Aunque con anterioridad ya existía el género, podemos situar los orígenes del teatro moderno en el siglo XVI, con la llegada del Renacimiento, que hace volver los ojos hacia la antigüedad clásica y, por tanto, hacia los dramaturgos griegos y, sobre todo, latinos, como Séneca o Terencio.

Retrato de Christopher Marlowe

En lo que se refiere al escrito en lengua inglesa, hay que hablar obligatoriamente de un antes y un después de William Shakespeare, pues éste constituye la primera gran figura del mismo y quién supo insuflarle vigor dramático –muy especialmente a la tragedia- y nuevas técnicas. No obstante, antes de él, hay algunos autores de interés. Es el caso de John Bale, Thomas Kyd y, sobre todo, Christopher Marlowe.

Marlowe (Canterbury, 1564-1593) tuvo una vida tan breve como agitada. Hijo de un humilde zapatero, pudo, no obstante, estudiar en los mejores centros merced a becas que se ofrecían para futuros religiosos y llegó a graduarse en Cambridge. Claro que nunca tuvo intención de seguir la carrera eclesiástica.

Muy al contrario, su ateísmo, su homosexualidad y su afición al alcohol y las peleas casaban mal con la clerecía. De hecho, los elementos de su vida más conocidos lo son debidos a estas conductas. Así sabemos que terminó sus días asesinado en una taberna de Deptford, probablemente a manos de un espía del gobierno, pues por aquel tiempo su comportamiento se había hecho sospechoso al Consejo Real.
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En los siglos XVI y XVII, el honor y muy especialmente el honor conyugal era un valor esencial para el hombre. El adulterio de la esposa era uno de los mayores delitos que ésta podía cometer y facultaba al marido a tomar justicia por su mano, tanto contra la mujer como contra el amante.

Relieve del busto de Lope de Vega en el Barrio de las Artes, Madrid

Por ello, no es de extrañar que el Teatro de ese tiempo, es decir, el de nuestros Siglos de Oro, adoptase este tema como uno de sus favoritos, dando lugar a un subgénero conocido precisamente así, como dramas de honor. Todos los dramaturgos del periodo trataron estos asuntos.

En buena lógica, uno de quiénes más y mejor lo hicieron fue Lope Félix de Vega Carpio (Madrid, 1562-1635), llamado ‘el Fénix de los ingenios’ por lo abundante de su producción y por la calidad de la misma. Y es lógico que los tratara porque fue precisamente Lope quién creó y marcó las normas de este teatro, genuinamente español y conocido como la Comedia Nueva. Un género que, partiendo de la incipiente dramaturgia castellana, llevó a cabo una verdadera revolución, elevando el teatro español a categoría universal y otorgándole una popularidad entre las gentes que, para hacernos una idea, podría compararse con la que poseen hoy los deportes de masas.

Junto a obras como Peribáñez y el Comendador de Ocaña o Fuenteovejuna, en las que el honor en juego es el de la dignidad del plebeyo o la de todo un pueblo que no se deja dominar por el poderoso y sus decisiones injustas, también trata Lope el tema del adulterio u honor conyugal en otras, entre las que sobresale El castigo sin venganza.
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De entre todas las grandes tragedias de Shakespeare, Macbeth ha pasado a la posteridad como una de las más perfectas, junto a Otelo, Hamlet y El Rey Lear. Su fuerza dramática es extraordinaria y el componente trágico impresionante. Fue escrita hacia 1606, para agasajar a Jacobo I, recién nombrado Rey de Inglaterra y que, hasta entonces, lo había sido de Escocia. Por ello, se basa en un oscuro periodo de la historia de ésta, el de Macbeth, monarca escocés entre 1040 y 1057.

Una edición de Macbeth

Pero la fuente es lo de menos. Lo realmente importante es que se trata de una de las mayores tragedias de la literatura universal. Es el drama de la ambición política desmedida. El protagonista es el arribista que no duda en traicionar y matar para lograr el poder absoluto. Pero, si éste es perverso, peor es su esposa, que no duda en animarlo en sus abyectos planes cuando se muestra arrepentido, aunque al final los remordimientos la aniquilen.

Cuando regresan triunfantes de la batalla, Macbeth y Banquo, dos generales del ejército del Rey Duncan, se tropiezan con tres brujas que les vaticinan que el primero llegará a ser rey y que los hijos del segundo heredarán el trono.

Al llegar a sus dominios, Macbeth le cuenta a su esposa lo ocurrido y entre ambos se conjuran para asesinar al rey. La ocasión es inmejorable cuando éste les visita en su castillo y perpetran el magnicidio.
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La riqueza del teatro clásico español es enorme. Desde que Lope crease la Comedia Nueva, las aportaciones de nuestra dramaturgia han sido extraordinarias, tanto en lo referente a géneros como en lo que respecta a autores y obras.

