Sin embargo, hubo un buen número de poetas cuya calidad era muy estimable. Entre ellos, quizá el más importante sea Alfred Tennyson (Somersby, Lincolnshire, 1809-1892), creador de una abundante obra que abarca diferentes estilos y corrientes de la lírica.

Alfred Tennyson gozó de enorme popularidad en su tiempo (en la foto, monumento al poeta en Lincolnshire).

No en balde, le valió el título de poeta laureado, galardón que venía a significar el nombramiento como vate oficial del Imperio y en el que sustituyó a William Wordsworth. Por razón de este reconocimiento, escribiría dos de sus composiciones más conocidas: la ‘Oda por la muerte del duque de Wellington’ y ‘La carga de la brigada ligera’. Ésta última canta la hazaña de un batallón del ejército británico durante la Guerra de Crimea (1853-1856) y fue popularísima en Inglaterra durante muchos años. Sin embargo, lo mejor de la obra poética de Tennyson es, probablemente, su lírica de carácter íntimo, en la que destaca sobremanera la elegía dedicada a su amigo Arthur Callam, fallecido en 1833 y que lleva por título ‘In memoriam’. De su laboriosa composición nos da idea el hecho de que no fue publicada hasta 1850.

Por otra parte, Tennyson también halló en la mitología clásica y medieval buen número de temas para sus textos. Al ciclo artúrico está dedicado ‘Idilios del rey’, compuesto por doce poemas narrativos. En cuanto a la Grecia clásica, destaca ‘Ulises’, sobre el legendario héroe de Ítaca que participó en la Guerra de Troya. Escrito en verso blanco, es decir, aquél que posee una métrica regular pero carece de rima, se estructura como un monólogo dramático.

Así, el propio Ulises narra en primera persona su regreso a su ciudad natal tras muchos años y su reencuentro con su esposa Penélope y su hijo Telémaco. Pero, hombre inquieto y aventurero, también hace saber a su auditorio la necesidad que comienza a sentir de nuevos viajes y peripecias, un aspecto que ha llevado a la crítica moderna a considerar al personaje de Tennyson como una criatura egoísta y a interpretar el poema resaltando su carga irónica, dada la imperfección moral de su protagonista. En cualquier caso, se trata de una extraordinaria composición.

Fuente: Victorian Web.

Foto: Nelo_Hotsuma.

En consecuencia, pronto se consolida en la Península Ibérica un grupo de seguidores de Darío que adoptan el Modernismo como propio. Entre ellos, es imprescindible citar a Manuel y Antonio Machado (éste último, durante una etapa de su obra), Eduardo Marquina, Valle-Inclán (respecto a la prosa) e incluso un joven Juan Ramón Jiménez en sus composiciones iniciales.

'Fantasía morisca' recupera el tópico de la princesa cautiva. En la foto, Patio de los Leones de La Alhambra.

Pero, probablemente, el discípulo más allegado al nicaragüense haya sido Francisco Villaespesa (Laujar de Andarax, Almería, 1877-1936), un poeta de obra torrencial –más de cincuenta libros publicados- que se convirtió en “el paladín, el cruzado, el púgil del Modernismo” (en palabras del citado Juan Ramón Jiménez). No obstante, los primeros poemas de Villaespesa se sitúan en la órbita del Romanticismo tardío, al modo de Zorrilla. Eran tiempos en los que llevaba una vida bohemia en Madrid y sobrevivía dedicado al periodismo. Sería el contacto con Darío el que cambiaría para siempre su forma de concebir la lírica. A partir de entonces, funda revistas poéticas de carácter modernista como ‘Electra’ o ‘La Revista Latina’ y sus composiciones se adscriben por completo al movimiento.

Por su parte, el poema titulado ‘Fantasía morisca’ revive el tema tan tratado en la lírica castellana desde época medieval de la joven musulmana presa en un castillo que espera al guerrero que la libere. Podría decirse que se trata de un texto de transición dentro de su evolución poética, pues se trata de un asunto grato tanto a románticos como a modernistas y, si bien los versos son aún cortos –el Modernismo es dado a utilizarlos largos, como el alejandrino-, el léxico se acerca mucho al gusto de Darío, con términos como “plata”, “marfil” u “oro”.

Es una bella composición que, además, refleja el gusto de los poetas andaluces por recrear de forma idealizada su pasado musulmán. Fue, en suma, Villaespesa un poeta fecundo que, en su tiempo, llegó a alcanzar gran popularidad, especialmente por sus obras dramáticas en verso, y que representa la versión más fiel del Modernismo que se haya cultivado en España.

