El surrealismo tocó todo aspecto de la vida, contemplando el sueño y la vigilia en una intersección de motivaciones que redefinían la realidad. En esta totalidad hay matices líricos, al contemplar suspenso el yo poético a la amada en un momento de gozo en su encuentro amoroso, también hay un descubrimiento de las potencialidades amatorias de la pareja, de la correspondencia en el Eros como un valor primordial para compartir el placer. Estos elementos están presentes en el poema ‘Éxtasis‘, de Paul Éluard (1895-1952), de su libro ‘Libelles’. Este texto artístico es un punto de partida para el trato delicado del encuentro amoroso en la poesía contemporánea.

En este poema el yo poético aumenta su gozo al recorrer con su cuerpo y sus ojos el paisaje femenino de su amada, la entrega es mutua, pero la aprensión del sujeto de deseo es hecha por el yo masculino, ella está en tercera persona, pero a pesar de esto, gracias a la técnica magistral de Éluard, se siente cercana, tanto más cada vez que el fuego aparece como sema de la pasión que va en aumento, que incluso ilumina al amante y le hace lagrimear de dicha. Como en su poema Libertad, el éxtasis del amor es otra entelequia desarrollada en una visión que integra a los actores del poema, ambas son situaciones compartidas por el arte y la vida, arquetípicas.

Recorriendo el paisaje de la amada
La amada es poseída por el Eros del yo, el fuego es el sema de la unión de ambos, lo que la afirma y sostiene. En este éxtasis participan los sentidos que recrean la pertenencia del uno al otro, por una actualización de la aprensión física que es registrada y decodificada al momento del goce. Hay una sensación de transporte donde la dimensión del placer colma el espíritu de la pareja. El fuego también le consume, el yo se siente como una rama que empieza a arder, que se transforma en la esencia del placer que recibe en el contacto con su amada. Hay multiplicación de las imágenes del Eros por su reflejo en los espejos que se empañan o se limpian con su vapor y humedad, durante la actividad del contacto.
Seguir leyendo »

La poesía es lugar de propuestas sobre la trascendencia de la condición humana, en estas ocasiones aborda la metafísica, la espiritualidad, la naturaleza y diversas cosmovisiones religiosas. La presencia de la muerte en el mundo ha sido entendida como un orden natural, una ley de la vida ineludible que toca a humanos, animales y hasta a escenarios naturales como los bosques que pueden llegar a desertificarse. Thomas Stearns Eliot (1888-1965) tocó estos temas en su obra poética, el hizo que el yo poético sea una voz reflexiva, de una filosofía del movimiento de la mente por comprender el misterio de nuestra encarnación en el mundo físico.

Eliot osciló entre el cristianismo anglicano y católico, esto le permitió no renegar de la muerte, sino más bien conceptualizarla en poemas como ‘Marina’, donde el yo poético menciona imágenes de recuerdos de su vida y de su contemplación de la naturaleza, hay elementos como el zorzal y el perro que han estado antes allí, pero en el presente de la enunciación del poema han desaparecido. Por otro lado el yo también proyecta su tránsito hacia la muerte, en una forma de viaje por embarcación, donde su espíritu es un navío que recorrerá las aguas del más allá, su cuerpo astral metamorfoseado en las cuadernas del barco, sentirá la existencia de ese mundo que solo se puede aludir en vida por la aceptación del misterio.

Un acto continúo hacia el devenir de la muerte
La muerte es una carga que se ha hecho más fácil de llevar con la madurez del pensamiento humanitario, pues hay propuestas que quedan como legado para alimentar a un mundo más receptivo y calmo ante esta realidad ineludible. Este poema es metafísico, da vueltas sobre el ser de las cosas, que quizás no deben pensarse como consumidos por el final de su ciclo vital, sino transformados o conservados en esencia en nuestros recuerdos. Connotando el título del poema, el nombre Marina nos remite a la navegación, al viaje del espíritu en una vida donde acumula imágenes, percepciones y reflexiones, las que le servirán para afrontar su destino último, la muerte física pero no el acabar de su existencia, la que pasa al plano del espíritu.
Seguir leyendo »

Los relatos de viajes espaciales empezaron como una preocupación por visionar el ambiente de la cabina de controles, expresar la dificultad de la navegación mencionando algunas incomodidades, pues no se estaba imaginando historias como las que muestran viajes estables en el cine de este género. También se planteó la contingencia del naufragio, la calamidad como freno a la conquista del espacio, para enunciar el temor natural del hombre ante la muerte en un lugar desconocido. El cuento ‘Calidoscopio‘ de Ray Bradbury empieza en el momento de la explosión de un cohete espacial con su tripulación a la deriva en el espacio exterior.