Texto de un sainete de Ramón de la Cruz

Ciertamente, no es el sainete la más importante de ellas, pero sí se trata de un género teatral autóctono y peculiar. Podríamos definirlo como aquella pieza breve de carácter humorístico que toma sus temas y personajes de las clases populares. Sus orígenes se encuentran en los llamados entremeses, obras de corta extensión que, durante los Siglos de Oro, se representaban en los descansos de las comedias largas y como complemento de éstas.

Si bien existieron precursores, su creador es Ramón de la Cruz (Madrid, 1731-1794), verdadero retratista de las clases populares madrileñas, hasta el punto de que se ha dicho que sus obras, más que teatro, son puros documentos de época. Tras iniciarse escribiendo tragedias y comedias de corte clásico y de escaso éxito, pronto halló su camino en el sainete.

Produjo más de trescientos de éstos, con un extraordinario éxito de público, aunque no tanto de crítica. Ello le convirtió, durante años, en verdadero dueño de los teatros madrileños, nada se movía en el panorama dramático de la Corte sin haber pasado previamente por sus manos.
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La comedia es, para Tirso de Molina, ante todo diversión. Un teatro que permita al espectador evadirse de sus preocupaciones y pasar un rato agradable. Por tanto, es lógico que la conciba como un juego en que cada personaje representa su papel y, al final, todo acaba felizmente.

Monumento a Tirso en Madrid

Esta fórmula se aplica en Don Gil de las Calzas Verdes, en Marta la piadosa, en La villana de Vallecas o en El vergonzoso en palacio, entre otras obras cómicas.

La crítica ha dividido sus comedias en piezas de costumbres y de intriga. Pero, realmente, esta distinción carece de sentido, ya que en todas se hallan presentes los dos elementos: la exposición superficial de la sociedad con tintes burlescos y el conflicto –sobre todo psicológico- entre los personajes.

De este modo, sus comedias se basan en una parodia de las relaciones sociales y ello le permite desarrollar situaciones de gran comicidad. La acción siempre se construye de una de estas dos formas: bien en torno a un personaje que, para lograr sus intenciones, encubre a los demás su verdadera personalidad, bien en torno a uno que, con el mismo objetivo, la desnuda de tal suerte que obliga a los otros a hacer lo mismo.
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No deja de resultar extraordinario, a ojos del lector, el hecho de que un mismo literato pueda escribir los mayores dramas y también excelentes comedias. ¿Cómo pueden crearse obras de la hondura trágica de La vida es sueño o los autos sacramentales y, a la vez, enredos cómicos tan graciosos como, por ejemplo, Casa con dos puertas mala es de guardar?.

Casa en que vivió Calderón de la Barca, en Madrid

Sin embargo, todo esto era capaz de hacerlo Calderón de la Barca, el más grande autor, junto a Lope de Vega, de nuestro teatro clásico. Y no deja de resultar curioso que ambos genios fueran como el haz y el envés de una moneda: al Lope mundano, vital, comunicativo y, por qué no decirlo, un poco ególatra, se opone el Calderón introvertido, discreto y volcado en sus trabajos intelectuales. No obstante, ambos cultivaron el mismo modelo teatral: la Comedia Nueva patentada por el primero.

Si Lope fue el iniciador del género, Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600-1681) es su último representante de gran talla. Tras él, sólo quedaran algunos seguidores de mucho más baja calidad. Militar, secretario al servicio de nobles y, más tarde, sacerdote, legó una obra abundante y de excepcional calidad.

La producción cómica calderoniana se circunscribe a lo que se conoce como comedias de capa y espada, cuyo extraordinario éxito entre el público se explica por la combinación de intrigas amorosas, incontables lances y enredos, misterios y todo ello aderezado por conceptos como el honor o la sátira social.
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La Francia del siglo XVII vivió un renacer del clasicismo, especialmente en lo referente a la literatura y, dentro de ésta, al teatro. Se recuperan los temas de los grandes trágicos griegos –Esquilo, Sófocles- y las formas externas de aquellos dramas. Fueron dos las grandes figuras que capitanearon este renacer: Pierre Corneille y Jean Racine.

Retrato de Jean Racine

Si bien fue el primero quién inició el camino, corresponde a Racine (La Ferté-Milon, 1639-1699) su perfeccionamiento. Aunque estaba destinado a seguir la carrera religiosa, pronto optó por otra más rentable: integrarse en la Corte como panegirista del Rey Luis XIV, trabajo por el cual recibió una pensión que le permitió dedicarse a la literatura.

Sus primeras obras fueron estrenadas por la compañía de Molière, pero no debió quedar muy satisfecho de la labor de éstos, pues las siguientes fueron encargadas a otro grupo teatral. Ello motivó la enemistad entre ambos.

El teatro de Racine está constituido prácticamente en su totalidad por tragedias. Todas ellas muestran un esquema común: la pasión de los personajes mueve la trama, que suele centrarse en dos jóvenes cuyo amor es imposible por pertenecer a grupos rivales o por imposición del Rey. Formalmente, su estructura es sencilla y ajustada a las normas clásicas y los argumentos se extraen de la antigüedad.
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Mucho antes de ser conocida por la República instaurada en ella tras la Primera Guerra Mundial, la ciudad alemana de Weimar fue famosa por coincidir en ella una serie de grandes pensadores y literatos cuya contribución es esencial para comprender el Romanticismo alemán.

