El lobo estepario de Herman Hesse

La obra magistral de Herman Hesse representa una obra fundamental de la literatura y de la reflexión sobre la condición humana y su desarrollo en la vida. La contemplación del mundo frente a nosotros es el elemento que conduce esta novela.

El año de 1928 fue cuando por fin apareció uno de los libros fundacionales de la literatura europea y mundial de las primeras décadas del siglo XX: El lobo estepario, de Herman Hesse, que en su idioma original llevó el título de Der Steppenwolf.

El escritor suizo-alemán logró una magnífica obra con este libro. Es absolutamente cierto que hoy en día la magnitud de su novela sigue retumbando en los lectores y en la crítica especializada que reconoce en las líneas de esta novela los elementos influyentes de gran parte de la producción literaria del mundo occidental desde la tercera década de los años 1900 en adelante.

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La división del teatro en comedia y tragedia procede de los mismos orígenes del género. Se entiende por la primera aquella que pretende entretener y mover a la risa al espectador a través de enredos, equívocos o chistes verbales.

Historia de una escalera, la obra que dio a conocer a Buero

Pero la segunda es más compleja. La primera teoría sobre la tragedia procede nada menos que de Aristóteles, quien, en su Poética, estableció las bases y rasgos que la componen. Además de establecer sus elementos formales, el pensador griego, en uno de los apartados de aquella, expone la función que debe conseguir: a través de la identificación del espectador con lo que sucede en la escena, se produce en este una catarsis o liberación de sus miedos.

Desde entonces, se ha expuesto muchas tesis acerca del género trágico. Pero es bien cierto que la buena tragedia teatral siempre ha conservado ese componente de catarsis colectiva y, sobre todo, su capacidad de hacernos reflexionar acerca de la condición del ser humano y sus circunstancias.

Y, en este sentido, uno de los dramaturgos contemporáneos que mejor ha conseguido despertar en el espectador esa reflexión ha sido Antonio Buero Vallejo (Guadalajara, 1916-2000) a quien, además, cabe atribuir el acierto de haber hecho despertar al teatro español tras el parón  de la Guerra Civil, con Historia de una escalera, un drama de fuerte contenido social.
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El otoño recorre la obra de Keats

En algunos textos de escuela, se insiste en el carácter escapista del romanticismo, porque estos compiladores entienden la melancolía como un huir de las coordenadas espacio y tiempo. Sin embargo, este ismo también puede enunciar referentes cercanos a la experiencia del poeta y del lector, evocándole mediante un arquetipo literario para balancear la generalidad del motivo con la particularidad del trabajo del lenguaje. El poeta inglés John Keats (1759-1821) actualiza la temporada de otoño como una abundancia de sensaciones que configuran una celebración, sosegada, que lo compara a un locus amenus donde hay oportunidad de goce y contemplación de la naturaleza.

Lo que hace única la poesía de Keats es su delicadeza e imaginación, la que no fue bien entendida por la crítica de su tiempo. En su poema ‘Al otoño’ abundan las sinestesias que nos dibujan y acercan por evocación un paisaje otoñal en el hemisferio norte. El poeta presenta aves como el petirrojo y las golondrinas que aportan musicalidad a la escena, también hay actividad humana, pues es tiempo de cosecha del trigo, manzanas y avellanas. Hay un contraste con la primavera, la que tiene ’sus propias canciones’ es decir un ritmo diferente al otoño, pero no por ello de mayor valoración para el yo poético.

La renovación de la vida
El otoño se enuncia como una etapa de preparación, de cambio, la caída de hojas y flores es el preludio para los nuevos brotes que aparecerán recién en primavera. La bruma le da un toque vaporoso al escenario, como de sueño, de evocación atemporal. La vida vegetal que se gesta para la primavera está dormida en potencia, esperando el despertar. El carácter mimético del poema ayuda a configurar un campo en el que el yo poético se desplaza mediante la descripción de las imágenes e invita al lector a recorrer este ambiente en sus versos. El locus amenus es principalmente un espacio primaveral, pero el idealismo con que dibuja el otoño Keats, lo lleva a esta estación.
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Cuadro de Mark Twain

A los que piensan que el hombre nace bueno pero la sociedad lo corrompe se opone la idea de la maldad por naturaleza, aún más se debe especificar por herencia, de tal palo tal astilla, así las características de moral baja, falta de compasión, sinvergüencería podrían tomarse como conductas modélicas en hijos menores de edad observando los vicios de sus padres. Mark Twain, seudónimo de Samuel Langhorne Clemens, escritor norteamericano quien ganó fama mundial con las aventuras de niños como ‘Tom Sawyer’ y ‘Huckleberry Finn’, nos presenta un relato de humor en ‘El cuento del niño malo’, la historia de vida de un malvado sin propósito de enmienda.

Tras la ironía hay una interpretación de la maldad como la sensación de poder que experimenta el trasgresor de las normas éticas, hasta configurar esta tendencia como un comportamiento espontáneo. En este relato, el niño malo se llama Jim, a diferencia del James de los chiquillos malcriados de los libros de moral y religión, quienes sí obtienen un castigo para enmendar sus actos. Hay que recordar que la voz ‘castigo’ en la literatura medieval y de principios de la edad moderna significaba tomar lección, no recibir una sanción que implicaba humillación, aniquilación o sumisión.

