Delmira Agustini

Concretamente, podemos establecer el siglo XIX –aunque hubo muy importantes precursoras: Santa Teresa de Jesús o María de Zayas, por poner sólo dos ejemplos – como la fecha en que comienza a ser frecuente que la mujer ejerza la creación literaria, pues en esta centuria hallamos una verdadera pléyade de buenas escritoras.

Además, con el paso de los años, las mujeres comenzaron a atreverse a incluir en sus creaciones ciertos elementos que, con anterioridad, las convenciones sociales les aconsejaban no tratar. Es el caso de la sensualidad y el erotismo.

Esto último se hace muy patente en un movimiento que contenía estos rasgos entre sus características esenciales. Nos referimos al Modernismo. En efecto, el movimiento poético de Rubén Darío constituye un verdadero enriquecimiento de la lírica, tanto en lo referente a temas como a formas.


Así, sobre todo en su primera etapa, el Modernismo supone una verdadera exaltación de los sentidos. Todos los elementos sensoriales tienen cabida en estas composiciones y ello se refleja en una sensualidad desbordada en la que el erotismo tiene un papel importante.

Una de las mujeres que se atrevieron a formar parte de la escuela de Darío fue la uruguaya Delmira Agustini (Montevideo, 1886-1914), considerada por el propio nicaragüense como una ‘Santa Teresa moderna’ debido a la calidad de su poesía. De familia acomodada y una refinada educación, podemos considerarla una verdadera transgresora, ya que sus composiciones muestran un erotismo apenas velado en una época en que era impensable que una mujer tocase esos temas.

Una vista de Montevideo, ciudad natal de Delmira Agustini

Buena muestra de ello es el poema El surtidor de oro. Con un estilo abrupto, en el que las palabras no siguen su normal linealidad sintáctica –quizá para oscurecer lo que dice-, la escritora canta a la aparición del amante ideal que selle su boca en besos. El tono es exaltado, a lo que contribuye la acumulación de adjetivos yuxtapuestos y algunas imágenes audaces.

También el lenguaje, plenamente modernista y cargado de colorido, constituye una espléndida muestra de los primeros años del movimiento, aquél en que galas o oropeles eran tan importantes en la composición.

Sin duda, Delmira Agustini era una excepcional poetisa cuya evolución se malogró sin alcanzar la madurez debido a su prematura muerte a manos de su celoso marido.

Podéis leer el poema aquí.

Fotos: Delmira Agustini: Digigalos en Wikipedia | Montevideo: Gusuval en Flickr

Emile Zola

Y, si de enorme esfuerzo creador hablamos, uno de los mayores que se han dado en las letras ha sido, sin duda, el de Emile Zola (París, 1840-1902), no ya tanto por el número de sus obras como por ser el teórico de la estética naturalista, un nuevo género de Realismo –o más bien éste llevado al extremo- que tuvo seguidores en todo el mundo.

Zola se propuso verter en el ámbito de la literatura las tesis que, por entonces, el afamado doctor Claude Bernard había establecido para la medicina. Fruto de ello fue el libro La novela experimental, en el que el parisino desgranaba paso a paso su concepto de lo que debía ser la narrativa.

Éste consistía, a grandes rasgos, en concebir la novela como un ente empírico. El escritor debía observar la realidad y experimentar con ella para tratar de descifrar los mecanismos de los hechos y así llegar a un mejor conocimiento de la sociedad y del hombre. Dicho con otras palabras, la narrativa se convertiría así en una ciencia con finalidad terapéutica.


Consecuente con sus tesis, Zola se produjo retratar la historia de una familia durante el Segundo Imperio francés en Los Rougon-Macquart, una serie de veinte novelas entre las que se hallan algunas tan conocidas como Nana, Therese Raquin, Germinal o La taberna.

Nana fue publicada en 1880. Su título obedece al apelativo que tiene la protagonista, Anne Copeau, miembro de la saga de los Macquart, parte bastarda de la familia y tocada por las taras del determinismo genético. Actriz de variedades, su verdadera profesión es la de seducir, explotar y hundir a los hombres que se le acercan.

