Con frecuencia, cuando un escritor adquiere fama por una de sus obras, tendemos a marginar un tanto el resto de su producción. Y, sin embargo, suele suceder que ésta es más amplia y de mayor calidad literaria que la composición que le ha hecho famoso o, al menos, similar.

Una carta manuscrita de Lezama Lima

Esto sucede con José Lezama Lima (La Habana, 1910-1976) y su novela Paradiso, que, con su publicación en 1970 y por su indudable valor artístico, ha oscurecido toda una labor poética de no menor calidad, en la que se incluyen, no sólo sus propias composiciones, sino también su importantísimo trabajo como animador de la lírica cubana.

Y es que, en efecto, Lezama Lima se encuentra tras la aparición de casi todas las revistas de poesía que surgen en su país durante esos años. Desde Verbum hasta Orígenes –en la que publicó los cinco primeros capítulos de la citada Paradiso- patrocinó toda iniciativa lírica de calidad habida en Cuba.

Hombre dotado de una portentosa cultura, admirador del platonismo y, sobre todo, de Góngora, su poesía presenta una coherencia y unidad que ni siquiera la Revolución castrista –con su literatura comprometida y de combate- pudo alterar.
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La poesía no es, a nuestro juicio, el mejor vehiculo para plasmar ideas políticas y sociales. Para ello, existen otros géneros, como el ensayo. Sin embargo, durante unos años –los centrales del siglo XX- se intentó mostrarlas a través de ella. Es lo que se conoce como poesía social.

Gabriel Celaya

Fue un craso error, pues, al margen de mínimas excepciones, los resultados fueron decepcionantes: una lírica prosaica, tendenciosa y estéticamente pobre. Afortunadamente, sus cultivadores pronto se dieron cuenta de ello y abandonaron estos temas.

Y es que el género –a nuestro modo de ver- nunca puede ser mayoritario, como pretendían, ya que el lenguaje poético es, por definición, connotativo. En el, las palabras escapan de su significado real para cargarse de contenidos metafóricos o simbólicos y ello dificulta su comprensión. Además, lo estéticamente bello debe estar presente; de lo contrario, no estaremos ante poesía, sino ante otra cosa.

Los dos grandes adalides de esta corriente fueron Blas de Otero y, sobre todo, Gabriel Celaya, quienes, durante unos años, trataron de hacer llegar la poesía ‘a la inmensa mayoría’, en palabras del primero, y convertirla ‘en un instrumento para cambiar el mundo’, en las del segundo. Para conseguirlo, se obligaron a simplificar su obra y ello supuso un desperdicio de su indudable talento.
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¿Es posible cambiar en 21 días?

Veintiún días, nada más, pueden ser los necesarios para que tu vida cambie de forma notoria. Esa es la premisa que nos trae Feliz Nuevo Día, la obra de Anna Llauradó y Lena Mercadal que nos aproxima al mundo de la estabilidad interior también llamado fitness mental.

No estamos hablando de un libro de autoayuda si es lo que estás pensando. Las autoras se adentran en el mundo de la neurociencia para demostrarnos que en pocos días es posible cambiar, o por lo menos dar un gran paso, para modificar nuestra forma de pensar o de plantearnos las cosas, la vida, con el fin de encontrarnos mucho mejor.

En el centro de este mundo a caballo entre los sentimientos y la ciencia encontramos la serotonina, un neurotransmisor también bautizado como ‘la química del bienestar’ que, con su activación, regula el sistema de forma que nos aporta la estabilidad que necesitamos.
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La poesía hispanoamericana ejerció un relevante papel en el desarrollo de las vanguardias poéticas de los años veinte. El chileno Vicente Huidobro fue el promotor del Creacionismo y Vallejo, Pablo Neruda, Jorge Luis Borges y otros poetas militaron en varios de aquellos movimientos que se proponían reformar –no solamente la poesía- sino el concepto de literatura en general e incluso de todo el arte.

Relieve a la entrada del Teatro Xavier Villaurrutia, en la capital azteca

Por tanto el Vanguardismo se introdujo pronto en Hispanoamérica. Y, concretamente en México, encontró un terreno propicio para su desarrollo, pues valiosos poetas lo asimilaron con rapidez, incorporándose a las nuevas corrientes, a las que enriquecieron con sus composiciones.

El grupo de mayor relevancia fue el que se reunió en torno a la revista Los Contemporáneos, cuya obra tendría una influencia determinante en el posterior desarrollo de la lírica del país azteca. Entre estos creadores se hallaban Carlos Pellicer, Manuel Gorostiza, Xavier Villaurrutia, Bernardo Ortiz de Montellano, Jaime Torres Bodet o Salvador Novo.

