El género picaresco es una contribución de la literatura española a la narrativa universal. Fruto de las peculiares condiciones sociales de la España de la época, su principal rasgo es ser protagonizadas por marginados que, a través de artes poco éticas, tratan de medrar y conseguir el ascenso social.

Escena del Lazarillo de Tormes, por Goya

La primera gran obra de género es El Lazarillo de Tormes, pero su éxito originó un gran número de secuelas así como que otros muchos autores se interesaran por escribir narraciones picarescas. Seria muy largo enumerar la lista de ellos, pero baste decir que un extraordinario talento como Quevedo realizó su aportación con la Historia de la vida del buscón llamado don Pablos.

La figura del pícaro había sido siempre masculina, pero, con el desarrollo del género, algunos autores idearon una nueva variante: introducir a la mujer como protagonista de estas obras y, como consecuencia de ello, enriquecer la picaresca con algunos rasgos peculiares.

De este modo, la picara comparte algunas características propias de su correlato masculino, como sus orígenes humildes, cuando no degenerados, la baja catadura moral, la codicia, o el uso del ingenio para medrar. Pero también presenta elementos nuevos.
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La lírica, como la música y otras artes, son consustanciales al ser humano. Todas las épocas han tenido su poesía y sus poetas. Pero también es cierto que cada periodo presenta un tipo peculiar de poesía, en la que influyen las creencias, costumbres y modas del momento, las cuales, incluso, hacen que predomine sobre otros géneros o quede rezagada respecto a ellos.

Monumento a Campoamor en Madrid

Estas afirmaciones se ven corroboradas a la perfección en una época tan prosaica como la del Realismo literario, que se desarrolla en la segunda mitad del siglo XIX. En este periodo, el de las revoluciones burguesas y el desarrollo industrial, la narrativa es la que goza del gusto del público lector, en detrimento de la poesía y el teatro.

No obstante, estos géneros siguieron cultivándose, si bien es cierto que ampliamente influidos por el novelístico. Como consecuencia –al margen de los casos de Bécquer y Rosalía de Castro, verdaderas rarezas para la época por su talla lírica- la etapa del Realismo muestra una poesía fuertemente prosaica y de temática muchas veces circunstancial.

Se trata por tanto de obras en las que predomina la tendencia narrativa –el contar una historia de modo directo- y la filosófica, con frecuente menoscabo del uso de figuras típicamente poéticas y, en consecuencia, de menor belleza que la de otros periodos literarios.
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Pocas figuras encarnan la peculiar personalidad del romántico como Mariano José de Larra. Su carácter atormentado, su inadaptación a la época en que vivió y su suicidio final hacen de él un verdadero modelo canónico de la forma de ser del romántico. Sin embargo, esto no deja de ser una simplificación, ya que su personalidad es mucho más compleja.

Retrato de Mariano José de Larra

Nacido en Madrid en 1809, hubo de exiliarse con su padre, médico afrancesado, y su madre al finalizar la Guerra de la Independencia. Por ello, su lengua fue el francés y tuvo que aprender el español a su regreso, en 1818. Tras una excelente formación, emprende su carrera periodística, que le llevará a ser la pluma más prestigiosa de la prensa pero que también le granjeó no pocos enemigos. Ello, unido a su tormentosa relación con Dolores Armijo, precipitó su suicidio el 13 de febrero de 1837.

Al margen de breves incursiones en la narrativa y el teatro, Larra fue un periodista de raza, de aquéllos que recorrían las calles observando comportamientos y haciendo acopio de novedades para luego transcribirlas a sus artículos. Y, en este sentido, es, probablemente, el primer articulista moderno.

De ideario liberal y honda preocupación por España –por algo fue uno de los principales modelos de la Generación del 98-, todos sus textos transmiten la tristeza del intelectual ante el estado de postración de su país y sus propuestas modernizadoras.
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Durante unos años, sólo se concebía como literatura de calidad aquélla comprometida políticamente. Por fortuna, semejante disparate ha pasado a la historia, pues la literatura es toda elaboración poética del lenguaje, es decir, cualquier texto que utilice las connotaciones de éste para crear una obra artística.

Una representación de la obra

Pero, mientras duró aquélla tontería, sus paladines, denostaron hasta la saciedad a los autores que –con mucho más talento que ellos- escribían otro tipo de obras en las que la política estaba ausente y que se centraban en problemas e inquietudes más profundas del ser humano o, simplemente, en entretener al público o crear belleza.

