A lo largo de la Historia de la Literatura ha habido autores que han buscado las fuentes de inspiración menos convencionales. Desde los excesos con el alcohol y las drogas de algunos, como Charles Baudelaire o Edgar Allan Poe, hasta las experiencias al filo de la realidad o el trance enfebrecido de otros.

André Breton, creador del Surrealismo

Pero pocos habían propugnado la creación literaria a partir del subconsciente y el mundo de los sueños como lo hizo el Surrealismo. Quizá por esto sea considerado la mayor revolución estética del siglo XX y, sin duda, de lo que llevamos del XXI. Y ello a pesar de haber surgido en un momento –los años veinte- en que los movimientos de vanguardia, a cual más atípico, se sucedían vertiginosamente.

Sin embargo, mientras otros desaparecían tras una existencia fugaz, la huella del Surrealismo ha pervivido en la obra de muchos escritores posteriores. Quizá sea porque este movimiento no se presentaba –a diferencia de otros- como una renovación estética, sino como una revolución integral.

Su génesis se encuentra, no obstante, en otros experimentos vanguardistas, como el Dadaísmo y el Cubismo. De ellos procedían sus creadores, André Breton, Philippe Soupault o Louis Aragon, entre otros, pero su gran artífice sería el primero de ellos.
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La literatura italiana vive, tras la Primera Guerra Mundial, un periodo de esplendor, con figuras como Luigi Pirandello en el teatro, Cesare Pavese, Italo Svevo o, algo más tarde, Giuseppe Tomasi di Lampedusa en la narrativa y Dino Campana o Clemente Rébora en la poesía.

Eugenio Montale en la portada de uno de sus libros

Concretamente ésta última conoce, poco después, un grupo de líricos extraordinarios. Iniciados en el magisterio de Gabriele D’Annunzio, reaccionan, sin embargo, contra los presupuestos de éste para abordar una poesía completamente distinta. En efecto, si el polémico autor de los Laudi cultivaba una poesía decadente, en la que las formas bellas eran esenciales, los nuevos poetas se decantarían por una lírica esencial, desnuda de ornamentación y plagada de símbolos que dificultaban su lectura.

Tal es así que un crítico los calificó –con acertado término- como ‘poetas herméticos’. Entre éstos se hallaban fundamentalmente tres grandes figuras: Giuseppe Ungaretti, Salvatore Quasimodo y Eugenio Montale, éstos últimos galardonados con el Nóbel de Literatura.

Pero el gran aglutinador de todos ellos fue Eugenio Montale (Génova, 1896-1981), quién, tras participar en la Primera Guerra Mundial, comienza a publicar sus poemas en la revista Primo Tempo. Pero será con su traslado a Florencia cuando surgirá el verdadero grupo al que aludíamos.
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El Infierno de Dante según William Blake

Considerado como un “artista total”, debido a sus múltiples facetas creadoras, William Blake (Londres, 1757-1827) fue uno de los grandes místicos que nacieron y vivieron en Inglaterra durante los cambios liberales que se produjeron en Europa a finales del siglo XVIII y principios del siglo XIX. A lo largo de su vida combinó el arte de la pintura y el arte de la escritura, de manera que sus grabados son casi igual de famosos que sus poemas. De hecho, es necesario entender su obra en su conjunto, ya que sólo observando la relación entre sus pinturas y sus escritos podemos hacernos una idea del tipo de artista que era William Blake, “el mayor que haya producido Gran Bretaña”, según el prestigioso diario The Guardian.

Autor de obras tan imprescindibles como Milton: un poema u otros de menor importancia como Corderito, William Blake siempre rodea sus escritos de un carácter místico, aludiendo a personajes bíblicos y reflexionando sobre el bien y el mal. A partir de 1788, algunos de sus textos, a destacar Jersualem, Canciones de inocencia y de experiencia o El matrimonio del cielo y el infierno, se caracterizan por ir acompañados de grabados realizados con la técnica del aguafuerte, también conocida como impresión iluminada. Este proceso consiste en escribir el texto en planchas de cobre mediante plumas y cepillos, utilizando un medio que resista al ácido. Así, las ilustraciones pueden colocarse junto al texto de la misma manera que los manuscritos medievales. Posteriormente, las placas se bañan en ácido para que el cobre sobrante acabe eliminado, dejando visible únicamente el diseño.

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El enriquecimiento que, para la lírica española, supuso la Generación del 27 es enorme. De hecho, sus miembros son, en buena medida, responsables de que su época sea considerada la ‘edad de plata’ de la literatura española –la ‘de oro’ la serían los siglos XVI y XVII- y sus aportaciones han guiado los pasos de toda la poesía posterior.