De las travesuras a la maldad pura
En el cuento, Jim comienza su historial de maldades con simples travesuras como robar manzanas a los vecinos, comerse la mermelada y reemplazarla por brea, caso en que sí es golpeado por su madre, una mujer poco religiosa, se divierte golpeando a su hermanita en la sien para hacerla llorar y no matarla como en los ejemplos de moral y religión, que hacían que ante el lecho de muerte jurara cambiar. Jim llega a adulto sano y salvo, se vuelve marinero, ebrio y padre de familia, que en un arranque de maldad mata a sus hijos y esposa a hachazos para finalmente conseguir prestigio en el mundo del crimen.
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En poesía siempre se ha hablado de la capacidad del poeta para imitar o fingir sensaciones o realidades, esto desde que el arte es mimético y verbaliza referentes que pueden ser verdaderos o ficcionales.

poeta portugués Fernando Pessoa (1888-1935) habla de la habilidad del poeta para retroalimentarse del dolor y convidarlo a los lectores en su poema ‘Autopsicografía’, es más el dolor del poeta por su insatisfacción con la vida puede servir para evocar una situación que aunque pasada ha marcado la experiencia del poeta, poniendo a su ser empírico en correlación y aproximación al yo poético que enuncia el poema.

Como hitos previos a esta poética del sufrimiento del poeta, portador de un desgarro existencial por la incomprensión de la colectividad está el poema ‘El albatros’, de Charles Baudelaire, donde esta ave representa el vuelo de misterio poético por sus grandes alas, las cuales le estorban al caminar. También está el poema ‘El payaso castigado’, de Mallarmé, como una interpretación del sufrimiento del poeta y la marginación que le toca en un mundo que no quiere ser receptor a su palabra. Se puede decir que el poeta miente al decir la verdad, porque esta es trascendente y toma la realidad pero la modela y transforma para su mensaje.

Compartiendo el razonamiento del sentimiento
Las personas que se sienten más lógicas han creado la dicotomía entre corazón y razón, pero algunos poetas pueden postular un modus operandi del sentimiento, una manera en que la esfera de lo privado se deja y permite compartir, desde la ficción, de esta forma lo que es leído no es lo que el lector ha sentido en su experiencia, sino lo que lo ha movido a catarsis, a una suerte de compasión que enriquece su sensibilidad. El dolor es material del poeta en tanto creador y escritor, quien mezcla su referente con ficción para enunciar un dolor que nadie ha sentido, salvo el yo poético o el personaje que lo vive.

El poeta puede lograr que al mismo tiempo su experiencia en el dolor alcance la generalidad del arquetipo en la literatura, lo que brinda a su texto artístico la variedad de lecturas, y también que mantenga su particularidad por el trabajo único con el lenguaje, que en materia de estilo identifica a un escritor. Connotando el título del poema, hay un juego de palabras con autobiografía y psicografía, como descripción del alma.

En la actividad poética, el creador tiene la oportunidad de reflejar su espíritu en sus palabras, en esto su mensaje trasciende hacia una verdad particular en las coordenadas de espacio y tiempo del artista y general en la calidad de un texto considerado canónico.

Este poema verbaliza sobre la capacidad del poeta como creador de ficción para convidar los sentimientos de su universo interior, particularmente el dolor, que enunciado como desgarro mezcla el referente de la realidad empírica con los recursos estéticos que la llevan a compartir un arquetipo literario sin perder su particularidad ni originalidad de estilo.

Puedes leer Autopsicografía aquí

A fines del siglo XIX, Rusia era aún un país casi feudal. La servidumbre había sido abolida en fecha tan tardía como 1861 y la miseria y el analfabetismo estaban muy extendidos. Por otra parte, una burocracia férrea –que tan bien describiera Dostoievski- hacía la vida del estado casi imposible y la policía zarista velaba por el poder absoluto del máximo dirigente.

Por todo ello, cuesta trabajo comprender que en esa sociedad surgiera una literatura tan brillante. En un breve periodo de tiempo coinciden autores de la talla del citado Dostoievski, Tolstoi, Turgueniev o Antón Chéjov, que elevan a las letras rusas a la cima de las universales, con obras que combinan la técnica realista con unos contenidos en que lo espiritual ocupa un lugar relevante.

Art Theatre, en Moscú, donde Chéjov -en el recuadro- estrenó sus obras

Antón Chéjov (Taganrog, 1860-1904) vivió en su infancia algo que parece consustancial al literato: la ruina económica. Es como si ésta agudizara el ingenio de los escritores –un día debería hacerse la nómina de los grandes creadores que pasaron penurias de dinero-. La falta de recursos le impulsó a colaborar con distintas publicaciones y, así, forjar un excepcional talento literario.

