Cada vez más, las estanterías de los particulares se parecen a estas.

Aquellos que gusten de leer las novedades literarias lo tienen más difícil, pues la edición de bolsillo suele tardar unos meses en llegar. Sin embargo, los aficionados a los clásicos, que son muchos de los lectores de este blog, lo tienen más sencillo. En la actualidad existen diversas editoriales que se dedican a publicar ediciones compactas y muy económicas de obras decisivas de autores como Leon Tólstoi, Jane Austen, Jorge Luís Borges o Fiódor Dostoievski, entre muchos otros. Evidentemente, no están todos los que son, pero se trata de una buena manera de comprar libros imperecederos de grandes nombres a un precio asequible.

La editorial Juventud, poco conocida, alberga un catálogo de obras bastante extenso a través de su colección Libros de Bolsillo Z. Charles Dickens, Charlotte Brönte, Stefan Zweig u Oscar Wilde son algunos de los autores incluidos. Mucho más fácil de encontrar en las librerías es la extensa serie DeBolsillo, la colección especial y low cost de Random House Mondadori. Sabedores de las tendencias de consumo en materia literaria, este gigante del libro impreso se ha puesto las pilas, poniendo en marcha una colección atractiva en cuanto a diseño (sus portadas se encuentran entre las mejores, sin duda). Si quieres encontrar el clásico que buscas, prueba con el buscador de su página web. Hay de todo. Otra de las clásicas en esto del bolsillo es Anagrama. Con una línea basada en clásicos modernos de la talla de Jack Kerouak, Charles Bukowski, Martin Amis o Alessandro Baricco, el diseño de esta colección también es de lo más atrayente.

Pese al reciente éxito del libro de bolsillo, países como Francia o Inglaterra nos llevan la delantera, en parte porque sus editoriales han querido dar un impulso a este tipo de formato. Nosotros, por el momento, encontramos las librerías dominadas por las tapas duras, aunque la tendencia habla por si sola y, como era de esperar, beneficia a los compactos. En 2009, el formato bolsillo suponía algo más del 9% de los títulos editados. Una cifra que nos parecerá irrisoria pero que puede ir creciendo de manera paulatina. De hecho, en los últimos diez años, se ha pasado de un 11,3 a un 13,5% del total de ejemplares publicados. Y tú, ¿qué prefieres? ¿Tapa dura o tamaño reducido?

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Foto / Johanna B.

Desgraciadamente, esto no siempre es así. Algunos autores, carentes de talento, se hacen oír demasiado a través de polémicas insulsas, oscureciendo a quiénes de verdad lo poseen. Pero, al menos en tiempos pasados, sí ocurría. Figuras como Charles Dickens, con su denuncia de los oprimidos por la entonces naciente Revolución Industrial, o, por poner un ejemplo más reciente, el argentino Ernesto Sábato, que investigó los crímenes en su país, son considerados auténticos referentes éticos.

La poetisa Gabriela Mistral

Otro caso similar es el de la chilena Gabriela Mistral (Vicuña, 1889-1957), extraordinaria poetisa cuya trayectoria humana la convirtió en una personalidad respetada en toda Hispanoamérica. Sin duda a ello contribuyó su defensa de la hermandad entre todos los pueblos del Nuevo Mundo y, sobre todo, su constante labor a favor de los niños.

Y es que Gabriela Mistral fue, no sólo maestra, sino una tenaz pedagoga que luchó toda su vida por mejorar las condiciones educativas de los más pequeños. Para ello, visitó numerosos países y estudió sus métodos docentes, con objeto de aplicarlos posteriormente en su tierra.


Todo ello la erigió en una intelectual cuyas opiniones eran tenidas en cuenta por sus compatriotas. Por ello, en algunos momentos, no dudó en apartarse momentáneamente de su labor lírica para publicar ensayos y artículos en que exponía sus ideas acerca del camino a seguir para lograr la prosperidad de Chile.

Uno de ellos es El patriotismo de nuestra hora, publicado en 1919. En él, tras cantar a la hermosa historia pasada y agradecer a los Padres de la Patria su tarea, plantea los pasos a seguir para alcanzar el bienestar social y la mejora del país.

De este modo, con una sabia combinación de tradición y progreso, debe fomentarse la cultura, la instrucción de las gentes, a su juicio defectuosa. Igualmente, es preciso el trabajo de todos, pero dignificado, es decir, mejorando las condiciones brutales de ciertas faenas.

