilla, un referente de la literatura española

El teatro romántico español presentó protagonistas cercanos al mito, seres que purgan sus culpas para purificar su amor o personas entrampadas en un destino contingente, al cual no pueden resistir. José Zorrilla y Moral (1817-1893) unió a estos caracteres una visión del cristianismo donde el balance entre el bien y el mal determina la dicha o pesar del personaje. En Don Juan Tenorio, solo el arrepentimiento salva al pendenciero burlador del castigo del infierno, para morir aún en juventud y dejar atrás su regocijo por las muertes de amantes burlados y la conquista y abandono de mujeres. Un relato que mantiene este tema del más allá es ‘El Capitán Montoya’, del libro ‘Leyendas y Tradiciones’.

Las tiradas tienen la forma métrica del teatro, lo que se evidencia en las intervenciones de distintos personajes, yuxtapuestas o separadas por ligeras acotaciones. El capitán César Montoya regresa de viaje para llegar a su funeral y entierro, ver su rostro y el de su amada Inés con gesto escalofriante y hediondo, para luego morir delante de su amigo Ginés en una suerte de flashback, que termina en una imagen desdibujada de su lápida donde se expresa la doble identidad de este personaje, quien fue también fray Diego de Simancas. El terror de verse en el ataúd describe una tensión semejante a la de Don Juan cuando es arrastrado por Don Gonzalo de Ulloa al infierno, pues en ambos casos los personajes no tienen fuerzas para evitar el castigo.

Un viaje que termina en la muerte
Montoya regresa con un acompañante, ambos a caballo y armados con espadas, se sabe que ha estado de viaje y es soldado, pero esto no le servirá para doblegar a la muerte. Cuando pregunta por el difunto, le dan a entender su propio nombre y él piensa que esa persona lo ha reconocido después del viaje. Después aparecen personajes como Inés que hablan de un convento, lo que ligaría su identidad a la de fray Simancas. Se repite el nombre Montoya como anáfora para ir suspendiendo la incredulidad del lector sobre la muerte de este personaje, quien regresa una noche a su pueblo para verse sepultado. El periodo del día, la noche está escogido para acentuar el miedo y la fatalidad en el espíritu de Montoya, quien se sumerge en lo irremediable.
Seguir leyendo »

Puede decirse sin miedo a equivocarse que la irrupción de Lope de Vega en el, por otra parte, escueto panorama dramático español de su época supuso la aparición y consolidación de un teatro nacional de extraordinaria calidad. El Fénix creó toda una dramaturgia a la que bautizó como Comedia Nueva y sentó cátedra hasta el punto de dar lugar a toda una escuela.

Una edición de las obras de Guillén de Castro

Uno de sus principales seguidores fue Guillén de Castro (Valencia, 1569-1631), formado en la Academia de los Nocturnos y que sería, a su vez, máximo representante de la llamada Escuela Valenciana y gran admirador de Lope. No obstante, Guillén ya tenía obra publicada cuando conoció al maestro y, por ello, su teatro presenta ciertas peculiaridades respecto al de éste.

Ello no significa que no se le pueda considerar discípulo de Lope. Sí lo es, lo que ocurre es que –como sucederá más tarde con otros autores, como Tirso de Molina o Mira de Amescua- posee una personalidad y un talento propios.

Compuso Guillén unas treinta y cinco obras teatrales, entre las que la crítica destaca Las mocedades del Cid, en la que, con un trasfondo a medio camino entre la historia y la leyenda, muestra la gestación del héroe desde su adolescencia hasta conformarse como gran batallador. Pero posee también otras obras muy estimables.
Seguir leyendo »

Durante unos años, sólo se concebía como literatura de calidad aquélla comprometida políticamente. Por fortuna, semejante disparate ha pasado a la historia, pues la literatura es toda elaboración poética del lenguaje, es decir, cualquier texto que utilice las connotaciones de éste para crear una obra artística.

Una representación de la obra

Pero, mientras duró aquélla tontería, sus paladines, denostaron hasta la saciedad a los autores que –con mucho más talento que ellos- escribían otro tipo de obras en las que la política estaba ausente y que se centraban en problemas e inquietudes más profundas del ser humano o, simplemente, en entretener al público o crear belleza.

Así, marginaron durante unos años el teatro de Alejandro Casona (Besullo, Asturias, 1903-1965), tildándolo de escapista y apartado de la realidad histórica española. No comprendían aquellos ‘talentos’ que la obra de Casona estaba por encima de ellos, pues sí que era comprometida, pero con el ser humano y sus inquietudes universales y atemporales.

