Cuando se vive a caballo entre dos épocas, es frecuente que, quién pertenece por edad a la primera, termine acomodándose a la segunda sin por ello traicionar sus convicciones fundamentales, sino a través de un proceso de evolución coherente. Sólo los ignorantes o los chaqueteros reniegan de lo que fueron.

Retrato del duque de Rivas

Esto se aprecia muy visiblemente en épocas convulsas, como lo fue el paso del siglo XVIII al XIX, aún más en España debido a la Guerra de la Independencia. Muchos intelectuales formados en el Neoclasicismo Fernando VII evolucionaron paulatinamente hacia las nuevas corrientes románticas que llegaban del exterior. Ello se vio, además, intensificado por sus obligatorios exilios, huyendo del mezquino .

Uno de estos literatos fue Ángel de Saavedra y Ramírez de Baquedano, más conocido por su titulo nobiliario, duque de Rivas (Córdoba, 1791-1865). Soldado valeroso durante la guerra contra los franceses, en 1823 fue condenado a muerte y sus bienes confiscados a causa de su participación en el golpe de estado del general Riego. Por ello, se vio obligado a emprender un exilio que le llevaría a Inglaterra, Malta –El faro de Malta se titula una de sus composiciones más celebres- y Francia.

Cuando retornó en 1833, había conocido de primera mano el imperante en aquellos países y se convirtió en uno de los más destacados militantes del movimiento en Romanticismo España, hasta el punto de que su drama Don Álvaro o la fuerza del sino, estrenada en 1835, constituye el primer gran éxito del teatro romántico español.
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A lo largo de la trayectoria del poeta, éste corre el riesgo de llegar a la ebriedad lírica, es decir, a profundizar y depurar tanto en su obra que, finalmente, sólo sea comprendida por él mismo y por unos pocos iniciados más. Los versos resultantes de este proceso resultan de una oscuridad absoluta para el lector común que, por no entenderlos, los desprecia.

Relieve con el rostro de Góngora

Se trata de un caso bastante frecuente en la lírica, aunque no lo parezca, y les sucede tanto a poetas vulgares como a otros excepcionales. Uno de los ejemplos más notables de ello es el de Luis de Góngora y Argote (Córdoba, 1561-1627), que lo llevó al extremo de dar lugar a una corriente literaria conocida como Culteranismo.

De familia aristocrática, estudió la carrera eclesiástica y fue canónigo beneficiado de la catedral cordobesa y capellán real de Felipe III. Son proverbiales sus enemistades literarias, que muchas veces llegaron a lo personal. Se enfrentó con Lope de Vega, pero su gran enemigo fue Francisco de Quevedo, con quién intercambió constantes letrillas satíricas –de éste es la famosísima ‘Érase un hombre a una nariz pegado’, dedicada al cordobés- que muestran una enemistad que va más allá de lo puramente literario.

Como decíamos, la lírica gongorina recorrió un proceso de depuración que le hizo alcanzar extremos de dificultad pocas veces igualados en sus obras mayores, como la Fábula de Polifemo y Galatea o en las Soledades. Son estos textos comprensibles sólo para unos pocos eruditos e iniciados en la obra del cordobés, puesto que están repletas de alusiones cultas, de hipérbatos, de juegos de palabras complejos y todo ello revestido de una sintaxis latinizante.
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Es indiscutible que escribir mucho no es sinónimo de escribir bien. La literatura universal está llena de ejemplos  de autores que, con una sola obra, ganaron fama mundial. No obstante, el hecho de tener una obra prolífica tampoco significa que la calidad sea inferior. Bien es cierto que mantener un nivel artístico elevado cuando se escribe mucho no es fácil. Pero ha habido algunos genios que lo lograron.

Retrato de Lope de Vega

Uno de los más importantes -si no el más- es el español Lope Félix de Vega Carpio (Madrid, 1562-1635), cuya producción es, probablemente, la de mayor volumen de la literatura universal. En efecto, no creemos que haya habido un escritor con una obra tan amplia y muy pocos, además, la superan en calidad.

Escribió poesía, narrativa y teatro, siendo en éste último en el que más destacó, ya que a él se debe la creación de la Comedia Nueva, subgénero teatral autóctono cuyo éxito sólo puede equipararse al que hoy día tiene el futbol, pues, al igual que en éste, el público de todas las clases sociales asistía con fervor e incluso había aficionados a tal o cual dramaturgo que polemizaban entre sí.

Pero, además, Lope tuvo tiempo a llevar una intensa vida, en la que se acumularon las amantes y los hijos ilegítimos. Hasta su ordenación como sacerdote en 1614 –y probablemente después-, su actividad amatoria fue muy intensa.
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El movimiento romántico supuso para la poesía una verdadera revolución, al combinar metros y estrofas diferentes e incluso crear otras nuevas, así como introducir en ella temas hasta entonces inexistentes. Pero también –sobre todo en sus años finales- degeneró en sus formas, dando lugar a una lírica ripiosa y demasiado retumbante.