Monumento a Gabriela Mistral en Montevideo (Uruguay)

Un tercer factor consiste en abrirse al mundo, en relacionarse con las otras naciones que pueden aportar prosperidad. Y, relacionado con ello, aceptar la llegada de emigrantes dispuestos a integrarse y a trabajar por el progreso, ya que, según sus palabras, “suelen las naciones por mantener la pureza de la raza, hacer la decadencia de ella misma” y “mezclarse no es perderse, que es sólo transformarse en un sentido de belleza y valores”. Son éstos los que edifican nuevas ciudades en las naciones jóvenes, como entonces lo era Chile.

Sin duda, se trata de ideas muy loables que la chilena expresa con una prosa sencilla y clara pero de absoluta perfección.

Podéis leer el artículo aquí.

Fuente: Centro Virtual Cervantes.

Fotos: Gabriela Mistral: Paul Lowry en Flickr | Monumento a Gabriela Mistral: Pviojo en Flickr.

Los románticos constituyen el mejor ejemplo de todo ello, ya conduzcan su protesta por el camino revolucionario como Espronceda o Lord Byron, ya la muestren cayendo en la inacción y encerrándose en su propia intimidad como Gustavo Adolfo Bécquer.

Una hermosa vista nocturna de Sevilla, ciudad natal de Cernuda

Pero, como decíamos, esa inadaptación ante el mundo es común a los poetas de cualquier época. Así, entre los integrantes de la Generación del 27, uno de quiénes más la sufrieron fue Luis Cernuda (Sevilla, 1902-1963), cuya condición homosexual –cuando ésta no era bien vista- no haría sino agravarla.

Él mismo era consciente de su condición de criatura marginal y, ante ello, su reacción fue también la rebeldía. Su existencia es una constante lucha entre su anhelo de realización personal –el deseo- y las limitaciones que la prosaica realidad le imponía. No es casual que agrupase toda su obra poética bajo el título común de La realidad y el deseo ni que el eje temático de toda ella sea esta divergencia.


En consecuencia, sus temas dominantes son la soledad, el anhelo de un mundo más habitable, la búsqueda de la belleza y, sobre todo, el amor. De hecho, Cernuda es, junto a Pedro Salinas, el gran poeta del amor dentro de la Generación del 27 y uno de los más importantes de la lírica española.

Ello se aprecia muy bien en su poema Si el hombre pudiera decir lo que ama…, en la que muestra al amor como esencia del ser humano y eje de su vida –”tú justificas mi existencia: si no te conozco, no he vivido”- y, en un sentido menos trascendente, critica el hecho de no poder manifestar con libertad sus sentimientos, circunstancia que él debía conocer bien.

Edificio de la Biblioteca de la Universidad Autónoma de México, donde Cernuda fue profesor

Perteneciente a su libro Los placeres prohibidos, aparecido en 1931, ya muestra la voz personal de Cernuda. Junto a cierto influjo surrealista, destaca la forma elegida, el versículo, que reduce la musicalidad del verso y diluye la rima. Su lenguaje es, asímismo, coloquial, alejado de brillanteces retóricas o lingüísticas pero de una lúcida elaboración y pleno de sugerencias expresivas.

Cernuda es un excepcional poeta dotado de una voz independiente y original que lo hace difícilmente encasillable y ello constituye igualmente un merito no escaso.

Podéis leer el poema aquí.

Fuente: Centro Virtual Cervantes.

Fotos: Sevilla: Sébastien en Picasa | Biblioteca de la UNAM: Esparta en Flickr.

Tennessee Williams

En el caso del primero de ellos, la mención a su origen geográfico no es mera anécdota, sino un importante dato ya que el profundo sur y su peculiar idiosincrasia social se hallan muy presentes en sus obras: un mundo anclado en el pasado, con unas convenciones anticuadas y que no termina de incorporarse a la modernidad que representa el norte del país.

Además, Thomas Lanier Williams (Mississippi, 1911-1983), verdadero nombre del escritor, a quién bautizaron como ‘Tennessee’ sus propios compañeros de estudios debido a su profundo acento sureño, fue una personalidad atormentada, constantemente perseguido por sus problemas con el alcohol y los tranquilizantes.