De todos los tripulantes, Hollis, el protagonista sufre una caída que lo hace arder al entrar en la atmósfera, antes en pleno espacio, recibe golpes de meteoritos que le rompen una mano y un pie, también experimenta ahogo por la falta de oxígeno en su tanque y la presión del ambiente. Lo único que no se altera es la comunicación por radio entre estos hombres, así se entera que Stone se dirige contra el sol, y por la angustia los astronautas pelean en su agonía, discuten y mienten para herirse, hasta que en el momento final se reconcilian. Hollis es visto por un niño que lo cree una estrella fugaz y su madre le dice que pida un deseo.

El precio de la conquista del espacio
El cuento plantea la lucha constante del hombre por el avance de la investigación espacial. Lo desconoció continúa a través de la historia siendo el temor de los hombres. Hay una reserva de nobleza en el cuento, en las últimas instancias de la vida, el hombre busca la reconciliación para purificarse y buscar la paz eterna. Hollis se pregunta por el destino de sus restos, quiere saber si sus cenizas se mezclarán con la tierra y serán de utilidad. El hombre se descompone en elementos propios del universo como carbono, hidrógeno, calcio, etcétera, que al caer en suelo fértil podría contribuir a generar alguna forma de vida ya establecida como las plantas.

Hollis cae de regreso a la tierra, único planeta del sistema solar que está a una distancia del sol que permite la vida, que ésta no se queme, mientras que a cierta distancia del sol, los cuerpos ya son pulverizados. Hollis desea que alguien lo vea al entrar a la tierra porque se siente solo, ya que sus compañeros han sido lanzados a otros confines. La madre y el niño que lo ven como estrella fugaz lo ven resplandeciente, como un espectáculo bello, una purificación que lo redime consigo mismo y compensa su desgracia.
Seguir leyendo »

En Navidad, por cuestión de reflexión, la gente se siente llamada a la compasión y piensa en el huérfano y la viuda del evangelio, los seres humanos marginados: el pobre, el preso y los enfermos. El autismo es una enfermedad que se sigue estudiando para remediarla, pero en la época de la condesa Emilia Pardo Bazán (1851-1921) ya se podía esbozar como referente para la ficción. Este es el tema de Cuento de Navidad de esta autora, que narra la historia del niño Fernando, enfermizo y autista, cuidado por una madre acaudalada y piadosa, que invoca a Dios para pedir el milagro de la cura para su hijo.

Esta mujer organiza una teatralización del nacimiento de Jesús en su casa, con actores, diciéndole a su hijo que el niño Dios le llama. El chiquillo, al ver la representación centra su atención en el niño actor, habla perdiendo la expresión de atónito, emocionando a su madre. El milagro se entiende como la ruptura de las leyes de la naturaleza, en caso de fe se atribuye a casos de visiones, sanaciones u otras alternativas. Sin embargo en el relato este milagro es fabricado por la madre de Fernando que no se da por vencida en su afán de ver curado a su hijo. Como no se trata de una visión de la divinidad, sino de una actuación, el don llega por la invocación.

El amor maternal busca el milagro
El dolor puede cohibir a la gente, volverla antisocial, porque sienten ganas de apartarse, también las enfermedades merman la vitalidad mental. Se dice que el autismo puede ser diagnosticado a los 4 meses o a los 4 años, en el relato, el carácter endeble del organismo de Fernando es lo que se manifiesta primero, el autismo es lo que se descubre conforme crece y llega cerca de la adolescencia. Las leyes actuales buscan la enseñanza inclusiva en la escuela para asimilar a discapacitados con problemas mentales, hoy se busca hacer valer los derechos humanos de estos niños e impedir su segregación.

