Réplica en cera de Vlad Tepes, el vampiro legendario

Y es que la novela de vampiros ha gozado desde sus orígenes de gran éxito. Pero curiosamente, éstos deben buscarse, no en la narrativa, sino en la poesía. En efecto, el género –dejando a un lado las antiguas tradiciones orales de la Europa oriental- se inicia en la lírica. Concretamente, una composición del alemán Ossenfelder titulada precisamente así, El vampiro, está considerada como el primer texto literario en que se aborda el tema.

Posteriormente, otros grandes de la poesía germánica se ocuparían también del tema de los vampiros: Bürger, en Lenore y Johann Wolfgang Goethe en La novia de Corinto fueron algunos de ellos. En la obra de éste último, concretamente, una muchacha muere de pena porque no la dejan casarse con su amado y, como venganza, se presenta por la noche en la alcoba de éste para estar con él, tras lo cual lo vampiriza.

Posteriormente, el género pasa a otros países. Incluso Lord Byron compuso un poema sobre él. Se titula El Giaour, fragmento de un cuento turco y presenta, por vez primera, la figura del vampiro como un ser atormentado.


Precisamente sería un amigo del polémico lord quién escribiría –en la misma noche en que Mary Shelley fraguó su Frankenstein- el primer relato sobre vampiros. Se trata de John William Polidori, aunque algunos señalan como verdadero autor al propio Byron. Se titula El vampiro y su protagonista se inspira en la propia personalidad excéntrica de éste.

Poco después aparecería en la misma Inglaterra Varney el vampiro, un folletín por entregas que duró ciento nueve semanas y que tiene el honor de ser la obra donde aparece por vez primera el vampiro que entra por la ventana para beber la sangre de una doncella dormida.

Para entonces, el género también había prendido con fuerza en Francia, en buena medida gracias a un ensayo anónimo titulado Disertación del abad Calmet –aparecido en 1746-, que trataba el tema a partir de las leyendas de la Europa oriental. Muchos románticos galos escribieron relatos sobre vampiros: Próspero Merimée, Teophile Gautier en La muerta enamorada, Alejandro Dumas padre o Guy de Maupassant en El Horla entre ellos.

Bram Stoker, mítico creador de Drácula

Con la fama del mito extendida por todo el mundo, un sin fin de autores se ocuparon de él: desde Tolstoi en Upiros hasta Edgar Allan Poe en Berenice, pasando por el germano Hoffman o Le Fanu.

Y así llegamos al famosísimo Drácula, de Bram Stoker, novela de vampiros por excelencia y con la que el género alcanza su máximo esplendor, convirtiendo a su figura protagonista en verdadero mito literario.

Fuente: Linkmesh.

Fotos: Vlad Tepes: Cliff 1066 en Flickr | Bram Stoker: Dr. Junge en Wikimedia.

Johannes Kepler, creador de Somnium, la obra inaugural del género

Para concretarlo mejor, quizá sea interesante compararla con la fantasía. La narrativa de este tipo trataría temas imposibles, mientras que la de ciencia ficción los tomaría de un presente en que no son demostrables o probables –ni siquiera verosímiles- pero sí son posibles para la Ciencia.

Dejando al un lado relatos de la Antigüedad, como los de Luciano de Samosatra que tratan viajes fuera de la Tierra pero con un carácter satírico, las primeras manifestaciones del género se remontan al siglo XVII.

Sin embargo, existe un interesante precedente. Se trata de la obra Utopía, de Tomás Moro (1478-1535), canciller del rey Enrique VIII de Inglaterra, filósofo y humanista, que en esta narración describe una sociedad perfecta y feliz que reside en la isla que da nombre al libro. No obstante, este precedente del Mundo feliz de Huxley no es una novela al uso.


Para los expertos, la obra inaugural del género es Somnium (1623), del astrónomo y matemático alemán Johannes Kepler (1571-1630), en la que, con la excusa del interés científico del germano acerca cómo se vería el movimiento de la Tierra desde la Luna, se describe el viaje a nuestro satélite de un aventurero.