Fuente: El Almería.

Foto:Uayebt.

Al igual que los anteriores, Jorge Guillén (Valladolid, 1893-1984) dedicó su vida a la enseñanza en distintas universidades de todo el mundo, desde La Sorbona a Harvard, pasando por Oxford. Premio Cervantes en 1977, su poesía es una de las más originales de su generación: dotada de gran calidad artística, sin embargo, una primera lectura deja una impresión de frialdad porque renuncia a todo recurso fácil para conmover.

Jorge Guillén fue profesor en diversas universidades. Entre ellas, en la McGill de Canadá (en la foto).

Guillén parte de la realidad concreta pero la somete a un proceso riguroso de estilización con un doble objetivo: extraer de ella las ideas o sentimientos esenciales y convertirla en obra de arte. En acertada comparación, se ha dicho que entre la citada realidad y la visión que de ella nos ofrece un poema de Guillén hay idéntica diferencia que entre un cuerpo de carne y hueso y un purísimo desnudo de mármol. A ello contribuye un lenguaje selecto, que ha sido sometido a un riguroso trabajo de eliminación y condensación que confiere a sus textos una apariencia compacta y de difícil lectura.

Según propia confesión, Guillén concibió toda su obra desde el principio como unidad orgánica. Toda ella se agrupa bajo el título global de ‘Aire nuestro’ y abarca cinco ciclos: ‘Cántico’, ‘Clamor’, ‘Homenaje’, ‘Y otros poemas’ y ‘Final’, cada uno de los cuales se compone de varios libros o partes.

El poema ‘Salvación de la primavera’ pertenece al primero de ellos –‘Cántico’- y constituye una espléndida y larga (consta de nueve partes) composición amorosa al peculiar estilo de Guillén: no hallaremos en ella una sencilla exaltación sentimental sino elaborados y cultos versos. La amada es “puro elemento” y ambos se funden en un “nosotros” que colma “el apogeo máximo de la Tierra”. No es, desde luego, Guillén un poeta fácil, incluso algunas frases de sus composiciones debemos deducirlas más que comprenderlas. Pero, en cualquier caso, se trata de un poeta extraordinario dotado de una lírica muy personal. No en balde, ‘Cántico’ –su mejor obra- es considerado uno de los libros más importantes de toda la poesía del siglo XX.

Fuente: ‘El Norte de Castilla’.

Foto: Mark Watmough.

Son proverbiales, en este sentido, los casos de Antonio Machado o de Miguel Hernández. Pero, probablemente, uno de los autores más personales e invariablemente comprometidos con las preocupaciones humanas haya sido León Felipe (Tábara, Zamora, 1884-1968), pseudónimo de Felipe Camino García de la Rosa, cuya originalidad hace muy difícil adscribirlo a movimiento lírico alguno.

León Felipe fue un auténtico trotamundos. Incluso vivió una temporada en Guinea Ecuatorial (en la foto).

Fue, además, León Felipe un personaje singular de vida errante. Desempeñó todo tipo de trabajos, desde farmacéutico –carrera que había estudiado- hasta actor, pasando por gerente de hospitales en Guinea Ecuatorial, entonces colonia española. Incluso pasó una temporada en la cárcel por un problema de deudas. También fue profesor y bibliotecario en México, país al que retornaría definitivamente tras la Guerra Civil, y en Estados Unidos. Precisamente su estancia en Norteamérica sería decisiva para su obra, pues allí conoce a fondo la lírica de Walt Whitman, uno de los poetas que más influencia ejerció sobre él.

Esta vida nómada otorga pleno sentido a su composición titulada ‘¡Qué lástima!’, pues en ella se lamenta de no tener “patria, ni comarca, ni patria chica ni tierra provinciana” porque ello es causa de que no pueda cantar a los asuntos a los que suelen hacerlo los poetas. Sin embargo, ello no es más que un ardid para hablar de temas sencillos pero hondamente humanos, como el caso de aquella muchacha que todos los días se asomaba a su ventana….hasta que un día dejó de hacerlo.

Se trata de un poema autobiográfico que posee, no obstante, un mensaje más profundo que revela la concepción lírica de León Felipe: lo importante no es cantar a las grandes gestas de la patria o a la tierra chica sino a las cosas sencillas que vemos todos los días y que constituyen la verdadera esencia de la vida. En este sentido, podríamos relacionar esta concepción con la “intrahistoria” unamuniana. Y es que fue el poeta zamorano un autor profundamente humano que nos ha legado algunas de las más sentidas y bellas composiciones de la lírica española del siglo XX.