Casa donde Zola y sus discípulos se reunieron para escribir Las veladas de Médan

Como un trasunto femenino del famoso don Juan, Nana es la mujer fría que utiliza al sexo contrario y, una vez ha conseguido lo que busca, lo abandona hundido a su suerte. La gran diferencia es que si don Juan busca el placer, la heroína de Zola lo hace únicamente por dinero. Y es que Nana lleva la degradación en su sangre, que procede de la desequilibrada Tía Dide y del contrabandista Macquart. Por ello, no se sabe muy bien qué grado de culpa pertenece a éstos y cual a ella misma.

En cualquier caso, se trata de una excelente novela -un tanto cruda en algunas ocasiones- donde Zola critica la degradación de la sociedad del Segundo Imperio francés.

Fotos: Emile Zola: Le Chateau d’Eau en Flickr | Casa de Médan: Vitrube en Flickr

Adaptación para el cine de Jean-Jacques Annaud (1997)

Marguerite Duras contaba con 15 años cuando conoció a su primer amante. Se encontraban ambos en la Indochina Colonial y vivieron una experiencia erótica e iniciática para una joven Duras. El poso de esta experiencia primigenia lo encontramos en una de las novelas eróticas más celebradas de la modernidad y una de las obras fundamentales para entender e iniciarse en el conocimiento de la genial escritora y directora francesa. Rodeando (que no olvidando) las tensiones que se producen en el sureste asiático en plena época colonial, la autora nos introduce en la mente de una niña que poco a poco va descubriendo los placeres de la carne. La novela valió a su autora el prestigioso premio Goncourt de literatura.

Durante los años 20, una adolescente francesa que vive con su madre y sus dos hermanas conocerá a un misterioso hombre durante una travesía

Una de las grandes novelas eróticas de la modernidad

por el rio Mekong. Este fascinante individuo resulta ser un comerciante chino doce años mayor que ella, que pronto se convertirá en su amante. La chica, emocionada ante la elegancia y la riqueza del hombre, se siente irremediablemente atraida. Sin embargo, se trata  de una relación abocada al fracaso, y ambos lo saben. La edad y las diferencias culturales desgastarán la relación. Sin tener en cuenta las presiones familiares, que ponen freno a un amor tan intenso como obsesivo.

La propia Marguerite Duras se mira a ella misma como adolescente y escribe el relato de una atípica heroína. Una quasi mujer que lucha por su independencia sexual, por alcanzar la madurez del cuerpo y por reivindicar sus propias experiencias sensoriales. Como enemigos encontrará a la moral de la época, a su familia y a la sociedad colonial en ella misma, que no accede a las relaciones entre asiáticos y europeos. Pero el colonialismo tiene una razón se ser : el dinero. El peronaje de la madre de la joven juega, desde este punto de vista, un rol de lo más interesante. Repudia lo que ese hombre está haciendo con su hija, pero al mismo tiempo accede fascinada por el dinero. Cuando la riqueza entra en juego, ya no hay moralidad que valga. Una madre es capaz de prácticamente prostituir a su propia hija.

El sexo intergeneracional, uno de los aspectos de la novela

Con 70 años de edad nos llega esta historia a manos de Marguerite Duras. Una puesta en escena de ella misma, reivindicando los pasajes secretos de su vida y exorcizando de esta manera capítulos de su existencia que nadie conocía. Destrucción y amor con palabras clave en el imaginario de Duras, en ocasiones como las dos caras de una moneda. Pero para ella, escribir no es un acto de sinceridad, sino que te interroga sobre lo que dirías si quisiéses escribir de verdad. Por lo que El Amante es una obra imprecisa y difusa, surgida del recuerdo, con posos de realidad inconcebible (el desamormaternal, la pérdida dela inocencia, la sociedad colonial…), que tan solo pueden ser intuídos en su profundidad.