Julio Verne, que sentó las bases de la moderna ciencia ficción

Poco después, otro célebre filósofo, Francis Bacon (1561-1626), publicaría Nueva Atlantis, relato que describe una sociedad futurista en la que existen metales artifíciales, manipulación genética o aviones y submarinos.

Y así llegamos a la primera obra que habla de visitantes extraterrestres. Se trata de Micromegas, de Voltaire (1694-1778), publicada en 1732. Contemporánea a ésta es otra novela de ciencia ficción, aunque bien distinta por su contenido. Se trata de Los viajes de Gulliver, de Jonathan Swift (1667-1745).

No obstante, todas estas obras pueden considerarse poco más que pioneras. Habría que esperar al siglo XIX para poder hablar de una verdadera ciencia ficción como género. Comenzando por el Frankenstein de Mary Shelley, continuando por algunos relatos de Edgar Allan Poe –Von Kempelen y su descubrimiento o Revelación mesmérica- y llegando al gran Julio Verne.

Éste último, con sus relatos a medio camino entre la aventura y la revelación futurista con base científica, sienta las bases de la moderna ciencia ficción, cuya edad de oro llegaría en los años treinta del siglo XX.

Fuente: Imperio Anime.

Fotos: Kepler: Jean-Jacques MILAN en Wikimedia | Julio Verne: Charlatlas en Wikimedia.

Gabriele D'Annunzio

Desde luego, este reproche no es aplicable al poeta italiano Gabrielle D’Annunzio (Pescara, 1863-1938). Hijo de un terrateniente, tras pasar por la Universidad de La Sapienza de Roma en la que se inicia su actividad literaria, se casó con tan sólo veinte años con Maria Hardouin di Gallese. Tendrían tres hijos, pero el matrimonio se rompió en 1891. Poco después, inicio una tempestuosa relación de quince años con la actriz Eleonora Duse.

Muy pronto se adhirió al Decadentismo, versión europea del Modernismo hispanoamericano que tan bien ejemplifican personajes como Oscar Wilde, Paul Verlaine o Huysmans.

Pero no era D’Annunzio precisamente un hombre abúlico. En 1897 fue elegido Diputado. No obstante, su vida disipada lo obligo a dimitir y a emigrar a Francia, huyendo de sus acreedores.


Con el advenimiento de la Primera Guerra Mundial, tomó partido por los aliados, apoyando que Italia entrase en el conflicto de su lado e inmediatamente se alisto como voluntario en la Aviación. Seria un héroe de guerra y perdería un ojo en una de sus acciones. Su misión más audaz fue conseguir que nueve aviones llegasen hasta Viena para lanzar propaganda.

Tras finalizar la contienda, la Conferencia de París despojó a Italia de la ciudad de Fiume –actual Rijeka- y el escritor, imbuido de ideas nacionalistas, liderando un ejército de mil ‘legionarios’, se apoderó de la ciudad, expulsando de ella a las tropas aliadas que la ocupaban.

Casa natal del poeta, en Pescara

Tras fracasar en el intento de que Italia se la anexionara de nuevo, declaró el Estado Libre de Fiume, donde aplicaría una suerte de régimen fascista. Ni corto ni perezoso, trató de crear un organismo paralelo a la Sociedad de Naciones y declaró la guerra a Italia. Tras un fuerte bombardeo de la ciudad, hubo de rendirse en 1920.

La derrota apartó definitivamente a D’Annunzio de la actividad publica. Se refugió en su casa del lago de Garda para dedicarse exclusivamente a escribir y, aunque pronto llegaría Mussolini al poder en Italia, nunca ocupó cargo público alguno. Nombrado Académico de la Lengua en 1937, murió repentinamente al año siguiente.

Pese a su extraordinaria actividad, D’Annunzio fue un excepcional escritor que condujo al Decadentismo por los caminos de la más elevada estética, con una absoluta originalidad.