Fuente: León Felipe.

Foto: UNED.

Pero, probablemente, el papel más destacado en ellos haya sido el del chileno Vicente Huidobro (Santiago de Chile, 1893-1948), poeta osado de cuya precocidad nos da idea el hecho de que, siendo aún adolescente, publicara un manifiesto en el que rechazaba toda la lírica anterior a él. Pese a esta audacia juvenil, que no puede sino despertar una tierna sonrisa, su importancia en el desarrollo de las vanguardias es muy relevante.

Vicente Huidobro nació en Santiago de Chile. En la foto, Plaza de Armas de esta ciudad.

En 1918 se instaló en París, donde participó en los inicios del Surrealismo, del cual terminaría alejándose por no compartir la opinión de que el artista es mero instrumento del subconsciente. También desecharía el Futurismo, al que consideraba un movimiento fugaz: una vez que los lectores se hubieran acostumbrado a los adelantos de la Ciencia, carecería de sentido cantar a la aeronáutica o al automóvil. Así las cosas, Huidobro fundó su propio movimiento poético, al que bautizó con el nombre de Creacionismo.

Con la pretensión de hacer un arte que ni imite ni traduzca la realidad sino que sea capaz de crear otra nueva paralela a ella –de ahí el nombre del movimiento-, el Creacionismo se basaba en el mero juego de azar de las palabras y en la aparición de comparaciones en las que dos realidades se relacionan de forma gratuita, por mero capricho del poeta. Además, se concede gran importancia a la disposición gráfica de la composición, algo que relaciona al estilo de Huidobro con el Cubismo pictórico.

A todo ello responde la pieza incluida en ‘Poemas árticos’ y titulada ‘Noche’, una descripción de ésta plagada de imágenes sorprendentes y efectistas (“miro la estrella que humea entre mis dedos”, en alusión al cigarrillo), yuxtaposiciones carentes de lógica y secuencias de palabras meramente aleatorias (como, por ejemplo, “la canción caía de los árboles”). Importante en ella es, igualmente, la disposición de los versos –a la que nos referíamos anteriormente-, que parecen sugerir como el humo del cigarrillo se aleja. Fue, en suma, Huidobro un excelente poeta, dotado de amplia inventiva, al que la crítica considera integrante de la gran tríada de la lírica chilena junto a Neruda y Gabriela Mistral.

Fuente: Universidad de Chile.

Foto: David Berkowitz.

Éste es el caso del chileno Pablo Neruda (Parral, 1904-1973) o Neftalí Ricardo Reyes –su verdadero nombre-, poeta enormemente precoz que, tras las inevitables influencias ajenas, consiguió pronto una voz absolutamente propia y extraordinaria. Porque a los veinte años ya había publicado varios libros de versos entre los que destaca ‘Crepusculario’, en el que aún son patentes los rasgos modernistas.

Pablo Neruda poseía una casa en Isla Negra. Allí, junto a ella, se le dedicó este monumento.

Pero es precisamente en 1924 cuando aparece ‘Veinte poemas de amor y una canción desesperada’, donde ya Neruda revela una voz personal y que constituye uno de textos líricos sobre el amor más hermosos que se hayan escrito por su tono profundamente humano. Con un lenguaje sencillo pero muy bello y enorme apasionamiento juvenil, el poeta canta al amor, ya de forma gozosa ya amarga. Es, sin duda, uno de los libros de poesía más leídos de todos los tiempos. Sin embargo, Neruda no pudo sustraerse al influjo del Surrealismo que llegaba de Europa. Fruto de ello es ‘Residencia en la tierra’, una obra en la que el tono cambia por completo: sus versos presentan una visión terrible del ser humano, criatura perdida en un mundo caótico.

Pero el poeta volverá a cambiar de orientación. Tras el ‘Canto general’, que exalta a las tierras y a los pueblos americanos, aparecerá ‘Odas elementales’, todo un volumen de poemas dedicado a cantar a las cosas sencillas (el vino, el pan, la cebolla o la madera, por ejemplo) y a las sensaciones cotidianas (la tristeza, la alegría) y cuya intención era construir una nueva visión del mundo a través de las cosas más simples. Su tono cambia por completo y ahora es optimista e incluso exultante.

Se trata, en suma, de una demostración de que los grandes poetas son capaces de escribir extraordinarios versos aunque su inspiración se deba a los objetos más insignificantes. No en balde, Neruda -Premio Nobel de Literatura- es uno de los grandes líricos de las letras hispanoamericanas del siglo XX, autor de una obra tan variada como excepcional, y verdadero maestro de generaciones enteras de poetas hasta la actualidad.