Así, marginaron durante unos años el teatro de Alejandro Casona (Besullo, Asturias, 1903-1965), tildándolo de escapista y apartado de la realidad histórica española. No comprendían aquellos ‘talentos’ que la obra de Casona estaba por encima de ellos, pues sí que era comprometida, pero con el ser humano y sus inquietudes universales y atemporales.

Y no sólo eso. Durante un tiempo, el teatro casoniano constituyó la mayor renovación respecto a la escena española, anquilosada en un Jacinto Benavente que ya había ofrecido lo mejor de su pluma tiempo atrás.

A nuestro juicio, Casona es un excepcional dramaturgo que profundizó como pocos en la relación entre fantasía y realidad que constituyen la vida humana. Para el asturiano, en sus propias palabras, ‘la realidad no es sólo la angustia, desesperación o sexo. El sueño es otra realidad tan real como la vigilia’.
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Con frecuencia, cuando un escritor adquiere fama por una de sus obras, tendemos a marginar un tanto el resto de su producción. Y, sin embargo, suele suceder que ésta es más amplia y de mayor calidad literaria que la composición que le ha hecho famoso o, al menos, similar.

Una carta manuscrita de Lezama Lima

Esto sucede con José Lezama Lima (La Habana, 1910-1976) y su novela Paradiso, que, con su publicación en 1970 y por su indudable valor artístico, ha oscurecido toda una labor poética de no menor calidad, en la que se incluyen, no sólo sus propias composiciones, sino también su importantísimo trabajo como animador de la lírica cubana.

Y es que, en efecto, Lezama Lima se encuentra tras la aparición de casi todas las revistas de poesía que surgen en su país durante esos años. Desde Verbum hasta Orígenes –en la que publicó los cinco primeros capítulos de la citada Paradiso- patrocinó toda iniciativa lírica de calidad habida en Cuba.

Hombre dotado de una portentosa cultura, admirador del platonismo y, sobre todo, de Góngora, su poesía presenta una coherencia y unidad que ni siquiera la Revolución castrista –con su literatura comprometida y de combate- pudo alterar.
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Hay escritores que marcan un antes y un después en la historia de la literatura. Su aportación –con independencia de que nos guste más o menos- supone una verdadera novedad en la forma de componer la obra literaria y, tras ella, las técnicas y recursos de la escritura artística no vuelven a ser los mismos.

Monumento a James Joyce

Uno de estos autores es el irlandés James Joyce (Dublín, 1882-1941), quién, con su famoso Ulises, revoluciono la narrativa. Ciertamente, es ésta una novela que no gusta a todo el mundo. Se la tacha de pesada, de no tener argumento, de ser de difícil lectura y de muchos otros defectos, pero ello no es óbice para considerarla una de las mejores del siglo XX por un sin fin de motivos.

Entre ellos, destacan la aguda utilización del monologo interior -es decir, la reproducción libre del fluir del pensamiento de los personajes-, la experimentación lingüística o la variedad de técnicas literarias, con capítulos escritos al modo de ensayos, de artículos periodísticos o dialogados.

No obstante, Joyce escribió más que el Ulises. Por no aludir a su siguiente novela, Finnegans Wake, que aún supera en dificultad a la anterior, ya que en ella no es inteligible ni siquiera el idioma, hablaremos de su único libro de relatos breves, titulado Dublineses, y que pretende ser una sátira de las clases media y baja de la Irlanda de su época.
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La poesía no es, a nuestro juicio, el mejor vehiculo para plasmar ideas políticas y sociales. Para ello, existen otros géneros, como el ensayo. Sin embargo, durante unos años –los centrales del siglo XX- se intentó mostrarlas a través de ella. Es lo que se conoce como poesía social.

Gabriel Celaya

Fue un craso error, pues, al margen de mínimas excepciones, los resultados fueron decepcionantes: una lírica prosaica, tendenciosa y estéticamente pobre. Afortunadamente, sus cultivadores pronto se dieron cuenta de ello y abandonaron estos temas.

Y es que el género –a nuestro modo de ver- nunca puede ser mayoritario, como pretendían, ya que el lenguaje poético es, por definición, connotativo. En el, las palabras escapan de su significado real para cargarse de contenidos metafóricos o simbólicos y ello dificulta su comprensión. Además, lo estéticamente bello debe estar presente; de lo contrario, no estaremos ante poesía, sino ante otra cosa.