Fotos: D’Annunzio: Mu en Wikimedia | Casa natal: Raboe001 en Wikimedia

Fuente: Biografías y vidas.

Una carta manuscrita de Lezama Lima

Esto sucede con José Lezama Lima (La Habana, 1910-1976) y su novela Paradiso, que, con su publicación en 1970 y por su indudable valor artístico, ha oscurecido toda una labor poética de no menor calidad, en la que se incluyen, no sólo sus propias composiciones, sino también su importantísimo trabajo como animador de la lírica cubana.

Y es que, en efecto, Lezama Lima se encuentra tras la aparición de casi todas las revistas de poesía que surgen en su país durante esos años. Desde Verbum hasta Orígenes –en la que publicó los cinco primeros capítulos de la citada Paradiso- patrocinó toda iniciativa lírica de calidad habida en Cuba.

Hombre dotado de una portentosa cultura, admirador del platonismo y, sobre todo, de Góngora, su poesía presenta una coherencia y unidad que ni siquiera la Revolución castrista –con su literatura comprometida y de combate- pudo alterar.


Cultiva el cubano una poesía religiosa y trascendentalista. Como otro de sus modelos, San Juan de la Cruz, ve en la lírica un vehículo para descifrar y expresar inquietudes metafísicas, sobre todo a través de imágenes metafóricas y simbólicas. Es absolutamente significativa su frase ‘la imagen es la realidad del mundo invisible’.

En concordancia con ella –y con su modelo gongorino-, nos hallamos ante una poesía hermética, de difícil comprensión. Lezama es creador de un lenguaje propio, basado en una personal sintaxis, en el que las metáforas son imprescindibles y que revela una luz personal. Fruto de todo ello es una obra compleja, cargada de barroquismo y elementos simbólicos.

La Habana, ciudad natal de Lezama Lima

Buena muestra de su estilo son libros como Enemigo rumor o Muerte de Narciso, cuya lírica revela un poeta mayor, de los que son capaces de dotar a la poesía de un lenguaje absolutamente personal que –aún teniendo reminiscencias de algunos modelos- no se parece a nadie sino que es una absoluta novedad.

Y, en consecuencia, influye en grandes poetas coetáneos y posteriores, como Cintio Vitier, Virgilio Piñera u Octavio Smith. Incluso Julio Cortázar supo ver el hondo calado de la poesía y el lenguaje de Lezama Lima, que lo erigen en gran figura de la lírica hispanoamericana.

Podéis leer una antología de sus versos aquí.

Fotos: Carta de Lezama Lima: Cubaprensa en Flickr | La Habana: Patxi64 en Flickr

Gabriel Celaya

Fue un craso error, pues, al margen de mínimas excepciones, los resultados fueron decepcionantes: una lírica prosaica, tendenciosa y estéticamente pobre. Afortunadamente, sus cultivadores pronto se dieron cuenta de ello y abandonaron estos temas.

Y es que el género –a nuestro modo de ver- nunca puede ser mayoritario, como pretendían, ya que el lenguaje poético es, por definición, connotativo. En el, las palabras escapan de su significado real para cargarse de contenidos metafóricos o simbólicos y ello dificulta su comprensión. Además, lo estéticamente bello debe estar presente; de lo contrario, no estaremos ante poesía, sino ante otra cosa.

Los dos grandes adalides de esta corriente fueron Blas de Otero y, sobre todo, Gabriel Celaya, quienes, durante unos años, trataron de hacer llegar la poesía ‘a la inmensa mayoría’, en palabras del primero, y convertirla ‘en un instrumento para cambiar el mundo’, en las del segundo. Para conseguirlo, se obligaron a simplificar su obra y ello supuso un desperdicio de su indudable talento.