Busto en honor a Rosalía de Castro

Por ello, era necesaria la llegada de algún poeta de altura que asimilase aquellos avances, asentándolos y eliminando los excesos. Y este papel correspondió, en las letras hispanas, a Gustavo Adolfo Bécquer y a Rosalía de Castro, la cual, además, propició con su obra el renacer –llamado ‘Rexurdimento’- de la literatura en gallego. Ahí reside, además de en su extraordinaria creación, la verdadera importancia de esta figura.

Rosalía de Castro (Santiago de Compostela, 1837-1885) fue una mujer luchadora. Hija de madre soltera, con el estigma que ello suponía en la época, tuvo siempre una salud enfermiza y, probablemente, si no se hubiese casado con Manuel Martínez Murguía, erudito de las letras, sus poemas hubiesen quedado inéditos, pues fue éste quién la animó a publicarlos.

Su obra no es muy abundante. Junto a algunos relatos breves, cinco libros de poemas: el inicial La flor, todavía romántico, A mi madre, puro sentimiento, Cantares gallegos, Follas novas, de una cierta denuncia social, y En las orillas del Sar, que vuelve a lo íntimo. Dos rasgos esenciales presiden todos ellos: de una parte, la desnudez expresiva, ajena a toda retórica, que recupera la esencia de la palabra y otorga al ritmo y la musicalidad el protagonismo lírico; y de otra, la expresión de la intimidad dolorida y nostálgica, en un ejercicio de sinceridad.
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Tradicionalmente, se ha considerado a la literatura del siglo XVIII inferior en cuanto a calidad respecto a otras épocas. Se la acusaba de ser poco imaginativa, excesivamente racionalista y afectada de un afán didáctico que disminuía su belleza y creatividad. Y, a causa de todo ello, sólo se salvaba de ese periodo el ensayo.

Retrato de Meléndez Valdés

No obstante, en los últimos años, esta teoría ha ido dejando paso a una revalorización que la ha situado en su justo lugar. Sin dejar de reconocer que, en muchos casos, esa intención didáctica reduce su belleza literaria, se aprecian en ella calidades que antes se infravaloraban, especialmente en lo que se refiere a la lírica.

Dentro de ella, pueden distinguirse a lo largo del siglo tres etapas: una primera que podríamos calificar de posbarroca, en la que se siguen las líneas de aquel periodo aunque con una calidad mucho menor; una segunda calificada como rococó, en la que se inscriben algunos poetas muy estimables; y una tercera neoclásica con ribetes prerrománticos que ya anuncia lo venidero.

Dentro de la segunda, conceptuada como rococó, se inscribe, entre otros, Juan Meléndez Valdés (Ribera del Fresno, Badajoz, 1754-1817), cuya obra se vio durante mucho tiempo relegada debido a su condición de afrancesado, es decir, de colaborador con el invasor durante la Guerra de la Independencia. Profesor y jurista, Meléndez creyó –al igual que Moratín, Olavide y otros muchos- que los ejércitos napoleónicos traerían a España el progreso de la Ilustración y, por ello, se puso al servicio del Rey José I. Lo pagaría con el exilio.
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Hasta el siglo XVI, la poesía castellana  se hallaba constituida por dos corrientes. Una, popular, cuyo máximo exponente eran los romances y los villancicos y que hundía sus raíces en los mismos inicios de la literatura peninsular. Y otra, culta, conformada por cancioneros de contenido amoroso o didáctico-moral, que procedía de la tradición provenzal.

Retrato de Garcilaso de la Vega

Pero, pronto, a estas dos tendencias vendría a unirse otra de origen italianizante. Los dos grandes poetas transalpinos Dante Alighieri -figura esencial de la poesía tardomedieval o prerrenacentista- y su sucesor, Petrarca, influyeron de modo esencial en la poesía europea del momento.

Y, como España no iba a ser una excepción, en la península ibérica esta lírica de origen italiano se introdujo por medio de dos figuras esenciales en nuestras letras: Juan Boscán y Garcilaso de la Vega, quiénes la conocieron de primera mano debido a sus contactos con poetas de aquéllas tierras –en el caso del primero- y a sus estancias allí –en el del segundo-.

Garcilaso de la Vega (Toledo, hacia 1501-1536) encarna como pocos la figura del cortesano renacentista que definiera Castiglione en sus obras. Soldado y poeta, perteneció a la Corte del Emperador Carlos I y realizó numerosos servicios en Nápoles y otros reinos de la península itálica, lo que le permitió entrar en contacto con los seguidores de Dante y Petrarca.
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La lírica, como la música y otras artes, son consustanciales al ser humano. Todas las épocas han tenido su poesía y sus poetas. Pero también es cierto que cada periodo presenta un tipo peculiar de poesía, en la que influyen las creencias, costumbres y modas del momento, las cuales, incluso, hacen que predomine sobre otros géneros o quede rezagada respecto a ellos.