Friedrich Schiller

Entre éstos se encontraban Herder y Wieland, pero, sobre todo, Johan Wolfgang von Goethe y Friedrich Schiller. La conjunción de todos ellos dio lugar al llamado Sturm und drang –en castellano, podría traducirse como Tormenta e impulso-, un movimiento que, con su exaltación de lo subjetivo y las emociones, enterraría el Racionalismo imperante y abriría el camino al Romanticismo.

Sin embargo, la carrera profesional de Schiller (Marbach am Neckar, 1759-1805) no parecía inclinarse por las letras. Médico militar, ocupó varios destinos antes de ser nombrado Consejero de Weimar y entrar en contacto con el ambiente cultural de la ciudad. Curiosamente, aunque se conocieron antes, Schiller y Goethe tardaron en trabar amistad. Los que habrían de contarse entre los más grandes dramaturgos alemanes de todos los tiempos no congeniaron del todo bien en principio. Quizá fueran rencillas de genios.

Si bien la obra del segundo abarca otros géneros, la de Schiller es, fundamentalmente, teatral. Escribió un buen número de dramas, casi todos con idéntico sentido: la defensa de la libertad frente a la tiranía de los poderosos, con la intención de formar y educar al pueblo. Así sucede en Don Carlos o Wallenstein.
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Retrao de Pierre-Augustin de Beaumarchais

Aunque muchos recuerden la celebérrima ópera de Gioachino Rossini, Il Barbiere di Siviglia, también conocida bajo el nombre de Almaviva, la autoría del texto original pertenece a un personaje curioso y picaresco, el francés Pierre-Augustin de Beaumarchais (1732-1799). Además de Rossini, otro de los grandes, Wolfang Amadeus Mozart, adaptaría lo que despues sería una ópera mundialmente conocida: Las bodas de Fígaro. Dos obras centradas en las peripecias de una boda imposible, en el caso de El barbero de Sevilla, la de la bella Rosina con el Conde de Almaviva. Además de por sus famosas obras de teatro, muy valoradas en la época, Beaumarchais fue conocido también entre las esferas de la literatura francesa por sus actas judiciales, unos textos llenos de malicia y sarcasmo, muy acordes con su personalidad.

El barbero de Sevilla nos narra la historia del romance entre una hermosa joven, Rosina, encerrada en una mansión por su tutor, el anciano y autoritario Don Bartolo, que desea casarse con ella. Sin embargo Rosina está enamorada de un joven, el Conde de Almaviva. Entre ellos dos se erige la figura de un simpático barbero, Fígaro, que ejercerá de alcahueta para que los enamorados puedan casarse. Como hemos dicho, las sugerencias del barbero serán disfrazar al conde para poder franquear la mansión de Don Bartolo y pedirle en matrimonio a Rosina. Tras una serie de peripecias, los dos dos jovenes consiguen casarse antes de que Bartolo tome a Rosina como suya.

La vida del propio autor estaría marcada por tres matrimonios, el primero de ellos con una viuda diez años mayor que él de la que heredaría su solemne apellido. Las sospechas de la época apuntan que el propio Beaumarchais fue el artífice de la muerte de su primera mujer. Hijo de un relojero, patentaría un nuevo tipo de mecanismo para relojes con un escape totalmente nuevo. Sus virtudes le hicieron subir en la escala social hasta llegar a la Corte, donde fue el profesor de arpa de las hijas de Luís XV. Como se sabe, la corte francesa suponía el camino directo a las funciones públicas del Estado, y Beaumarchais era un buen promotor de su propia persona. Contando con la protección real, siguió sus andanzas como funcionario público y se casó dos veces más. Hasta que en 1775 estrenaría, con un éxito rotundo, El barbero de Sevilla.
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A grandes rasgos, podría establecerse una clasificación del teatro clásico, basándose en sus contenidos, en tres tipos. De una parte, está el teatro de evasión, que busca entretener y divertir al espectador. Por otra, se halla el de denuncia, que, a su vez, puede ser de contenido político o de muestra de vicios y defectos sociales. Y un tercero sería el estético, pura búsqueda de la belleza literaria, en el que el argumento es secundario.

Jean-Baptiste Poquelin, Molière

Todos son válidos y tienen su público. No obstante, si un dramaturgo logra conjugar en una sola obra los tres, en mayor o menor medida, coincidiremos en que tiene mérito.

Esto es lo que trataba de hacer –aunque no siempre lo conseguía- Jean-Baptiste Poquelin, más conocido por Molière (París, 1622-1673), personaje singular que, pudiendo haber ocupado puestos relevantes en la Administración del Estado, optó por el entonces poco prestigioso oficio de cómico, en buena medida por su relación con Armanda Béjart.

Como quiera que fuese, el hecho es que Molière fue actor y escritor de comedias para su propia compañía. Y, frente al prestigio de un Corneille o un Racine, nunca contó con el apoyo de los entendidos, aunque sí del público.
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