Pero los grandes maestros de ellos fueron Pellicer, poeta del colorismo, Gorostiza, representante de la poesía pura, y Xavier Villaurrutia (Ciudad de México, 1903-1950), el menos veterano de los tres.
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La poesía española resultó, entre los distintos géneros literarios, especialmente damnificada por la Guerra Civil. Algunos autores habían muerto en la contienda y otros se habían exiliado. Entre los que permanecieron en España, la convulsión provocada por aquélla dio lugar a una lírica movida por inquietudes existenciales que derivó, pasados unos años, hacia una poesía de profunda preocupación social en la que el mensaje era lo primero, con el consiguiente menoscabo de la calidad.

Pero, hacia finales de la década de los años cincuenta, comenzaron a revelarse otros autores más jóvenes y movidos por mayores preocupaciones íntimas y estéticas. Es lo que se conoce, precisamente, como la Generación del cincuenta, en la que se incluyen nombres como Ángel González, Jaime Gil de Biedma, José Ángel Valente, Francisco Brines, Claudio Rodríguez, Antonio Gamoneda o José Agustín Goytisolo.

El poeta con un admirador

Aunque no es muy afortunado el membrete de Generación del cincuenta, es indudable que existen afinidades entre estos poetas. El principal de ellos es el retorno al intimismo, a la expresión de la experiencia personal. Formalmente, utilizan un lenguaje sencillo pero muy depurado y el tono es cordial, aunque, en ocasiones, contrapesado por una cierta ironía.

Entre ellos, José Agustín Goytisolo (Barcelona, 1928-1999) es, probablemente, el más cálidamente humano. La muerte de su madre, abatida por una bomba durante la Guerra Civil, marcó su existencia y un gran número de sus poemas están dedicados a ella. Entre éstos se halla el conocido y bellísimo Palabras para Julia, muy popular porque ha sido varias veces musicado. Se trata de una composición conmovedora, dedicada a un tiempo a su madre y a una de sus hijas a la que puso el mismo nombre.
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Es muy conocido el caso del sin par Arthur Rimbaud, excepcional poeta ‘maldito’ francés, que, con diecinueve años y tras haber escrito poemas tan hermosos en la forma como abominables en el fondo, se olvidó de la creación literaria para dedicarse a sus negocios y jamás volvió a publicar una sola línea. Pero el suyo no es el único caso de poeta que se exilia de la creación literaria.

André Bretón, uno de los creadores del Surrealismo

Otro autor que siguió estos mismos pasos, si bien es cierto que para dedicarse a otros géneros y con una obra publicada mucho más extensa, fue el español Juan Larrea (Bilbao, 1895-1980). Y si lo hizo no fue por falta de talento, pues su papel en los movimientos de vanguardia de entreguerras es fundamental y a él se debe la adscripción al Surrealismo de muchos de los poetas de la Generación del 27.

Se inicia en el Creacionismo -promovido por el chileno Vicente Huidobro y variante de otra corriente de vanguardia, el Ultraísmo- que propugnaba una creación poética fruto del puro juego de las palabras al azar, y cuyas imágenes eran resultado de la intención del poeta, que engarza dos realidades a capricho.

Pero pronto –tras su estancia en París- se sumará al Surrealismo de Bretón, que tanto debe al movimiento anterior y que constituye la más importante e influyente de todas las tendencias del Vanguardismo. Larrea nunca se reconoció surrealista pero su adscripción es indudable por el irracionalismo que preside todas sus composiciones.
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Entre las numerosas corrientes en que suele dividirse la lírica –estetizante, comprometida, intimista, social, etc-, una de las más comunes es la que podríamos calificar de dolorida, es decir, aquélla que muestra el dolor personal del poeta. Es como si el género fuese más apto que otros para manifestar la angustia del escritor ante la vida.

Ciudad de Trujillo, donde estudió César Vallejo

Esa desazón personal va acompañada, en ocasiones, de preocupación por el dolor ajeno y de inquietudes sociales, de la denuncia de injusticias y desigualdades brutales que tan comunes fueron y son en el mundo. Y, en este sentido, uno de los autores que mejor han mostrado todas estas circunstancias ha sido el peruano César Vallejo.

César Abraham Vallejo (Santiago de Chuco, 1892-1938) fue un viajero impenitente. Revisando su biografía, da la sensación de que no hallaba su lugar. Quizá éste fuera París, donde residió varios años. Y es que Vallejo poseía una especial sensibilidad para el dolor y ello lo convirtió en un hombre torturado. Adscrito al marxismo, fue el suyo un tanto especial, pues lo hizo compatible con preocupaciones religiosas y estéticas radicalmente opuestas al adoctrinamiento de esa ideología.

Si hubiera que definir su labor poética, utilizaríamos dos calificativos: independencia e inquietud renovadora. Aunque, como cualquier poeta, muestra influencias y militó en las Vanguardias, Vallejo escribió siempre impulsado por sus propias convicciones y por un permanente afán de innovación en su obra. Basta, para comprobarlo, repasar su trayectoria.
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La reciente concesión del Premio Príncipe de Asturias de las Letras ha vuelto a situar la obra de Kadare en primer plano de la actualidad. En próximas fechas asistiremos, con toda seguridad, a la reedición masiva de sus creaciones, como siempre sucede en estos casos. Pero la verdad es que un intelectual de peso, como es el albanés, nunca debería caer en el olvido.