Monumento a Gerardo Diego en Madrid

Pocas veces han coincidido en el tiempo tantos y tan extraordinarios autores, unidos por rasgos comunes pero también diferenciados por las propias inquietudes y estilos de cada uno. Desde la abstracción de Jorge Guillén, pasando por la angustia vital de Dámaso Alonso, hasta la sentimentalidad de Pedro Salinas, todo lo humano está presente en ellos, al igual que todas las corrientes poéticas.

Uno de los que presenta mayor variedad y riqueza en su obra es el cántabro Gerardo Diego (Santander, 1896-1987). En efecto, casi todos los tonos, temas y estilos se hallan presentes en ella. Su sólida formación académica –fue durante muchos años catedrático de lengua y literatura- le permitía estar al tanto de todas las innovaciones que se venían produciendo en la lírica desde fines del siglo XIX, al tiempo que conocer bien la obra de los clásicos.

Además, como profesor, recogió y publicó una excepcional Antología del grupo, en la que están presentes todos sus compañeros y algún otro poeta estimable, aunque más alejado estéticamente de ellos.
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Normalmente el poeta se hace con el paso del tiempo, con sus lecturas y con las influencias que va recibiendo. Basta leer las primeras composiciones de los grandes líricos para darse cuenta de que, si bien no carecen de belleza y calidad, aún les falta el oficio que se descubre en obras posteriores.

Retrato de Pablo Neruda

Sin embargo, unos pocos de ellos parecen nacer tocados por las musas. Aunque también van ganando en veteranía, desde sus primeras composiciones se aprecia un talento natural para la lírica. Si tomamos, por ejemplo, los primeros versos de Lorca o los poemas iniciales de Miguel Hernández, por citar sólo dos ejemplos, nos damos cuenta de ello.

Otro caso evidente de este talento natural es el chileno Neftalí Ricardo Reyes (Parral, 1904-1973), que se haría universal con el pseudónimo de ‘Pablo Neruda’. Tras un poemario inicial no exento de calidad pero todavía muy influido por el Modernismo, con tan sólo veinte años, publica sus Veinte poemas de amor y una canción desesperada, del que se puede decir, sin miedo a equivocarse, que es uno de los más grandes libros de poemas amorosos escritos en castellano.

Se trata, en efecto, de un poemario de amor juvenil y apasionado, unas veces gozoso y otras amargo, pero siempre cálidamente humano y, por la novedad de sus imágenes, ya original.
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En la trayectoria creativa de todo poeta se aprecian variaciones. Es inevitable que se vea influido por las corrientes literarias de cada momento y éstas le hacen evolucionar. Pero, por debajo de estos cambios, subyacen unas constantes inalterables que constituyen la esencia de su lírica.

El poeta César Vallejo

Por ejemplo, a lo largo de toda la obra de Rubén Darío observamos una permanente insatisfacción vital y una extraordinaria belleza en las formas. En Pedro Salinas, un constante canto al amor o en Juan Ramón Jiménez una agotadora búsqueda de la esencialidad de la palabra.

En este sentido, si hubiera que señalar una constante en la obra del peruano César Vallejo (Santiago de Chuco, 1892-1938), ésta sería indudablemente el dolor. Efectivamente, el sufrimiento –tanto propio como ajeno- se halla presente en todos y cada uno de los versos que escribió. Y, junto a ello, una permanente inquietud renovadora de las formas líricas que no se contradice en absoluto con su independencia.

Pero, como ocurre con todo principiante, su primer libro –Los heraldos negros (1918), título harto significativo de lo que venimos exponiendo- aún debe bastante al Modernismo. No obstante, trata de superar esta tendencia con un lenguaje más parco, menos abundante en ornamentación, y a veces de extraordinaria hondura. La tristeza preside todo el conjunto.
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La crítica literaria, tan amiga de encasillar a todo escritor, encuentra un serio problema con algunos de ellos, ya que su originalidad y el hecho de vivir a caballo entre dos épocas los hacen inclasificables. Y, si además, su muerte es prematura, resulta aún más difícil.

Un retrato de Miguel Hernández

Esta circunstancia se hace muy patente en el caso de Miguel Hernández (Orihuela, 1910-1942). En efecto, si sus contemporáneos se sitúan con facilidad en la poesía de posguerra, debido a que la gran mayoría de sus composiciones aparecen tras la Guerra Civil –es el caso de la obra de Gabriel Celaya o de la de Blas de Otero, por ejemplo-, el poeta de Orihuela es casi inclasificable.

No puede incluírsele dentro de la Generación del 27, a pesar de que fue amigo de muchos de sus integrantes y recibió su influencia, pues es más joven y no participó en ninguno de sus actos comunes. Tampoco cabe situarlo dentro de la Generación del 36, ya que murió en 1942 y casi toda la obra de este grupo aparece después.