Gabriel Celaya (Hernani, Guipúzcoa, 1911-1991), pese a sus estudios de ingeniería industrial, vivió desde muy joven el ambiente literario, nada menos que en la Residencia de Estudiantes, al lado de autores de la talla de García Lorca o Moreno Villa. Aunque ya antes de la Guerra Civil había publicado un primer volumen de poesías titulado Marea del silencio, casi toda su obra se desarrolla tras aquélla.

Una calle de Hernani, villa natal de Celaya

En efecto, después de unos años sin publicar, en 1947, aparecen La soledad cerrada y Movimientos elementales, que habían sido escritos con anterioridad y suponen una continuación de las ideas estéticas del Surrealismo.

Viene a continuación Tranquilamente hablando, compendio de composiciones que se inscriben en la temática existencial en boga pero cuyo incipiente prosaísmo ya anticipa su intención de convertir la poesía en un género mayoritario. Por esos años funda, además, la colección de poesía Norte, encomiable intento de enlazar con la lírica de la Generación del 27.

Pero, en los años cincuenta, llega la marea de la literatura social, las más de las veces una forma de encubrir el adoctrinamiento político con formas literarias, en la línea del realismo socialista. Y, junto a escritores escasamente dotados, otros que sí lo estaban y mucho sucumbieron a la moda. Uno de los más activos de éstos últimos fue Celaya, que, durante unos años desperdició así su fuerza poética. Sus Cantos íberos constituyeron una auténtica Biblia de la corriente.

Pronto abandonaría, por suerte, junto a su compañero de aventura Blas de Otero –otro poeta extraordinario- esta línea para acercarse a una poesía de tinte experimental, con Campos semánticos.

En suma, Gabriel Celaya, galardonado con el Premio Nacional de Literatura en 1986 y a pesar de su intento social, es un poeta multiforme y rico que constituye un excelente muestrario de las diversas tendencias de la lírica española de la segunda mitad del siglo XX.

Podéis leer una antología de sus versos aquí.

Fotos: Gabriel Celaya: Bushido Devill en Flickr | Hernani: La Máquina de sonrisas en Flickr

¿Es posible cambiar en 21 días?

Veintiún días, nada más, pueden ser los necesarios para que tu vida cambie de forma notoria. Esa es la premisa que nos trae Feliz Nuevo Día, la obra de Anna Llauradó y Lena Mercadal que nos aproxima al mundo de la estabilidad interior también llamado fitness mental.

No estamos hablando de un libro de autoayuda si es lo que estás pensando. Las autoras se adentran en el mundo de la neurociencia para demostrarnos que en pocos días es posible cambiar, o por lo menos dar un gran paso, para modificar nuestra forma de pensar o de plantearnos las cosas, la vida, con el fin de encontrarnos mucho mejor.

En el centro de este mundo a caballo entre los sentimientos y la ciencia encontramos la serotonina, un neurotransmisor también bautizado como ‘la química del bienestar’ que, con su activación, regula el sistema de forma que nos aporta la estabilidad que necesitamos.

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Este libro, además, tiene muchas particularidades que van más allá de sus propias páginas. Por ejemplo, un regalo, la ‘pulsera del éxito’. Feliz Nuevo Día cuenta con una página en Facebook en la que os podéis hacer fan y conseguir una de las 15 pulseras del éxito de sortearemos. Se trata de un aro de caucho rojo con la palabra ‘éxito’ escrita que quiere asociar el contenido del libro y lo que nos quiere mostrar a nuestro día a día, de forma que la lleves contigo siempre, por lo menos durante los 21 días que nos plantean las autoras del libro.

Sin duda, se trata de una iniciativa que os permitirá conocer a más gente que se ha sentido atraída por el libro y por esta demostración de que es posible cambiar muchas cosas de nuestra vida. Y es que, por mucho que nos neguemos a pensarlo, nuestra mente es mucho más moldeable hacia lo positivo de lo que pensamos. También podemos entenderlo como una educación de la mente que revertirá en todo nuestro organismo gracias a la ‘química del bienestar’.