Escena de El Decamerón por John William Waterhouse

El Decamerón, del italiano Giovanni Boccaccio, presenta un punto de partida curioso y un imaginario riquísimo que serviría de modelo para muchas de las obras que se desarrollarían durante el Renacimiento. La historia arranca durante la peste bubónica o peste negra que asoló Florencia a mediados del siglo XIV. Los diez protagonistas, siete mujeres y tres hombres, se refugian en una villa de las afueras por diez días. Durante cada uno de los días todos ellos habrán de relatar a los otros una historia, de ahí que el texto esté conformado por 100 relatos, versando sobre temas profanos.

Dichas historias no son enteramente invención de Bocaccio, sino que recogen parte de la cultura oral italiana, con referencias a fuentes francesas y latinas. Lo profano adquiere una gran importancia ya que los protagonistas son seres terrenales e incompletos, con sus faltas y sus carencias. Además, hay una ausencia de referencias místicas o fantásticas. La concepción profana de la humanidad estaría adelantándose en este libro como una de las características diferenciales de la literatura renacentista. El tratamiento que se hace de hombres y mujeres es a la vez cínico e indulgente para con sus faltas, lo que transfiere a la novela un doble rasero interesante.

La sensualidad de El Decamerón es uno de los aspectos más recordados del manuscrito pese a que, como hemos visto, no sea el único. La Iglesia Católica llegaría a considerar la lectura de este libro como un pecado, suponemos que por la importancia que se le atribuye a la convivencia de hombres y mujeres en un ambiente paradisíaco donde Eros, dios del amor, se desarrollaría plenamente caracterizando sus relaciones con la sensualidad y el placer, tanto físico como intelectual.

Fotograma de la película de Pasolini

Sin embargo el destino guardó para Bocaccio un vuelco en la vida que le haría renegar de su obra más famosa en pro de una vida dedicada a la piedad. La muerte de su amigo Petrarca marcaría su conversión religiosa. En 1360 se ordena sacerdote pese al despectivo tratamiento que del clero de hace en El Decamerón, donde los religiosos son tratados de avaros, charlatanes y enfermos mentales. Pese a su rechazo tajante durante la última parte de su vida, este libro lo convertiría en el pionero de la prosa italiana.

El director Pier Paolo Pasolini, siempre interesado en clásicos controvertidos, llevaría a cabo una adaptación cinematográfica del texto que formaría parte de su llamada Trilogía de la Vida. En la película Pasolini nos presenta algunos de los relatos de manera desenfadada y divertida, como una celebración del goce y de la juventud.

Cuadro de Waterhouse por Wikipedia Commons en Wikipedia

Romina Power en la versión cinematográfica de Justine, dirigida por Jesús Franco

Una púber, inocente y sola en la vida, de alma cándida y confiada. Y virgen, entre otras de las muchas virtudes que tiene Justine y que el Marqués de Sade se regodea en destruir para beneplácito de la lujuriosa sociedad de finales del siglo XVIII. La estructura de la se que parte y que funciona como loop enunciativo, repitiéndose una y otra vez, es el intento de conservación de las bondades de la joven y sus continuos fracasos en el intento. Sade no hará más que castigarla sistemáticamente con los agresivos vaivenes del vicio y el libertinaje. Sin piedad. Por otro lado, los artífices de tal atentado contra la inocencia serán todos los estamentos de la sociedad de la época: desde el clero (esos monjes aficionados a las orgías) hasta el campesinado, pasando por la aristocracia.

Donatien-Alphonse-François de Sade escribió su manuscrito y primera versión de Justine en 1787, dejándose llevar por una desproporcionada y efectiva imaginación estando recluido en su oscura celda de la prisión de la Bastilla. Esta obra, de la que siempre negó su autoría y que se publicaría clandestinamente, lo condenó a una vida de entradas y salidas de distintas instituciones mentales debido a su “demencia libertina”. Pero lo que hace el Marqués de Sade no es sino mostrar sin censuras la corrupción de un alma inocente (y femenina)  por todos los sectores (masculinos) de la sociedad. Quizá lo más radical de la propuesta sea el tratamiento de verdugos y víctimas. Justine no hará más que sufrir mientas que aquellos que la violan y utilizan se verán recompensados con creces. Una parábola más que evidente que no gustó a nadie que formara parte del mismo sistema que Sade satirizaba.