El éxito literario tardó en llegarle. Tenía treinta y tres años y se había visto obligado a trabajar en una zapatería para sobrevivir. Tras varios intentos, alcanzó la fama con El Zoo de cristal, que –estrenada en 1944 en Chicago- incluso estuvo a punto de ser suspendida debido al escaso número de espectadores que acudieron a verla durante la primera semana. Pero, unos días después el público formaba largas colas para asistir a su representación.


Galardonada con el Premio de la Crítica Teatral de Nueva York, se trata de una obra profundamente autobiográfica. Ambientada en el Saint Louis de los años treinta, nos presenta a la familia Wingfield. La madre, Amanda, vive obsesionada con casar a su hija Laura, una muchacha extremadamente tímida que vive para su colección de figuras de animales en cristal. Junto a ellos, Tom, hermano de Laura y poeta frustrado, es quién sostiene económicamente a la familia trabajando en una zapatería.

Una vista de Saint Louis, donde Williams vivió muchos años

Como decíamos, se trata de un retrato de la vida del propio Williams durante los años en que vivió con su madre y su hermana Rose, aquejada de serios problemas nerviosos y extremadamente tímida, que se hallaba muy unida al escritor.

Y, junto a ello, una crítica a las convenciones sociales del profundo sur –al que antes aludíamos-, que consideraban que la única salida vital para una muchacha como Laura (y como Rose) es un buen matrimonio.

Se trata, en suma, de la primera obra maestra de Tennessee Williams, a la que seguirían otras creaciones no menos geniales, como la mítica Un tranvía llamado Deseo o La gata sobre el tejado de zinc caliente.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Espacio latino.

Fotos: Tennessee Williams: AlMare en Wikimedia | Saint Louis: Exothermic en Flickr.

Castillete de una mina de carbón. La minería constituye el antagonista de La aldea perdida

También es una etapa –sobre todo en sus años finales- en que el género narrativa evoluciona mucho. En pocos años, al modelo realista imperante le sucede el Naturalismo creado por el citado Zola y a éste un nuevo realismo, esta vez menos objetivo y más espiritual.

Por otra parte, todo buen escritor sabe adoptar y asumir las novedades técnicas y estilísticas que se producen en su profesión sin por ello perder su peculiar forma de hacer literatura. Esto sucede con el asturiano Armando Palacio Valdés (Entrialgo, Laviana, 1853-1938).

En efecto, suele ser considerado un novelista tradicional, tanto por sus formas como por sus ideas. Sin embargo, también supo tomar del Naturalismo lo bueno que ofrecía sin caer en los excesos de otros. En este sentido, pueden diferenciarse en su obra dos caminos distintos: de una parte, las obras más puramente idealistas como La aldea perdida, donde defiende el mundo previo a la Revolución Industrial como una Arcadia feliz contraponiéndolo de forma maniquea a la maldad del progreso; y, de otra, sus novelas más realistas, en las que muestra con espíritu crítico problemas de la sociedad española de su época.


Es esta segunda forma de novelar la menos conocida de Palacio Valdés, ya que la crítica siempre se ha quedado con la primera por su tono más amable. Sin embargo, el autor asturiano también sabe ser crítico y fustigar aquello con lo que no está de acuerdo.

Así, a pesar de sus convicciones católicas, no duda en criticar a una parte del clero y a la religiosidad mal entendida, es decir, aquélla que se queda en las apariencias externas sin profundizar en el verdadero cristianismo.

Ayuntamiento de Avilés, ciudad donde el escritor pasó su infancia

Buena muestra de ello es la novela Marta y María, publicada en 1883, en la que muestra la dicotomía entre estas dos hermanas de clase acomodada. María es una muchacha religiosa que acaba ingresando en un convento pero también es egocéntrica y fría en sus sentimientos. Por el contrario, Marta carece de los sentimientos piadosos de su hermana pero es sincera y práctica, mucho más humana que María. A ojos de Palacio Valdés quién goza de todas sus simpatías es Marta.

Realmente, se trata de una novela realista, un cuadro de costumbres de una ciudad provinciana llamada Nieva. Pero los elementos naturalistas afloran aquí y allá. Ejemplo evidente de ello es el momento en que nos narra la flagelación de María, en la que incluso se atisban elementos que reflejan una cierta perversión sexual.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Palaciovaldes.com.

Fotos: Castillete de mina: Fotos de Carrio en Flickr | Ayuntamiento de Avilés: Pablo G. Pando en Flickr.