Fuente: Cervantes Virtual.

Foto: Pandrcutts.

No obstante, Cernuda alcanzó muy pronto una voz propia y original. En ella, se refleja su personalidad dolorida, fruto de un profundo desacuerdo con el mundo que se convierte en inadaptación y rebeldía. Este conflicto entre su anhelo de realización personal –el deseo- y los límites impuestos por la sociedad –la realidad- es otro elemento fundamental de su obra. Precisamente así, ‘La realidad y el deseo’, tituló el propio Cernuda una suerte de antología de varios de sus libros.

Luis Cernuda fue lector de español en la Universidad de Glasgow (en la foto).

En este sentido, podríamos decir que nos encontramos ante el último romántico, pues lo que subyace en el espíritu de aquellos poetas del siglo XIX es la rebeldía ante un mundo que les impide alcanzar sus elevados ideales. Este fracaso genera una frustración que se ha bautizado como “desazón romántica”. Y algo muy parecido hallamos en Cernuda. No es casual por ello que uno de los grandes modelos del poeta sea Gustavo Adolfo Bécquer, al que, por otra parte, se asemeja incluso en la elaborada sencillez de su lenguaje lírico.

Como fruto de esta inquietud, uno de los temas predilectos de Cernuda es la soledad, que constituye el asunto del ‘Soliloquio del farero’. En esta composición, el poeta adopta la figura de este profesional como símbolo del aislamiento para realizar un repaso a su vida hasta ese momento y para cantar a la soledad, “verdad solitaria, transparente pasión, mi soledad de siempre”. Pero ello no le impide amar al prójimo sino más bien al contrario, pues el poema se cierra con una proclamación de amor a la humanidad.

Se trata de una obra de madurez, cuando Cernuda ya ha alcanzado una voz personal y un estilo propio, en el que predominan el verso largo carente de rima, los ritmos escasamente marcados y, sobre todo, un lenguaje coloquial que huye de lo brillante pero es rico en sugerencias. Es, en suma, una composición bellísima que rebosa humanidad y revela al extraordinario y original poeta que fue Cernuda.

Fuente: Centro Virtual Cervantes.

Foto: Lisa Nichols.

Incluso la máxima figura de este momento, Juan Ramón Jiménez (Moguer, Huelva, 1881-1958), había comenzado su trayectoria lírica bajo la poderosa influencia de este movimiento, claro que su extraordinario talento poético pronto le hizo seguir caminos propios y originales. Pero sus dos primeros libros, ‘Almas de violeta’ y ‘Ninfeas’  pertenecen a la vertiente más sensorial del Modernismo (uno de ellos fue prologado por el propio Darío).

Juan Ramón Jiménez nació en Moguer (en la foto).

Tras estas dos obras, Juan Ramón Jiménez publica su primer gran poemario, ‘Arias tristes’ (1903) en el que es indudable el magisterio de Gustavo Adolfo Bécquer. Sobre él dijo Antonio Machado: “por él he pensado y he sentido y he llorado”. Y no es de extrañar, pues se trata de composiciones transparentes de emoción: la soledad, la melancolía, el paso del tiempo y la muerte protagonizan la mayoría de ellas. Las formas, por su parte, son sencillas, con versos cortos y asonantes y el lenguaje sobrio. Además, una tenue musicalidad reviste todos estos poemas.

Posteriormente, Juan Ramón volverá a cultivar una poesía de carácter modernista, aunque sin llegar a los extremos de fastuosidad de otros autores. Adoptará una adjetivación brillante y plena de color y ritmos amplios pero ya nunca abandonará el intimismo presente en ‘Arias tristes’. A esta etapa pertenece su popularísimo ‘Platero y yo’, en el que, junto a los rasgos señalados, se advierte ya una voluntad de pureza que preanuncia su obra posterior.

Porque, en efecto, la evolución del poeta muestra una constante persecución de la desnudez expresiva y la concentración conceptual. Obra clave en este sentido es su ‘Diario de un poeta recién casado’, poemario fundamental en la lírica contemporánea en el que la aparente sencillez formal choca contra un fuerte intelectualismo que no hará sino incrementarse en obra posteriores. Sin embargo, ‘Arias tristes’ quedará para siempre como un libro bellísimo cuyos contenidos profundamente humanos y calidad literaria han conmovido a muchas generaciones de lectores de todo el mundo.

Fuente: Juan Ramón Jiménez.

Foto: Adam Jones, Ph. D.