Si dejamos aparte su contenido (valioso, por otro lado) como novela erótica, nos encontramos de nuevo ante una suerte de relato simbólico. Una mujer atropellada y reprimida por, no se puede ser más claro, la sociedad a la que pertenece. En sus obras se materializa todo un sistema filosófico que puede considerarse opuesto a la benevolencia innata del ser humano que Rousseau propugnaba. Para Sade, la maldad es intrínseca al hombre y, además, recompensada. La virtud no tiene cabida en el mundo de los hombres y solo puede verse premiada en el más allá, si es que de verdad existe un Dios.

Publicación

El compendio de lecturas del Marqués de Sade están sobre todo caracterizadas por su misantropía, su rencor hacia los hombres como especie. A parte de lo que de filosófico pueda tener Justine, sobre el propio Marqués corrieron miles de leyendas que hablaban sobre sus jornadas salomónicas dedicadas al libertinaje y sus múltiples problemas con la justicia. La obra de Sade permaneció oculta hasta mitad del siglo XX, pese a la circulación clandestina algunos de sus manuscritos. No fue hasta que los surrealistas, encabezados por André Bréton, rescataran sus textos, que el mundo pudo tener acceso a Justine y otras de sus controvertidas obras.

Aún hoy, la lectura de un texto del Marqués de Sade sigue suscitando repulsión y fascinación a partes iguales. Si Sade levantase la cabeza hoy estaría satisfecho con lo que nos ha enseñado. Que la maldad no pasa de moda.

Interior de libro por Ωριγένης en Wikipedia

Un poema erótico

El surrealismo tocó todo aspecto de la vida, contemplando el sueño y la vigilia en una intersección de motivaciones que redefinían la realidad. En esta totalidad hay matices líricos, al contemplar suspenso el yo poético a la amada en un momento de gozo en su encuentro amoroso, también hay un descubrimiento de las potencialidades amatorias de la pareja, de la correspondencia en el Eros como un valor primordial para compartir el placer. Estos elementos están presentes en el poema ‘Éxtasis‘, de Paul Éluard (1895-1952), de su libro ‘Libelles’. Este texto artístico es un punto de partida para el trato delicado del encuentro amoroso en la poesía contemporánea.

En este poema el yo poético aumenta su gozo al recorrer con su cuerpo y sus ojos el paisaje femenino de su amada, la entrega es mutua, pero la aprensión del sujeto de deseo es hecha por el yo masculino, ella está en tercera persona, pero a pesar de esto, gracias a la técnica magistral de Éluard, se siente cercana, tanto más cada vez que el fuego aparece como sema de la pasión que va en aumento, que incluso ilumina al amante y le hace lagrimear de dicha. Como en su poema Libertad, el éxtasis del amor es otra entelequia desarrollada en una visión que integra a los actores del poema, ambas son situaciones compartidas por el arte y la vida, arquetípicas.

Recorriendo el paisaje de la amada
La amada es poseída por el Eros del yo, el fuego es el sema de la unión de ambos, lo que la afirma y sostiene. En este éxtasis participan los sentidos que recrean la pertenencia del uno al otro, por una actualización de la aprensión física que es registrada y decodificada al momento del goce. Hay una sensación de transporte donde la dimensión del placer colma el espíritu de la pareja. El fuego también le consume, el yo se siente como una rama que empieza a arder, que se transforma en la esencia del placer que recibe en el contacto con su amada. Hay multiplicación de las imágenes del Eros por su reflejo en los espejos que se empañan o se limpian con su vapor y humedad, durante la actividad del contacto.

Justo este contacto nunca se descree ni interrumpe, es la verdad en el poema, enunciada por la cercanía entre los amantes. Este paisaje femenino, con el demostrativo está junto al yo poético, en interacción con él. La emoción del yo, su risa y lágrimas es algo que se desprende del hecho de sentirse gratificado en su relación con su amada, este encuentro está cumplido en acto y se proyecta a un devenir de repetición satisfactoria.
Conclusión

Este poema actualiza el Eros y su gozo como una verdad surgida de la correspondencia de los amantes. Ambos interactúan, pero la voz masculina es la que posee a la amada al admirar y contemplar su anatomía, en un discurso de gratitud, de transporte a la felicidad y de gozo que se identifica con el fuego del placer.