Pese a todo, logró terminar la carrera de Medicina y comenzar a ejercerla, aunque no debía tener excesiva vocación o, al menos, la tenía mayor por la literatura, pues continuó escribiendo.
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Se ha distinguido tradicionalmente entre poesía épica y lírica. La primera, más narrativa, exponía hechos históricos o anecdóticos. La segunda, por el contrario, era expresión de la intimidad de su autor y ha sido considerada la más auténticamente poética.

Stéphane Mallarmé

Dentro de ésta última, a su vez, han existido muy diversas tendencias. Una de las escuelas de mayor relevancia es la de aquellos creadores que consideran a la realidad como reflejo o símbolo de verdades escondidas, esenciales, que deben ser reveladas por el poeta. Son los llamados Simbolistas, una corriente basada en el idealismo cuyo maestro indiscutible fue Baudelaire y que cuenta con otros grandísimos poetas como Paul Verlaine, Arthur Rimbaud o Stéphane Mallarmé.

Sin abandonar por completo las metas estéticas pero otorgándoles menor importancia que otras corrientes, lo que realmente les importa es superar las apariencias, captando las verdades ocultas tras ellas. Por esto, sus composiciones se llenan de misterios, sueños y símbolos, en lo que constituye un claro precedente del Surrealismo posterior.

En lo que respecta a la forma, desechan los oropeles y las galas para buscar un lenguaje fluido, en el que la musicalidad ocupa un papel esencia.
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Tomo I de "La vuelta al mundo de un novelista"

Creo que Vicente Blasco Ibáñez es el responsable de que esté metido en un buscador de vuelos la mayor parte del día, procurando encontrar ofertas que me permitan realizar lo que él, viajar por gran cantidad de países de todo el mundo y quizá más de uno de vosotros desee hacer lo mismo.

Y le acuso pues acabo de leer una de sus obras maestras aunque muy pocos la consideran entre su bibliografía. Me refiero a “La vuelta al mundo de un novelista“, una impresionante obra en tres volúmenes donde el autor narra su viaje alrededor del mundo, exceptuando aquellos destinos que ya narra en otros destinos.

En 1923, Blasco Ibáñez se encontraba muy tranquilo en su casa de la Costa Azul pero motivado por sus ansias de exploración y descubrir nuevas culturas, se lanza a la empresa de recorrer en seis meses los destinos más lejanos del mundo para luego, plasmarlas en esta magistral obra y compartir así con el lector sus vivencias, reflexiones, sensaciones y conclusiones a las que arriba durante el mismo.
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El ajedrez cuenta con mucha simbología

El origen del ajedrez se remonta a la noche de los tiempos, como una representación de la estrategia en la guerra por la disposición de las fichas o trebejos y su capacidad de movimiento. Ezra Pound, un poeta genial y cerebral verbaliza la posibilidad combinatoria de este juego, sabemos que entre varios jugadores la chance de repetir exactamente dos juegos en la misma secuencia es improbable, pues infinitos factores cambian el destino de la partida, hasta el aplomo o estado anímico del jugador.

Lo interesante de este poema es la reconstrucción del movimiento y el combate como intercambio de fichas. Pound reconstruye el movimiento gráfico de los trebejos, los caballos se mueven en L, los peones avanzan en Y porque comen o matan a las otras fichas a los costados. Las reinas se enfrentan en X porque para atacarse pueden estar dispuestas en diagonal una frente a otra. Se habla del objetivo del ajedrez matar al rey, arrinconarlo, pues todas las fuerzas del equipo blanco o negro se dirigen a perseguir al rey. Se pone de relieve el duelo de inteligencias, el afán de ganar la partida, la tensión entre los dos jugadores, motivo que define el clima del partido.

El brío del movimiento
El combate durante el juego expresa intensidad, hay dinamismo en el duelo de los jugadores, los movimientos aluden a variables matemáticas X e Y, por toda esa combinatoria de jugadas que nos lleva a un infinito de variantes de acuerdo al temperamento y estilo de cada jugador. Las jugadas geniales únicas se consideran el brillo del combate, de la simulación de una guerra donde el canon de la estrategia lleva a los entendidos a consultar a maestros como Alekine, Capablanca, Bobby Fisher y Kasparov.
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¿Cuántas veces habéis estado revisando un buscador de vuelos baratos, pensando en encontrar un destino para hacer un viaje y una vez en el lugar, comenzar a escribir todas nuestras vivencias a modo de crónicas, diario o en otros formatos?

Viajeros españoles, nuevo portal de la Biblioteca Virtual Cervantes

En más de una ocasión imagino os habéis propuesto escribir una especie de “Diario de viaje” para tenerlo a futuro y acompañar en cierta medida las fotografías que tomamos en el destino escogido. Cierto es que “una imagen vale por mil palabras” pero sin duda no hay nada como escribir nuestras vivencias y releerlas en el futuro.

Cientos de autores lo han hecho a lo largo del tiempo, una gran cantidad de ellos de España, y para conocer grandes obras de este estilo os invito a conocer la nueva sección de la Biblioteca Virtual Cervantes denominada “Viajeros españoles“, donde encontraréis una variada oferta de libros gratis para leer en línea.
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