Detalle del monumento a Ramón Gómez de la Serna en Madrid

No obstante, mayor valor tiene la aportación de una de las figuras más importantes del vanguardismo español. Se trata de Ramón Gómez de la Serna (Madrid, 1881-1963), que participó de una forma u otra en todas las tendencias que se sucedieron en aquella etapa de renovación.

Excéntrico donde los hubiera, la vida de ‘Ramón’ –como él mismo se hacía llamar- constituye una permanente ruptura con las convenciones: pronuncia conferencias vestido de torero o desde el trapecio de un circo, celebra banquetes en los que sólo se consumen medicamentos o recita poemas a lomos de un elefante.

Esto, que podría ser considerado fruto de una personalidad snob, es más bien una muestra de su concepción del mundo, a sus ojos grotesco y sólo explicable en términos de humor.


Todo ello le convierte en verdadera encarnación del espíritu de las vanguardias. Pero, al margen de sus novelas, su teatro y sus excelentes biografías, la gran aportación de Gómez de la Serna a la literatura son sus greguerías, un género nuevo que se halla a medio camino entre la máxima filosófica y el simple chiste.

Pero la base fundamental de la greguería es la metáfora, entendida ésta como la figura que pone en relación dos términos, uno real y otro imaginario, a los que compara de forma incompleta. A partir de ella, ‘Ramón’ ejercita todo un repertorio que, en sus momentos más logrados, recuerda a las audacias conceptistas de Quevedo. Muchas de ellas son de contenido humorístico, otras son más líricas, algunas de contenido filosófico, pero todas constituyen verdaderos ejercicios intelectuales.

Una vista de la madrileña calle de Velázquez, donde Gómez de la Serna vivió muchos años

Las que constituyen el texto Nuevas greguerías, publicado en la revista Renovación española en mayo de 1918 vienen a añadirse a las primeras creadas por el genio de ‘Ramón’. Son, por tanto, más perfectas en su contenido que aquéllas. Ello se aprecia en la extensión de algunas, que desbordan el tamaño de las primeras –apenas una frase- para constituir casi un pequeño relato.

Sin embargo, las mejores son las más breves, ya que requieren un ejercicio intelectual y de condensación realmente extraordinario. Buen ejemplo es aquella que compara una nuez con un pequeño cerebro, una “sesada vegetal”. Se trata, en suma, de excepcionales muestras de ingenio.

Podéis leer el texto aquí.

Fuente: Realidad literal.

Fotos: Monumento a Gómez de la Serna: Zaqarbal en Flickr | Calle Velázquez (Madrid): Pablo F. Burgueño en Flickr.

Así lo reconoció la Universidad de Montevideo en 1938, al rendirles homenaje como las tres grandes poetisas de América, e igualmente toda la crítica posterior, que ve en ellas a auténticas renovadoras de la lírica hispanoamericana.

Monumento a Alfonsina Storni en Mar del Plata

Alfonsina Storni (Sala Capriasca, 1892-1938) nació en Suiza, donde sus padres eran emigrantes pero regreso a los cuatro años a Argentina. Desempeñó diversos trabajos –desde actriz a maestra infantil-. No obstante, su verdadera vocación fue siempre la escritura. Por ello, colaboró en prensa y alternó con grandes figuras literarias, como Federico García Lorca, Horacio Quiroga o Ramón Gómez de la Serna.

Dos temas caracterizan fundamentalmente su poesía: el amor y el feminismo. Al primero debe sus mejores composiciones, que suelen presentar un tono exaltado que no se detiene ante lo erótico. Por su parte, las que tratan de la igualdad entre hombres y mujeres poseen la vehemencia de quién no comprende la diferencia de derechos entre unos y otras.


En este sentido, algunos críticos la han identificado con un feminismo radical. Pero el suyo es más bien una reacción normal contra las normas no escritas que discriminaban a la mujer, impidiéndole llevar una vida similar a la del hombre.

Más importante es diferenciar en su producción poética dos etapas. Una primera presidida por el Modernismo crepuscular en el que predominan los rasgos románticos y la expresión de la intimidad. Y una segunda en que se aprecia la influencia de las vanguardias de los años veinte.

Composición realizada en cera que expone a Alfonsina Storni acompañada de Borges y Carlos Gardel

A la primera pertenece el soneto Vida, una hermosa composición en que la poetisa canta al advenimiento de la primavera, que, para ella, constituye un motivo de gozo. Por eso, su tono es exultante, en consonancia con la vida que resurge tras el oscuro invierno y que promete renovadas fuerzas.