Anna Llauradó y Lena Mercadal son la combinación perecta para acercarnos con palabras la neurociencia. Anna, una periodista con muchos años de experiencia en comunicación y literatura; y Lena, doctora especializada en cirujía general y muy conocedora de aspectos que unen la ciencia con el bienestar de las personas, como la medicina tradicional o la acupuntura.

Además, para abrir boca, te ofrecemos la lectura del primer capítulo. Verás como hay muchas situaciones del día a día en las que una forma diferente de ver las cosas, una apertura de nuestra mente a nuevas opciones, también se traducirá en nuevas oportunidades para tu vida y para tu bienestar mental e interior. Seguro que querrás seguir hasta conocer qué se esconde tras esos 21 días de cambio.

Hazte fan en Facebook y entra en el sorteo de la Pulsera del éxito
Lee el primer capítulo

La poesía hispanoamericana ejerció un relevante papel en el desarrollo de las vanguardias poéticas de los años veinte. El chileno Vicente Huidobro fue el promotor del Creacionismo y Vallejo, Pablo Neruda, Jorge Luis Borges y otros poetas militaron en varios de aquellos movimientos que se proponían reformar –no solamente la poesía- sino el concepto de literatura en general e incluso de todo el arte.

Relieve a la entrada del Teatro Xavier Villaurrutia, en la capital azteca

Por tanto el Vanguardismo se introdujo pronto en Hispanoamérica. Y, concretamente en México, encontró un terreno propicio para su desarrollo, pues valiosos poetas lo asimilaron con rapidez, incorporándose a las nuevas corrientes, a las que enriquecieron con sus composiciones.

El grupo de mayor relevancia fue el que se reunió en torno a la revista Los Contemporáneos, cuya obra tendría una influencia determinante en el posterior desarrollo de la lírica del país azteca. Entre estos creadores se hallaban Carlos Pellicer, Manuel Gorostiza, Xavier Villaurrutia, Bernardo Ortiz de Montellano, Jaime Torres Bodet o Salvador Novo.

Pero los grandes maestros de ellos fueron Pellicer, poeta del colorismo, Gorostiza, representante de la poesía pura, y Xavier Villaurrutia (Ciudad de México, 1903-1950), el menos veterano de los tres.


Villaurrutia, tras unos fracasados escarceos con el Derecho, decidió dedicarse a la literatura -incluso obtuvo una beca de la Fundación Rockefeller para estudiar teatro en la Universidad de Yale, donde pasaría un año-, participando, no solamente en la mencionada revista Los Contemporáneos, sino también en Barandal, junto a López Pérez, y Ulises, en compañía de Salvador Novo, entre otras.

Es Villaurrutia un poeta de formas clásicas y refinadas -fruto de un amplio bagaje de lecturas- envueltas en una musicalidad sutil. Todo ello adornado con imágenes etéreas y tonos melancólicos. Su poesía es una constante reflexión sobre la muerte pero no contemplada de modo triste, sino nostálgico –Nostalgia de la muerte se titula precisamente uno de sus mejores poemarios-, como destino humano que se acepta con estoicismo.

Universidad de Yale, donde Villaurrutia estudió Artes Escénicas

Junto a ello, encontramos la presencia del paisaje -Villaurrutia poseía unas extraordinarias cualidades pictóricas-, bien matutino, bien crepuscular, muy a tono y como símbolo de la realidad que espera al hombre: la muerte.

Es indiscutible, por otra parte, la influencia que en el poeta ejerció el Surrealismo, con sus imágenes impactantes y oníricas –la Suite del Insomnio es buen ejemplo de ello- y escenas cuya única explicación posible reside en el subconsciente. Sin duda, nos encontramos ante uno de los principales poetas de la literatura mexicana.

Podeis leer una antología de sus poemas aquí.