Los dos grandes adalides de esta corriente fueron Blas de Otero y, sobre todo, Gabriel Celaya, quienes, durante unos años, trataron de hacer llegar la poesía ‘a la inmensa mayoría’, en palabras del primero, y convertirla ‘en un instrumento para cambiar el mundo’, en las del segundo. Para conseguirlo, se obligaron a simplificar su obra y ello supuso un desperdicio de su indudable talento.
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La preocupación por hallar una explicación y un sentido a la existencia del hombre es tan antigua como su presencia misma en el mundo. Por ello, cada cierto tiempo –generalmente, coincidiendo con etapas de crisis-, la literatura se vuelca en expresar las angustias existenciales.

Busto en honor a Luigi Pirandello

Uno de estos periodos coincidió con los años finales del siglo XIX y primeros del XX, cuando las Revoluciones industriales habían propiciado un elevado progreso económico pero también la visión del hombre como una mera pieza del gran engranaje productivo, carente de libertad y sometido a la maquinaria general que lo utilizaba y anulaba su personalidad.

En esta corriente de pensamiento se inscribieron muchos escritores –Unamuno, Rilke, o Franz Kafka, son algunos de los más importantes-. Y junto a ellos, en lo que respecta al género teatral, Luigi Pirandello.

Por otra parte, el teatro, en esa época, se hallaba dominado por un estilo realista. Se trataba de obras de mero entretenimiento, que reflejaban pequeños problemas de la sociedad burguesa sin buscar una mayor trascendencia. Por ello, cada vez se alzaban más voces que propugnaban una renovación del género dramático.
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Cuando se trata acerca del Modernismo hispanoamericano, es comúnmente aceptado referirse a la excelsa figura de Rubén Darío, a Leopoldo Lugones o Guillermo Valencia, para ocuparse después de sus discípulos españoles. No es que ello esté mal, pero olvida a otros grandes poetas cuya obra puede muy bien adscribirse a este movimiento.

El poeta acompañado por su hermana

Uno de ellos es Julio Herrera y Reissig (Montevideo, 1875-1910), el más importante poeta lírico uruguayo del Modernismo y que, en opinión de muchos, se encuentra a la altura de los citados Darío o Lugones. No obstante, para el que esto escribe  -sin por ello negar las grandes cualidades de Herrera y Lugones-, Darío se encuntra un peldaño más arriba que los demás.

De familia aristocrática, la breve vida del poeta uruguayo fue amarga debido al padecimiento mental que lo aquejaba: una especie de manía persecutoria que lo condujo al alcohol y a encerrarse en su particular torre de marfil: el ático de la mansión familiar en Montevideo -bautizada como Torre de los panoramas-, en la cual se reunía con sus amigos y compañeros de armas poéticas.

Tras unos inicios amparados por el Romanticismo, muy tardío en Hispanoamérica, la lectura de los simbolistas franceses, del D’Annunzio decadentista y de sus correligionarios Rubén Darío, Díaz Mirón y Lugones, entre otros, lo condujo a la vanguardia modernista, bien es cierto que con una absoluta originalidad, en la que se aprecian rasgos precursores del Surrealismo posterior.
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No fue el periodo romántico y post-romántico una etapa que se distinguiese por el cultivo de la prosa. Muy al contrario, es una etapa eminentemente poética. Los autores preferían la lírica y, sobre todo, el drama en verso, no pocas veces retumbante y ripioso. Tan sólo la novela histórica fue cultivada ampliamente.

Gustavo Adolfo Bécquer

Pero el Romanticismo alumbró también un nuevo género literario: la leyenda, que podríamos definir como un breve relato –en verso o prosa- que narra un hecho mítico o perteneciente al acervo popular del pasado, frecuentemente envuelto en un marco sobrenatural.

Esta nueva modalidad fue ampliamente utilizada, pero sus dos mejores cultivadores fueron José Zorrilla en verso y Bécquer en prosa, aunque, a nuestro juicio, son mucho más importantes las del segundo.

Gustavo Adolfo Bécquer (Sevilla, 1836-1870) fue un hombre contradictorio con una vida difícil. Nunca consiguió vivir de su pluma, salvo breves periodos de actividad periodística y el verdadero reconocimiento le llegó con el paso de los años.

Suele encuadrársele en una suerte de post-romanticismo por el contenido lírico de sus obras y porque incluyen elementos indiscutiblemente románticos –las ruinas, lo sobrenatural, la noche, la melancolía- pero su estilo es tan personal que resiste difícilmente las clasificaciones.
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