Buena muestra de ello son las palabras elegidas para expresar su felicidad. Términos y conceptos como ‘sangre que hierve’, ‘fuego’, ‘alegría’, ‘verbenas’, ‘vibrante’ o ‘sol’, implican claridad y dicha.

Tristemente, con el paso del tiempo, la visión optimista de la vida que traslucen estos versos se tornaría en una tristeza y melancolía que la llevarían a suicidarse en el Mar de la Plata en 1938.

Podéis leer el poema aquí.

Fuente: Biografías y vidas.

Fotos: Monumento a Alfonsina Storni: Ojota en Flickr | Alfonsina Storni con Gardel y Borges: Horacio Arévalo en Picasa.

'El astillero' es el título de una de las novelas más conocidas de Onetti

Son muy conocidos los casos del condado de Yoknapatawpha en William Faulkner o del Macondo de Gabriel García Márquez, mundos míticos y, en ocasiones, mágicos que constituyen una reproducción a escala del orbe y de la sociedad humana.

Lo mismo sucede con la Santa María del uruguayo Juan Carlos Onetti (Montevideo, 1909-1994). Utilizada por vez primera en La vida breve, buena parte de sus narraciones –incluidas las más populares, El astillero y Juntacadáveres- se desarrollan en ese lugar fantástico hasta que el escritor, cansado de ella, la hace perecer en un devastador incendio en Dejemos hablar al viento. Sin embargo, la Santa María onettiana no es del todo irreal. Según propia confesión, la nostalgia de su Montevideo natal cuando vivía en Buenos Aires es, en gran medida, responsable de su aparición. Por tanto, debe haber en Santa María mucho de la capital uruguaya.

Periodista durante muchos años, Onetti es una figura mítica de las letras de su país. Hombre bohemio, bebedor y mujeriego, de carácter triste y sombrío, soportó durante mucho tiempo la aureola de escritor maldito.


Dos rasgos esenciales conforman su obra. De una parte, la influencia del citado Faulkner y, de otra, su existencialismo. En efecto, el mundo de Onetti es sórdido y depresivo, habitado por criaturas promiscuas y alcohólicas pero también lúcidas. Y todo ello presidido por la soledad, principal obsesión y tema del uruguayo.

Una vista de Montevideo, ciudad natal de Onetti

Precisamente ésta constituye en eje argumental del cuento El cerdito. Una anciana que vive sola disfruta invitando a merendar a tres pilluelos de los suburbios, unos muchachos marginales que le recuerdan a su nieto y que disfrutan, encantados, de los dulces que les ofrece. Sin embargo, un hecho macabro e inesperado confiere al relato un final sorprendente.

Onetti combina lo tierno con lo absurdo y lo cruel de modo magistral. Todo ello narrado con su prosa personal. Pero, en palabras de Vargas Llosa, autor de un ensayo sobre el uruguayo, “su mundo es más bien pesimista, cargado de negatividad, y eso hace que no llegue a un público muy vasto”. Es, en efecto, su obra de difícil lectura por la amargura y el desengaño ante el mundo y el Hombre que rezuma.

Podéis leer el cuento aquí.

Fuente: Sólo Literatura.

Fotos: Astillero: Albasmalko en Wikimedia | Montevideo: Morrissey en Flickr.

Torre de la Universidad de Princeton, donde Castro fue profesor

En efecto, se trata de un conjunto de intelectuales más jóvenes y mejor preparados que plantean ideas distintas. La crítica los ha agrupado bajo el membrete de ‘Generación de 1914′ y, a diferencia de sus antecesores, poseen una sólida formación universitaria que incluso han ampliado en el extranjero. De hecho, la gran mayoría son profesores universitarios y su vocación docente es notoria.

No obstante, esta generación, cuyos grandes animadores son Ortega y Gasset y Eugenio D’Ors, es también elitista. Frente a las soluciones radicales del Noventa y ocho, propugnan un reformismo burgués de cuño liberal inspirado en el ejemplo europeo. Igualmente, frente al irracionalismo de sus antecesores, son fuertemente racionales y defensores de lo intelectual.

No obstante, este grupo, en el que también se integran, entre otros, Gregorio Marañón, Manuel Azaña, Salvador de Madariaga o Claudio Sánchez Albornoz, también presenta puntos coincidentes con los noventayochistas. Uno de los más relevantes es su preocupación por España, aunque desde puntos de vista diferentes.