Monumento a Campoamor en Madrid

Estas afirmaciones se ven corroboradas a la perfección en una época tan prosaica como la del Realismo literario, que se desarrolla en la segunda mitad del siglo XIX. En este periodo, el de las revoluciones burguesas y el desarrollo industrial, la narrativa es la que goza del gusto del público lector, en detrimento de la poesía y el teatro.

No obstante, estos géneros siguieron cultivándose, si bien es cierto que ampliamente influidos por el novelístico. Como consecuencia –al margen de los casos de Bécquer y Rosalía de Castro, verdaderas rarezas para la época por su talla lírica- la etapa del Realismo muestra una poesía fuertemente prosaica y de temática muchas veces circunstancial.

Se trata por tanto de obras en las que predomina la tendencia narrativa –el contar una historia de modo directo- y la filosófica, con frecuente menoscabo del uso de figuras típicamente poéticas y, en consecuencia, de menor belleza que la de otros periodos literarios.
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Los hijos de los hijos de la ira

En una época donde los vuelos baratos a Ibiza son bastante requeridos, no hay nada mejor que haceros una recomendación literaria para realizar y así disfrutar el destino tanto antes como durante,  con un autor local como procuramos mencionar cada vez que mezclamos la literatura con los viajes que de forma directa o indirecta, siempre van de la mano.

En este caso no creo que exista un mejor autor para recomendar que Ben Clark, de descendencia británica pero nacido en Ibiza, el destino de este día y que sorprendió al mundo literario en el año 2006 con su poemario “Los hijos de los hijos de la ira“, por el cual ha tenido el honor de ser uno de los ganadores del Premio Hiperión, el más importante que se entrega en España para noveles poetas (comparable únicamente con el Premio Adonais).

Esta obra le valió una crítica en El País donde se expresa que es “un libro en clave generacional“, lo cual todos podemos apreciar al mismo momento de leer sus poemas, pero también creo que debemos destacar la atemporalidad en muchas de sus creaciones pues siente la influencia de grandes poetas del pasado en varios géneros y eso queda plasmado en papel, pero esa “tradición” no es una carga en absoluto para Clark.
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Con frecuencia, cuando un escritor adquiere fama por una de sus obras, tendemos a marginar un tanto el resto de su producción. Y, sin embargo, suele suceder que ésta es más amplia y de mayor calidad literaria que la composición que le ha hecho famoso o, al menos, similar.

Una carta manuscrita de Lezama Lima

Esto sucede con José Lezama Lima (La Habana, 1910-1976) y su novela Paradiso, que, con su publicación en 1970 y por su indudable valor artístico, ha oscurecido toda una labor poética de no menor calidad, en la que se incluyen, no sólo sus propias composiciones, sino también su importantísimo trabajo como animador de la lírica cubana.

Y es que, en efecto, Lezama Lima se encuentra tras la aparición de casi todas las revistas de poesía que surgen en su país durante esos años. Desde Verbum hasta Orígenes –en la que publicó los cinco primeros capítulos de la citada Paradiso- patrocinó toda iniciativa lírica de calidad habida en Cuba.

Hombre dotado de una portentosa cultura, admirador del platonismo y, sobre todo, de Góngora, su poesía presenta una coherencia y unidad que ni siquiera la Revolución castrista –con su literatura comprometida y de combate- pudo alterar.
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La poesía no es, a nuestro juicio, el mejor vehiculo para plasmar ideas políticas y sociales. Para ello, existen otros géneros, como el ensayo. Sin embargo, durante unos años –los centrales del siglo XX- se intentó mostrarlas a través de ella. Es lo que se conoce como poesía social.

Gabriel Celaya

Fue un craso error, pues, al margen de mínimas excepciones, los resultados fueron decepcionantes: una lírica prosaica, tendenciosa y estéticamente pobre. Afortunadamente, sus cultivadores pronto se dieron cuenta de ello y abandonaron estos temas.

Y es que el género –a nuestro modo de ver- nunca puede ser mayoritario, como pretendían, ya que el lenguaje poético es, por definición, connotativo. En el, las palabras escapan de su significado real para cargarse de contenidos metafóricos o simbólicos y ello dificulta su comprensión. Además, lo estéticamente bello debe estar presente; de lo contrario, no estaremos ante poesía, sino ante otra cosa.

Los dos grandes adalides de esta corriente fueron Blas de Otero y, sobre todo, Gabriel Celaya, quienes, durante unos años, trataron de hacer llegar la poesía ‘a la inmensa mayoría’, en palabras del primero, y convertirla ‘en un instrumento para cambiar el mundo’, en las del segundo. Para conseguirlo, se obligaron a simplificar su obra y ello supuso un desperdicio de su indudable talento.
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