De igual modo, en la obra del sevillano Vicente Aleixandre (1898-1984) se aprecian dos etapas fundamentales, aunque ambas presididas por un sustrato de humanidad extraordinario. La primera muestra un pesimismo existencial desolado con una negativa visión del Hombre. Sin embargo, la segunda revela una imagen más positiva del ser humano, criatura desvalida pero valiente.

Vicente Aleixandre pasó largas épocas en la sierra de Madrid (en la foto) a causa de su precaria salud.

Poeta consagrado a su obra -su delicada salud le impidió desempeñar actividades laborales-, su vocación se despertó cuando le fue presentada la carismática figura de Rubén Darío. Junto a ésta, dos influencias marcarían su obra: la de Juan Ramón Jiménez y la del citado Surrealismo. Bajo este triple magisterio iniciaría una creación poética larga y fructífera que le convirtió en puente entre varias generaciones de escritores y que le proporcionaría el Premio Nobel de Literatura en 1977 otorgado “por una creativa escritura poética que ilumina la condición del Hombre en el Cosmos y en la sociedad actual, al mismo tiempo que representa la gran renovación de las tradiciones de la poesía española de entreguerras”.

A la primera etapa de su creación pertenece el breve poema ‘Adolescencia’, de indudable raíz juanramoniana y en el que canta a la pubertad como una época fugaz que consiste en “pasar por un puente a otro puente” y que, apenas ha llegado, se desvanece. Perteneciente a su primer libro de versos, titulado ‘Ámbito’, el autor la recuerda como una etapa dulce y añorada.

El estilo de Aleixandre aún está formándose y, como decíamos, es patente la influencia de Juan Ramón Jiménez por la desnudez de la palabra poética, la condensación de lo expresado y el tono sugerente y delicado. Todavía no se aprecia en esta composición el pesimismo que marcará la primera parte de su obra y la vida es contemplada como algo alegre y luminoso. Además de por sus indiscutibles cualidades estéticas y humanas, que lo elevan a la categoría de gran poeta moderno, la obra de Vicente Aleixandre constituye a un tiempo magisterio y nexo de unión entre las distintas generaciones que han protagonizado la lírica española a lo largo de todo el siglo XX.

Fuente: Sapiens.

Foto: M. Martín Vicente.

En este sentido, dentro de la Generación del Veintisiete, uno de los poetas que mayor autenticidad humana muestra es, indudablemente, Pedro Salinas (Madrid, 1892-1951), calificado, en muchas ocasiones, como “el poeta del amor”, un rasgo que comparte con Luis Cernuda, que no en balde fue discípulo suyo en la Universidad de Sevilla y que nunca tuvo reparo en reconocer la importancia que el madrileño tuvo para su propia obra.

Pedro Salinas fue profesor en la Universidad de Cambridge (en la foto)

Porque Salinas, como tantos otros compañeros de generación, poseía una amplia formación académica y dedicó su vida a la enseñanza. Además de en la institución citada, impartió su magisterio en Cambridge, en La Sorbona, en Harvard y en varios centros hispanoamericanos. Sin embargo, por encima de ello, fue un excepcional poeta que concebía la lírica como un compendio de tres elementos fundamentales: la citada autenticidad, la belleza y, en tercer lugar, el ingenio, entendido como inteligencia para ahondar en lo concreto y así llegar a lo absoluto.

Aunque nos encontramos ante un poeta absolutamente original, también en sus inicios siguió las enseñanzas de otros colegas de más edad. En su caso –como ocurre igualmente con muchos de sus compañeros de generación-, tuvo una importancia fundamental en su formación el onubense Juan Ramón Jiménez, cuya huella es patente en el primer libro de Salinas, titulado ‘Presagios’, publicado en 1923 y al que pertenece la breve composición ‘Anoche se me ha perdido’.

En ella, el poeta cuenta la pérdida de un objeto en la playa, que teme no poder recuperar pues los “remolinos nocherniegos” acostumbran a llevarse la menuda arena. No es difícil atisbar tras esta anécdota la alusión al recuerdo de algunos sucesos que otros posteriores se encargan de borrar. Métrica sencilla, rima inexistente o con alguna asonancia lejana y emoción contenida nos aproximan a la lírica de Juan Ramón pero Salinas es incapaz de llegar a los extremos de pureza e impersonalidad de aquel (a nuestro juicio, para bien): el poema ya muestra una autenticidad humana que se hará omnipresente en toda la obra del gran poeta madrileño sin abandonarlo jamás.

Fuente: Sapiens.

Foto: Foshie.