De hecho, muchos de ellos tratan de buscar en la Historia los motivos de la decadencia contemporánea. En este sentido, uno de los que más se distinguió fue Américo Castro (Cantagallo, Brasil, 1885-1972), protagonista de una interminable polémica con el citado Albornoz.

Hijo de emigrantes –de ahí su lugar de nacimiento-, Castro fue un excepcional historiador que colaboró con Menéndez Pidal en el Centro de Estudios Históricos creado por éste e impartió su docencia en universidades europeas y americanas.

Como buen erudito de la Historia, Castro también se preocupó de la América hispana y, sobre todo, de sus relaciones con la madre patria. Fruto de esta inquietud es el ensayo Hispanoamérica como estímulo, publicado en la Revista de las Españas en 1926.

Imagen del municipio granadino de Huétor, donde Américo Castro pasó su infancia

Castro defiende que la forma de mejorar la relación entre las antiguas colonias y la península –entonces un tanto tensas- es la modernización de España, que únicamente se lograría a través de la educación, de la erradicación del analfabetismo en ésta última. Para él, España cuenta con la ventaja, a la hora de relacionarse con sus antiguas colonias, de un pasado, un idioma y una cultura comunes y el único motivo por el que éstas son más partidarias de relacionarse con otros países es que no se sienten orgullosas de la madre patria.

Por ello, si ésta les brindase una imagen de prosperidad y les facilitase vías de desarrollo, volvería a generarse un pan-hispanismo en el que todas se sentirían cómodas. Se trata, por tanto, de lo que podríamos calificar como regeneracionismo hispanoamericano.

Podéis leer el artículo aquí.

Fuente: Francisco Arias Solís.

Fotos: Universidad de Princeton: Antonio G4 en Flickr | Huétor: Arkángel en Flickr.

Monumento a Rosalía de Castro en Rianxo

Se trata de un estado anímico que ha gozado de fortuna literaria entre los escritores de aquella tierra. Pero, si hay alguien en quién se halla aferrado a su personalidad como un ingrediente esencial de ésta, esa autora es la poetisa Rosalía de Castro (Santiago de Compostela, 1837-1885), cima de las letras gallegas y figura destacadísima de las castellanas.

Escritora autodidacta, constituye junto a otro genio, Gustavo Adolfo Bécquer, la máxima representación de lo que se ha calificado –a falta de otro concepto mejor- como posromanticismo. Es decir, una lírica que, partiendo de la desazón vital del periodo romántico, aporta intimidad, serenidad y sencillez expresiva a la exaltación propia de éste.

Podría decirse, por tanto, que con la gallega y el sevillano se alcanzan las más altas cotas poéticas de aquella estética y, al tiempo, su condensación lingüística, su introspección humana y su variedad de tonos, métrica y musicalidad abren las puertas a una nueva lírica que alcanzará su máxima expresión en el Modernismo de Rubén Darío (al menos, así lo creía Juan Ramón Jiménez).

Además, en Rosalía de Castro se da la circunstancia de que, si sus poemas en gallego son excepcionales, no menos lo son los que escribió en castellano, principalmente los incluidos en el libro En las orillas del Sar.

Sus composiciones son siempre tristes, presididos por esa saudade a que antes aludíamos y, probablemente, fruto de su delicada salud y de un temperamento depresivo. Pero también de una belleza extraordinaria. Pocos poetas han sabido cantar con tanto acierto la armonía de sus estados de ánimo con la Naturaleza. Y es que el carácter de Rosalía casa a la perfección con las características de la tierra gallega, agreste y pertinazmente nublada y lluviosa.

Casa de Rosalía de Castro en Padrón

Perfecta muestra de ello es el poema Dicen que no hablan las plantas…, en el que compara la llegada del invierno y sus prados cubiertos de escarcha con las canas que afloran en su cabello y que son evidencia de su edad. Desde esa atalaya, mira con añoranza y nostalgia –saudade- los tiempos pasados de su juventud.

Rosalía llega en esta composición a una excepcional depuración expresiva. Bastan unas pocas palabras para transmitirnos mucho. Se trata de un lenguaje aparentemente sencillo pero que requiere de extraordinario trabajo de condensación conceptual y de adecuación rítmica.

Podéis leer el poema aquí.

Fuente: Cervantes Virtual.

Fotos: Monumento a Rosalía de Castro: Xornalcerto en Flickr | Casa de Rosalía de Castro: Imbuga en Flickr.