Y no sólo eso. Durante un tiempo, el teatro casoniano constituyó la mayor renovación respecto a la escena española, anquilosada en un Jacinto Benavente que ya había ofrecido lo mejor de su pluma tiempo atrás.

A nuestro juicio, Casona es un excepcional dramaturgo que profundizó como pocos en la relación entre fantasía y realidad que constituyen la vida humana. Para el asturiano, en sus propias palabras, ‘la realidad no es sólo la angustia, desesperación o sexo. El sueño es otra realidad tan real como la vigilia’.
Seguir leyendo »

No es muy frecuente en la literatura que un padre y su hijo sean ambos escritores famosos. Normalmente, los descendientes acostumbran a tomar otros derroteros profesionales –quizá a sabiendas de las penurias económicas que proporciona la escritura- o, en caso de dedicarse a ella, no suelen alcanzar la categoría de su padre.

Alejandro Dumas hijo

Sin embargo, este hecho sucede con los Dumas, ambos llamados, además, Alejandro. Si el padre fue un novelista y dramaturgo famoso, no menos lo fue su hijo natural, aunque éste con una obra más reducida en cantidad.

En efecto, Alejandro Dumas hijo (París, 1824-1895) nació fruto de la relación del autor de Los tres mosqueteros con una humilde costurera. Reconocido por su padre en 1831, estudió en los mejores colegios y, como aquél, vivió una juventud un tanto disipada, quizá movido por el estigma que, en aquellos tiempos, significaba ser hijo natural.

En 1844, conoció a la cortesana Marie Duplessis, quién inspiraría La dama de las camelias, escrita primero como novela –fue publicada en 1848- y, más tarde, adaptada al teatro.
Seguir leyendo »

La preocupación por hallar una explicación y un sentido a la existencia del hombre es tan antigua como su presencia misma en el mundo. Por ello, cada cierto tiempo –generalmente, coincidiendo con etapas de crisis-, la literatura se vuelca en expresar las angustias existenciales.

Busto en honor a Luigi Pirandello

Uno de estos periodos coincidió con los años finales del siglo XIX y primeros del XX, cuando las Revoluciones industriales habían propiciado un elevado progreso económico pero también la visión del hombre como una mera pieza del gran engranaje productivo, carente de libertad y sometido a la maquinaria general que lo utilizaba y anulaba su personalidad.

En esta corriente de pensamiento se inscribieron muchos escritores –Unamuno, Rilke, o Franz Kafka, son algunos de los más importantes-. Y junto a ellos, en lo que respecta al género teatral, Luigi Pirandello.

Por otra parte, el teatro, en esa época, se hallaba dominado por un estilo realista. Se trataba de obras de mero entretenimiento, que reflejaban pequeños problemas de la sociedad burguesa sin buscar una mayor trascendencia. Por ello, cada vez se alzaban más voces que propugnaban una renovación del género dramático.
Seguir leyendo »

Indudablemente, la vida marca a fuego el pensamiento e influye de modo determinante en el carácter de las personas. Y cuando ésta es desgraciada, no podemos pedirles alegría y buen humor, sencillamente, porque quizá no los han conocido.

Albert Camus

Por ello, a un hombre que quedó huérfano de padre a los tres años, enfermó de tuberculosis crónica a los diecisiete, vivió en la pobreza y pudo estudiar gracias a una beca y atravesó dos guerras mundiales presenciando sus horrores –su padre murió en la primera-, no puede pedírsele que escriba una literatura simpática y amable.

Este hombre fue Albert Camus (Mondovi, Argelia, 1913-1960) y, a la vista de su biografía, no podía tener otro pensamiento que no fuese el existencialismo.

Se conoce así, de modo genérico –su sistematización filosófica es otro tema- a la corriente que se desarrolla tras la Segunda Guerra Mundial y que se pregunta por el sentido de la existencia humana. Tras dos guerras de exterminio y algunas otras civiles no menos crueles, no es extraño que el hombre, a la vista de su capacidad destructora y de los horrores presenciados, se preguntase cuál era su papel en el mundo y, aún más, qué sentido tiene la vida. Ante ese mundo, que se ve como absurdo, el hombre se siente perdido y ello deriva en angustia y dolor.
Seguir leyendo »

Si unimos una sociedad regida por unas normas estrictas y un tanto hipócritas, un hombre de talento que, por su forma de ser, gusta de impactar y es incapaz de pasar desapercibido y que, además, satiriza a aquélla –bien es cierto que de un modo bastante amable- y, por último, una conducta entonces penada por la Ley, tendremos un cóctel explosivo que, por fuerza, había de acabar mal.