En consecuencia, nos quedaremos con que fue un lírico de talla extraordinaria y de absoluta originalidad y prescindiremos de clasificaciones simplificadoras que, en muchos casos, empobrecen la caracterización del escritor.
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En el excepcional Grupo poético del 27, cada uno de sus integrantes –junto a los elementos que los unen- personifica un estilo lírico distinto. Dámaso Alonso es el intelectual, Jorge Guillén el poeta críptico de formas abstractas o Vicente Aleixandre el creador de metáforas visionarias.

Dentro de este análisis, que no deja de ser una simplificación, Pedro Salinas (Madrid, 1892-1951) es el poeta del amor. Pero no encontraremos en él desengaño o tristeza, sino todo lo contrario: en Salinas, el amor es una fuerza extraordinaria que otorga sentido al mundo y plenitud a la vida. Nada, por tanto de melancolías románticas, sino dicha y enriquecimiento personal.

Universidad de Cambridge, donde Salinas fue lector de español

Así, la poesía resulta, para el madrileño, una búsqueda de lo absoluto, cuyo mejor lugar para encontrarlo es el sentimiento amoroso. Y, del mismo modo, autenticidad y belleza. Pero también ingenio, una sólida inteligencia, para ahondar en lo sentido y ser capaz de expresarlo.

De esto último se deriva uno de los principales rasgos formales de su lírica: lo que el crítico Leo Spitzer denomina “conceptismo interior”, es decir, un estilo pleno de agudeza, relación de ideas y condensación textual que le otorga una aparente dificultad y que se contradice con la lengua y la métrica sencillas que también son características de su poesía. Pero ello no es óbice para que se trate de composiciones rigurosamente trabajadas y plenas de resonancias semánticas.
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Bob Dylan

Muchos conocemos sus canciones –personalmente, me declaro admirador incondicional de su trabajo, tanto en los años 50, como en los 60, en los 70 o en los 80–, pero muy pocos conocen sus obras escritas. Artista polifacético donde los haya, Bob Dylan (Minnesota, 1941) es uno de los grandes iconos de los siglos XX y XXI, cuya obra supuso un antes y un después en las músicas pop, rock y folk. Algunos de sus discos son emblemas de la década en la que fueron compuestos y algunas de sus canciones, como Blowing in the wind o Stuck inside of mobile with the Memphis blues again, son símbolos indiscutibles para la sociedad norteamericana. Tarántula, en cambio, nos muestra su faceta menos conocida.

La obra fue escrita en 1966, año en el que sacó, quizás, su disco cumbre, Blonde on Blonde, y en el que encontramos joyas como Just like a woman. Sin embargo, el libro no se pudo publicar hasta cinco años después, debido a un accidente de moto que tuvo el artista. El nacimiento de Tarántula fue bastante complejo. En alguna ocasión Dylan afirmó ante la prensa que también escribía otras cosas a parte de canciones, algo que en realidad no hacía. Ante la expectación que generaron aquellas declaraciones, al músico no le quedó otra opción que escribir un libro. Lo primero que escribió fue tan horroroso que no dejó que saliera a la luz. Fue entonces cuando se puso, entre concierto y concierto, a escribir Tarántula.

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Algo debe tener de bueno un poeta cuando un talento lírico como Espronceda le dedica una composición laudatoria. Aún más si tenemos en cuenta que el autor de El estudiante de Salamanca estaba muy ocupado con sus conspiraciones y no se prodigaba en halagos hacia sus compañeros de oficio.

Sin embargo, la alabanza de un genio no siempre es sinónimo de pasar a la posteridad. A veces, la historia literaria es injusta y deja caer en el olvido a autores muy estimables que, quizá, merecieran mayor reconocimiento.

Teatro Carolina Coronado, en Almendralejo

Este es el caso de la poetisa extremeña Carolina Coronado (Almendralejo, 1820-1911), hasta hace poco más conocida por ser tía del sin par Ramón Gómez de la Serna –activo miembro del vanguardismo español- que por su propia obra lírica. No obstante, en honor a la verdad, debemos decir que en los últimos años la crítica ha vuelto a ocuparse de ella y estimar su papel de pionera de la literatura femenina y su poesía.

Perteneciente a una familia de la burguesía liberal perseguida por Fernando VII, Carolina Coronado llevó una vida acomodada, aún más tras contraer matrimonio con el diplomático estadounidense  Horace Perry. Por sus salones madrileños pasaron las más altas personalidades de la vida política y literaria española de la época. Desde el Duque de Rivas hasta el también poeta Manuel José Quintana cultivaron su amistad.
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