Ismail Kadare (Argirocastro, Albania, 1936) –o Kadaré, como suele escribirse adaptándolo a la fonética francesa- vivió de niño la Segunda Guerra Mundial, durante la que su ciudad fue ocupada sucesivamente por italianos, griegos, fuerzas albanesas, nazis y, finalmente, por los partisanos comunistas. Esta dura experiencia marcaría su vida y sus obras. Tras estudiar en Moscú, regresó a Albania para ejercer el periodismo y la política.

Ismail Kadare, en 2002

Tras manifestar que ‘las dictaduras y la literatura son incompatibles…un escritor es el enemigo natural de una dictadura’, se exilió a Francia, donde permaneció hasta 1999. Hoy es el intelectual más importante de Albania y su obra ha sido traducida a más de cuarenta idiomas.

En sus obras, lo autobiográfico ocupa un papel esencial, junto a la denuncia política. Así se aprecia en ‘Abril quebrado’, que trata el tema de las venganzas basadas en el ‘Kanun’, un antiguo código de honor albanés; en ‘El monstruo’; en ‘Los tambores de la lluvia’; y, sobre todo, en ‘El Palacio de los Sueños’, parábola kafkiana sobre un ministerio encargado de estudiar y clasificar los sueños en función de su peligrosidad, y que es, en realidad, una denuncia del régimen burocrático y dictatorial de Albania. Últimamente, también ha tratado el drama recién vivido en los Balcanes por los kosovares con ‘Tres cantos fúnebres por Kosovo’ (1999).
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Tristan Tzara (1896-1963) fundó el movimiento dadaísta en 1916, proclamando ser la mayor fuerza capaz de subvertir el curso del arte y del pensamiento. En la historia, el Dadá tuvo corta vida, pues tanto Tzara como otros autores dadaístas se pasaron al surrealismo de André Breton. El manifiesto dadaísta se opuso a la vigencia de la lógica, a la influencia de la moral en el arte, por ser producto de las discusiones de los filósofos,propuso la irracionalidad, la protesta desde el arte mediante la subversión estética.

Planteó dudar del psicoanálisis, de las intenciones morales y didácticas en la literatura. Quiso transgredir toda norma, en su manifiesto blasfema mucho, pero por momentos revela una fe en ruinas. No teme ser inconsecuente, porque considera la vida como expresión de contradicciones. Sin embargo se notan los límites de su proyecto, pues este texto no estaba tan madurado como el manifiesto surrealista, que no desechó el psicoanálisis ni intentó romper con la cultura vigente hasta su fecha.

Los lectores que quieran leer gratis este manifiesto, disponen del siguiente link:

http://www.ideasapiens.com/textos/Arte/manifiesto%20dadaista.htm

El arte contra la lógica: Esta propuesta tan arriesgada no tiene mucho asidero en el futuro, pues sabemos que con la lógica progresa la ciencia, el lenguaje y todo campo del logos o discurso del conocimiento. Además la lógica libera de errores de cálculo y clarifica el esbozo y conceptualización de ideas. Oponerse a la lógica es evitar la explicación del hecho artístico, esto no es malo, pero es necesario hacerlo fuera del texto literario es decir en el paratexto, allí hay lugar para la teoría y la crítica.
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El casamiento engañoso forma parte de las Novelas ejemplares de Miguel de Cervantes, las que fueron escritas entres los años de 1590 y 1612 y que fueron publicadas un año más tarde en Madrid. Se puede leer la obra desde Internet y eso demuestra que la popularidad de Cervantes no ha bajado a pesar del paso del tiempo.

Lo ejemplar de estas novelas radica en dos características que reúne el conjunto: son las primeras novelas escritas en español que siguen la línea que se estaba generando en Italia (antes de estas sólo existían traducciones de autores italianos); cada novela genera, luego de su lectura, una moraleja, una enseñanza ya sea moral o de conducta. El casamiento engañoso no es una excepción dentro del conjunto pues termina dejándonos con una moraleja, si bien muy conocida, también muy verdadera.

El argumento de la novela es muy fácil de seguir puesto que el único cambio de tiempo es cuando el personaje Campuzano comienza a contar el devenir de su matrimonio, que es justamente la historia del relato. El alférez Campuzano se encuentra con un antiguo amigo suyo, Peralta, quien le pregunta la razón por la cual no se encuentra en Flandes, a lo que el alférez responde contándole el engaño del cual ha sido víctima: se casó con una mozuela, Estefanía de Caicedo, que le hizo creer que la hacienda en la que se encontraban era suya, además se declaraba como una muy buena ama de casa a la que le gustaba cocinar, tejer y, por sobre todas las cosas, atender a su marido.

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