Óscar Wilde

Esa sociedad era la aristocrática Inglaterra victoriana, la persona, Oscar Wilde, y el hecho delictivo, su relación con Lord Alfred Douglas, denunciada por el padre de éste. Y las consecuencias fueron dos años de trabajos forzados para el escritor que arruinaron su vida.

Y es que, hasta entonces, Wilde (Dublín, 1854-1900), había sido un dandy que triunfaba tanto en los escenarios teatrales como en los salones de la alta sociedad y que, en no pocas ocasiones, había dejado boquiabiertos a sus compatriotas con su comportamiento libre y excéntrico.

A partir de su encarcelamiento, ya nunca fue el mismo. Arruinada su reputación, sus amigos le dieron la espalda y hubo de refugiarse en París, donde malvivió apenas cinco años, abandonado por todos. Fruto de aquella dolorosa experiencia fueron dos obras: De Profundis, extensa carta a Douglas llena de resentimiento, y La balada de la cárcel de Reading, en la que muestra la amargura de la prisión.
Seguir leyendo »

Monumento a los Quintero en el Parque del Retiro, Madrid

Tradicionalmente, se ha divido en género teatral en tragedia y comedia y, a su vez, éstas en diversas tendencias. Pero un arte tan complejo no siempre es fácil de enclaustrar en rígidas clasificaciones. El creador siempre va por delante de ellas. Así, por ejemplo, existe la tragicomendia al igual que la comedia melodramática.

Por ello, a la hora de hablar de un autor de teatro, lo mejor es huir de etiquetas y limitarse a caracterizar del mejor modo posible su obra, sobre todo si es tan peculiar como la de los hermanos Álvarez Quintero.

Serafín (1871-1938) y Joaquín (1873-1944) Alvarez Quintero, sevillanos de Utrera, cultivaron, en efecto un tipo de teatro alegre y amable. El hecho de calificarlo así no significa que se trate de obras cómicas –ni siquiera son estrictamente comedias, pues plantean siempre algún tipo de conflicto-, sino que rebosan alegría de vivir. Sus personajes son buenos, amantes de la vida, seres sencillos que, sin tener muchas cosas, saben ver siempre el lado amable del vivir y de la sociedad.

En este sentido, cabe decir que los conflictos que muestran sus obras podrían calificarse de melodramáticos, en el mejor sentido de la palabra. No hay en ellas grandes tragedias, sino pequeños problemas de la vida que siempre se resuelven bien. Se trata de piezas simpáticas, con diálogos vivos, llenos de gracia y salero andaluz y con un indudable componente costumbrista. La ternura, la luz de su tierra y un lenguaje elegante completan la descripción de estas obras.
Seguir leyendo »

Si tuviéramos que establecer una línea de descendencia histórica entre los grandes detectives de la literatura, tendríamos que comenzar por Auguste Dupin, seguir por Sherlock Holmes y, en tercer lugar, situar a Hercule Poirot, en una continuidad que discurre paralela a la de sus creadores, Edgar Allan Poe, Arthur Conan Doyle y Ágatha Christie.

Ágatha Christie

Y es que, en efecto, tras la genial obra de Doyle, el siguiente gran nombre en la narrativa policíaca es el de Ágatha Christie, quien, además, presenta una obra tan extensa como variada, siempre dentro del género detectivesco –salvo su incursión, menos conocida, en la novela romántica bajo el seudónimo de Mary Westmacott-.

La llamada Reina del crimen también muestra otra novedad: la creación de dos investigadores absolutamente distintos, como son el citado Hercule Poirot, más o menos profesional y delicado, como buen belga, y Miss Marple, madura ama de casa que no duda, para resolver sus accidentales casos, en incomodar a todo el mundo con su insaciable curiosidad.

Pero Ágatha Christie (Torquay, Reino Unido, 1890-1976) también escribió un buen numero de narraciones en las que no aparecen ninguno de ambos y el protagonista es colectivo. Buen ejemplo de ello es la popular Diez negritos. En este tipo de novelas, la construcción de la trama suele ser parecida: varias personas se reúnen, más o menos accidentalmente en una casa y se produce uno o varios asesinatos de los que todos los presentes son sospechosos.
Seguir leyendo »