Leer Éxtasis aquí

Foto: éxtasis por historic.brussels en Flickr

Nin, autora de literatura erótica

La literatura feminista destacó por invertir los términos de la apropiación del sujeto de deseo, en términos de género, revelando los mecanismos de posesión de la mujer respecto al hombre con un tinte de celebración de las capacidades femeninas. Anaïs Nin en su cuento Manuel, que podemos considerar de literatura erótica, habla del control psicológico que ejerce un joven delgado de miembro desarrollado, al exhibir su pene en público, pero buscando perturbar a mujeres o jovencitas hasta caer en episodios de orgasmo, como crisis de histeria y gozo, de este personaje dedicado a la provocación aún desafiando a la policía en la calle.

Manuel tenía conocimientos como la astrología y la cocina para entretener a cualquier persona, pero su objetivo primordial era balancear y manosear su pene en público, incluso realizó labores domésticas a una mujer a cambio de que observe y elogie su miembro durante su peculiar función. Manuel tiene la costumbre de andar sin ropa interior con el pantalón abierto, así al final del cuento conoce a una prostituta madura que observa sus movimientos mientras le enseña el sexo, porque ella tampoco usaba ropa interior. Ambos se excitan, él llega a eyacular unas gotas y se casan porque la meretriz tenía más poder para manejar la sexualidad que él.

El encuentro de dos exhibicionistas
Manuel y la prostituta tienen la misma personalidad, gozan en el preámbulo del sexo, con un acto de demostración de sus genitales para preparar al otro al encuentro sexual. Se mezcla el voyerismo, el alarde y la tendencia a la perversión. Manuel está muy identificado con su pene, como si trasladara su ser a su miembro, en la prostituta hay un ethos similar, a pesar que es su oficio posee un poder mayor que el joven provocador. En este final el cuento se torna hacia el ginocentrismo o la celebración del poder erótico de la mujer, tema que en la literatura feminista sirve de base a la narración del proceso de apropiación del objeto de deseo masculino por una poseedora femenina.

La desinhibición de Manuel solo tiene parangón con la experiencia de la prostituta, la única capaz de entrar a su juego de seducción en Montparnasse sin sentirse incómoda ni ofendida. El sexo en este cuento es el afán de buscar correspondencia en una coreografía genital, algo que diera la impresión de un cortejo primordial, producido a cierta distancia física, que demora el contacto, para que cuando se realice se produzca con mayor ansiedad y vehemencia. Esta presente el tópico que redime a la prostituta como maestra del placer, incluso iniciadora en los misterios del sexo, un poder que por su capacidad de resistencia a Manuel en el tren se le equipara y hasta supera los ademanes del joven.

Este cuento mezcla tópicos de voyerismo, exhibicionismo y ginocentrismo que tienen la función de crear el ambiente para el encuentro de dos personajes con similar característica: el manejar una coreografía d exhibición. Entre ellos hay correspondencia y terminan casados, es decir unidos por ser cada uno la contraparte del otro, aunque el poder de la meretriz se enuncia mayor que el del joven que alardea de su sexo.

Podéis leer Manuel de Anaïs Nin aquí

Portada de Mujeres Enamoradas, otra de sus obras destacadas

Es bastante frecuente entre los historiadores de la Literatura, quizá obligados por el amplio campo que tratan de abarcar, resumir con un calificativo la obra de algunos autores. Así, por ejemplo, se califica a Joyce de renovador, a Camus de existencialista o a Julio Verne de imaginativo.

Pero ello no deja de ser una simplificación en el fondo y en la forma, pues el trabajo de los escritores de calidad suele ser abundante y variado y el contenido de sus obras muestra una profundidad filosófica y humana que llega mucho más allá de lo que expresa un sencillo adjetivo.