Fotos: Teatro X. Villaurrutia: Betorcam en Flickr | Universidad de Yale: Fperezq1 en Flickr

Pero, hacia finales de la década de los años cincuenta, comenzaron a revelarse otros autores más jóvenes y movidos por mayores preocupaciones íntimas y estéticas. Es lo que se conoce, precisamente, como la Generación del cincuenta, en la que se incluyen nombres como Ángel González, Jaime Gil de Biedma, José Ángel Valente, Francisco Brines, Claudio Rodríguez, Antonio Gamoneda o José Agustín Goytisolo.

El poeta con un admirador

Aunque no es muy afortunado el membrete de Generación del cincuenta, es indudable que existen afinidades entre estos poetas. El principal de ellos es el retorno al intimismo, a la expresión de la experiencia personal. Formalmente, utilizan un lenguaje sencillo pero muy depurado y el tono es cordial, aunque, en ocasiones, contrapesado por una cierta ironía.

Entre ellos, José Agustín Goytisolo (Barcelona, 1928-1999) es, probablemente, el más cálidamente humano. La muerte de su madre, abatida por una bomba durante la Guerra Civil, marcó su existencia y un gran número de sus poemas están dedicados a ella. Entre éstos se halla el conocido y bellísimo Palabras para Julia, muy popular porque ha sido varias veces musicado. Se trata de una composición conmovedora, dedicada a un tiempo a su madre y a una de sus hijas a la que puso el mismo nombre.


Probablemente este carácter tan íntimo de la poesía de Goytisolo ha sido la causa de que su relevancia haya sido menor que la de otros autores del grupo, como Ángel González o Antonio Gamoneda.

A ello ha contribuido también el hecho de que, a lo largo de su vida, atravesó varias crisis creativas que confieren a su obra una cierta intermitencia en cuanto a su producción, aunque en absoluto en cuanto a su calidad.

Goytisolo con el también poeta Gil de Biedma

Por tanto, nos encontramos ante un excepcional poeta, profundamente humano y vital y con un lenguaje lírico personal e inconfundible. La atención que hoy se le otorga es escasa y, sin duda, la merecería mayor. Quizá sea necesario el paso del tiempo para que, como tantas veces ocurre, se le comience a considerar en su verdadera talla poética.

Podeis leer una antología de sus versos aquí.

Fotos: Goytisolo con un admirador: CCBlanquerna en Flickr | Goytisolo con Gil de Biedma: CCBlanquerna en Flickr

André Bretón, uno de los creadores del Surrealismo

Otro autor que siguió estos mismos pasos, si bien es cierto que para dedicarse a otros géneros y con una obra publicada mucho más extensa, fue el español Juan Larrea (Bilbao, 1895-1980). Y si lo hizo no fue por falta de talento, pues su papel en los movimientos de vanguardia de entreguerras es fundamental y a él se debe la adscripción al Surrealismo de muchos de los poetas de la Generación del 27.

Se inicia en el Creacionismo -promovido por el chileno Vicente Huidobro y variante de otra corriente de vanguardia, el Ultraísmo- que propugnaba una creación poética fruto del puro juego de las palabras al azar, y cuyas imágenes eran resultado de la intención del poeta, que engarza dos realidades a capricho.

Pero pronto –tras su estancia en París- se sumará al Surrealismo de Bretón, que tanto debe al movimiento anterior y que constituye la más importante e influyente de todas las tendencias del Vanguardismo. Larrea nunca se reconoció surrealista pero su adscripción es indudable por el irracionalismo que preside todas sus composiciones.


Basado en las teorías freudianas sobre el subconsciente, el Surrealismo propugnaba una liberación total del poder creador del hombre. Y, para ello, en el caso de la literatura, el autor debía escribir al dictado de un pensamiento libre de toda vigilancia de la razón, elemento contaminado. Por ello, aparecen técnicas como la llamada escritura automática, la unión aleatoria de palabras y frases o la reseña de los sueños, elemento freudiano por excelencia.