En este sentido, se ha calificado al autor inglés David Herbert Lawrence (Nottinghamshire, 1885-1930) de escritor erótico, cuando no de abiertamente sexual. Ello es, una vez más, una simplificación. En efecto, el sexo ocupa un papel fundamental en sus obras pero no de forma gratuita, sino como muestra de su preocupación por los impulsos primitivos del Hombre.

Lawrence fue, por tanto, un autor polémico. De origen humilde –se ha dicho que, con él, por vez primera en la Literatura Inglesa, la clase obrera adquiría voz propia-, su personalidad dista mucho, sin embargo, de la que se suele identificar con aquélla, en lo que tuvo importante influencia su madre, maestra de escuela. En efecto, el escritor poseía especial sensibilidad y una fuerte inquietud por todo lo relacionado con el Arte –recordemos que también fue poeta y pintor, además de novelista-, así como preocupaciones existenciales.

Todo ello es patente en sus novelas. Entre ellas, aunque las dos más logradas sean, quizá, ‘El arco iris’ y ‘Mujeres enamoradas’, que giran en torno a Úrsula Brangwen y su familia, la más conocida es ‘El amante de Lady Chatterley’ (1928), cuya publicación suscitó en Inglaterra un escándalo similar al que provocó en Francia la ‘Madame Bovary’ de Flaubert. Posiblemente, ello se debiera a que ambas narran la historia de un adulterio femenino.

En ‘El amante de Lady Chatterley’ nos encontramos con el matrimonio de la alta sociedad formado por Clifford y Constance. Él, a causa de una herida de guerra, ha quedado inválido e impotente y su esposa se siente atraída por Mellors, guardabosques de su marido, en cuyos brazos acabará cayendo. Pero el impulso de Constance no es sentimental, sino puramente sexual, primitivo. Y es que la obra, aunque muestra un erotismo explícito, no es una novela erótica. Lo que le interesa a Lawrence es explorar el papel que ejercen los instintos primitivos sobre el ser humano.

Esta indagación psicológica de calado y la especial sensibilidad de Lawrence a la hora de describir las relaciones entre la pareja y los escenarios naturales hacen de la novela una creación excelente.

Podéis leer la obra aquí

Foto: Portada de Mujeres Enamoradas por jonathan229 en Flickr

Boccaccio, por Andrea del Castagno

En buena lógica, ello se aprecia claramente en la literatura del momento, que, ya desde los años finales del Medievo, venía exaltando los placeres de la vida –y, de forma muy destacada, los carnales- como conducta normal. Esta exaltación de la vida originó, además, la aparición de nuevos géneros literarios, de modo muy destacado en la narrativa, poco desarrollada hasta entonces. La novela pastoril, la cortesana o la picaresca –en España- se originan entonces.

Uno de los autores tardomedievales que más influyeron en este desarrollo fue, sin duda, Giovanni Boccaccio (1313-1375), cuya obra, por incluir todos los rasgos citados, puede considerarse ya plenamente renacentista. Especialmente, el conjunto de novelas breves o cuentos que componen el ‘Decamerón’ (terminado en 1351), al cual pertenece ‘Lamporecchio’.

El ‘Decamerón’ inaugura el género de la novela cortesana, que tendría gran éxito posteriormente. Se trata, como decíamos, de un conjunto de relatos breves, engarzados a través de un hilo argumental constituido por un grupo de muchachos que huyen de la peste que asolaba Florencia y se refugian en una villa. Para pasar el tiempo, cada joven contará uno de los relatos que conforman la obra.


Los temas son profanos, con especial predilección por los de tipo hedonista y, muy destacadamente, los eróticos, bien referidos a engaños maritales, bien a relaciones mantenidas mediante añagazas, en los que tiene un papel importante el clero.

Así sucede en ‘Lamporecchio’. Un joven llamado Masetto, al saber que en el convento de un pueblo cercano viven un grupo de monjas jóvenes que necesitan alguien que ayude en las tareas más pesadas, decide infiltrarse en el cenobio. Para ser aceptado –nunca permitirían entrar a un muchacho bien parecido- se hace pasar por sordomudo y disminuido psíquico. Las religiosas, jóvenes al fin, van cayendo en la tentación carnal del apuesto jardinero hasta que, al hacerlo la superiora, se descubre todo.

Cuadro inspirado en el 'Decamerón', obra de Whaterhouse

El tema de este relato, como el de casi todos los demás de la obra, no es original de Boccaccio, sino que procede de la tradición cuentística medieval (algunos se encuentran ya en nuestro ‘Conde Lucanor’, de don Juan Manuel).

Y, como vemos, se trata de un relato erótico muy del gusto de la época, en tanto exalta el placer carnal y el goce de la vida propios del Renacimiento. El estilo, por su parte, es otro de los atractivos de la obra, pues se trata de una prosa elegante y muy cuidada.

Fotos: Boccaccio: Andreas Praefcke en Wikimedia | Cuadro de Whaterhouse: André Koehne en Wikipedia

"Vanesa Martínez"

Vanesa Martínez (Lima, 1979) es una poeta peruana que tiene formación de arte dramático y aparte canta
música Punk. Su poema ‘Visceral’ habla de una pareja separada por una rencilla de tiempo, donde el hombre se dedica a mirar a la mujer como voyerista mientras esta se viste o se desviste. Esto pasa como una función erótica, donde la mujer se venga provocándolo hasta el punto de que estallan sus sentidos y este ejecutivo desde su ventana tiene que recurrir al papel higiénico para limpiar el semen de su pene, sin embargo ambos viven insatisfechos.

El yo poético femenino llega a confundirse con la chica que hace el strip tease para el hombre, ella se droga en un cuarto sin cortinas donde una tenue luz excita la imaginación de ambos, para la mujer hacer esto es un acto subversivo que cambiará el mundo interior de ambos, pues la mente coadyuva al funcionamiento de los sentidos. Este es un poema oscuro, donde lo que aparenta ser una celebración de la sensualidad de la mujer se torna en una visión del fracaso de un Eros que no encuentra solución de continuidad, al vivir la pareja en cuartos separados.


Cada uno dentro de su burbuja con rabia y ansiedad

"Vanesa Martínez Rivero"

La mujer realiza una rutina sexual frente a su único espectador, alguien que tiene la tendencia a la frialdad del hombre de negocios, pero cuyos cálculos no ordenan la consecución del Eros. De esta forma el hombre poderoso, que debería dominar la sociedad, se ve socavado por una mujer que tiene el poder de atraer su deseo, sin embargo ella no lo desea, o este ejecutivo le es indiferente. La mujer en su show de desnudo opone su rabia de vivir la frustración del Eros a la ansiedad de él por traspasar esa barrera de los edificios y poseerla, pero nada de esto pasa.

Este poema tiene de original el tomar el erotismo desde la oposición de la pareja, más desconocidos que cercanos, enunciar la sensualidad desde la ira, la que es exhibicionismo en la mujer y en el ejecutivo desesperación y eyaculación al amanecer. El poema insiste en el fracaso de estos seres, el de la mujer por negarse al contacto con un amante potencial y el del fisgón por desperdiciar su semen, es decir chorrearlo a cualquier sitio menos en el interior del sujeto de deseo, la que no es aprendida, sino pérdida por él y mantenida a distancia.

Conclusión
El erotismo siempre se concibe idealizado por el contacto y el goce correspondido, es poco común enunciarlo desde el  aspecto de la separación que lleva a la pareja propuesta al fracaso en la realización del Eros. El voyerismo es una faceta de la sexualidad que da lugar a la oposición de rabia por parte de la mujer y ansiedad por parte de su observador en una función de desnudo que no llega a materializarse en el coito deseado, pues los compartimentos estancos en que ambos viven impiden mayor avance.

Lectura del poema | ‘Visceral’, de Vanesa Martínez en Herederosdelcaos07

Imágenes:

Vanesa Martínez: Vanesa Martínez en Herederosdelcaos07

Vanesa Martínez Rivero en Perufolkradio