Vista de Bilbao, ciudad natal de Larrea

El resultado, muy apreciable en los poemas de Larrea, son composiciones que, lingüísticamente, no transmiten mensaje coherente alguno, pero que sí provocan sensaciones; las imágenes y metáforas que carecen de sentido en el contexto en que aparecen o la presencia de lo onírico y, en casos más extremos, hasta lo delirante.

Como decíamos, Larrea abandonó la poesía con tan sólo treinta y dos años para dedicarse al ensayo, pero su contribución al desarrollo de la lírica moderna ya había sido muy importante.

Podeis leer una antología de sus poemas aquí.

Fotos: André Bretón: Michel Poiccard1 en Flickr | Bilbao: Eneko 123 en Flickr

Ciudad de Trujillo, donde estudió César Vallejo

Esa desazón personal va acompañada, en ocasiones, de preocupación por el dolor ajeno y de inquietudes sociales, de la denuncia de injusticias y desigualdades brutales que tan comunes fueron y son en el mundo. Y, en este sentido, uno de los autores que mejor han mostrado todas estas circunstancias ha sido el peruano César Vallejo.

César Abraham Vallejo (Santiago de Chuco, 1892-1938) fue un viajero impenitente. Revisando su biografía, da la sensación de que no hallaba su lugar. Quizá éste fuera París, donde residió varios años. Y es que Vallejo poseía una especial sensibilidad para el dolor y ello lo convirtió en un hombre torturado. Adscrito al marxismo, fue el suyo un tanto especial, pues lo hizo compatible con preocupaciones religiosas y estéticas radicalmente opuestas al adoctrinamiento de esa ideología.

Si hubiera que definir su labor poética, utilizaríamos dos calificativos: independencia e inquietud renovadora. Aunque, como cualquier poeta, muestra influencias y militó en las Vanguardias, Vallejo escribió siempre impulsado por sus propias convicciones y por un permanente afán de innovación en su obra. Basta, para comprobarlo, repasar su trayectoria.


Ésta se halla presidida -en lo que a su poesía se refiere- por tres grandes libros que constituyen verdaderas cimas de la poesía hispanoamericana, a la altura de las obras de Huidobro o Neruda.

El mestizaje está presente en su poesía. En la imagen, ciudad precolombina de Chan Chan

El primero de ellos es Los heraldos negros, aparecido en 1918. Ampliamente influido por el Modernismo de Rubén Darío, representa, sin embargo, una cierta superación de éste, pues el lenguaje es más parco y menos erudito. Se trata de poemas íntimos, familiares, de una hondura impresionante. Y, junto a ellos, aparece la realidad americana, sentida desde su sangre mestiza. En muchos de los poemas se atisba, igualmente, su innata tristeza.

A continuación, vino Trilce, publicado en 1922 y que supone un cambio radical. Se inscribe en la poesía de vanguardia y se caracteriza por una ruptura radical con las formas tradicionales, hasta el extremo de crear palabras nuevas (como la que da título al libro). Por debajo de su intención ilógica, se percibe una lacerada protesta.

Por último, la que es considerada su obra maestra y que aparecería póstumamente: Poemas humanos (1939). Calificado por el estudioso Fernando Lázaro como ‘uno de los libros más importantes que se han escrito sobre el dolor del Hombre’, sus composiciones revelan su intimidad desgarrada pero también reflexionan sobre el dolor ajeno y muestran una honda inquietud social. El lenguaje continúa siendo audaz -aunque menos que en el anterior-, con metáforas insólitas, rupturas sintácticas y combinación de distintos tipos de frases.

En suma, nos encontramos ante uno de los más grandes líricos de Hispanoamérica en el siglo XX por su combinación de contenidos humanos y total rigor artístico en el lenguaje, es decir, por su perfecta combinación de dos cualidades esenciales al poeta: la humanidad y la exigencia estética.

Podeis leer una antología de sus poemas aquí.

Fotos: Trujillo: Theodore Scott en Flickr | Chan Chan: Madiko 83 en Flickr