En el cuento, la madre de Fernando prueba todo tipo de médicos hasta que se decide a invocar a la divinidad, lo que ella busca es curar el alma de su hijo, pues su organismo ya había llegado a un nivel aceptable de resistencia. La expresión de ausencia que marcaba al niño desaparece cuando reacciona ante los actores y él junto a su madre creen en el milagro. El cine también ha llevado a escena narraciones de milagros, situaciones portentosas que cambian la vida de una persona afectada por una enfermedad o un vicio de la conducta y la gente que interactúa con él, todo para una mejor calidad de vida.

En un cuento navideño, el milagro tiene que producir un cambio radical en la calidad de vida de un ser afectado por la enfermedad o los defectos de su conducta. El texto se afirma en la actualización del ethos de la Navidad, donde la piedad de una madre que sufre por su hijo autista tiene su recompensa en una especie de fabricación del milagro.

Leer Cuento de Navidad aquí

En las historias de espías hay siempre casos de traiciones, violencia, truculencia y terror; estos elementos de combinan para configurar el ambiente de peligro. Otros ingredientes son la tecnología como máquinas para encriptar mensajes, las tierras exóticas y lejanas, en estos casos, países que no están adscritos a la democracia. Roberto Arlt en su cuento La cadena del ancla habla de cómo un oficial de marina, René Vasonier, se vuelve ciego tras desembarcar después de traicionar a la espía Leonesa Bolesvi, al dejarla morir en el compartimento del ancla del barco, cuando los marineros usan la cadena y esta la tritura. René no quería comprometer su carrera al hacerse responsable de la presencia de la espía en el barco, y no le avisa a esta que la cadena va a ser usada.

Hay una historia dentro de otra, pues el narrador conoce de estos hechos en Tánguer, la espía estaba comprometida en una serie de atentados entre judíos y musulmanes, además había sido acusada de portar una máquina para codificar telegramas. Yama Mohamed, su amigo le recomienda entrar al barco donde trabaja René Vasonier, y es allí donde luego de tres días de dormir en el tubo de la cadena ocurre la desgracia. En varios relatos de Arlt, la muerte es un evento espectacular, con mucho color y sonido, de tal forma que el responsable del crimen recibe la sanción del relato en proporción a su maldad. El narrador es testigo de hechos insólitos, una forma de tomar distancia de los personajes y juzgarlos si las exigencias del relato lo ameditan.

El espionaje como asunto de vida y muerte
El espionaje está representado como una ocupación de alto riesgo, pues estos profesionales de la información son asesinos o conviven con sicarios que en cualquier instante pueden traicionarlos. También la posición del espía es vulnerable, porque hasta sus más difíciles hallazgos pueden hacerse públicos y no sabe en que confiar. Al espía no solo le mata el del bando ajeno sino el del propio, cuando a veces pone en peligro la misión. Ese es un mundo muy frío en el cual no se perdona el error ni la traición. Leonesa es muerta para evitar un escándalo, que de todas formas repercute en la vida profesional de René, ya que en el espionaje todos decodifican los sucesos para asegurar a su equipo.
Seguir leyendo »

Si hay una lección de vida que todos debiéramos aprender en nuestras profesiones, oficios y negocios es la de tomar con pinzas todo extremo de purismo, desconfiar de postulados que nos dicen ‘jamás mezcles una ocupación con otra o no tengas dos intereses distintos’. Por ejemplo, aún se puede escuchar a personas que creen que en el arte, como la literatura, se vive en una situación impermeable al mundo de los negocios; pero esta sentencia cojea, pues todo escritor reconocido vive de sus publicaciones y tiene derecho a diversificar sus fuentes de ingreso. Así nadie debería tomar por pecado, que un pintor o escritor que ha logrado dinero habrá como renta accesoria un supermercado, cadena de restaurants o lo que sea.

Es cierto que los hombres de empresa son muy prácticos, algunos tienen un carácter hermético, pero no hay una regla general que se postule como ley de la física que diga ‘un empresario jamás valorará el arte’, como contraejemplo tenemos a los multimillonarios coleccionistas de pintura, escultura, antigüedades, etc. En el cuento ‘El concierto’ de Augusto Monterroso, los protagonistas anónimos son un empresario y su joven hija que inicia su carrera de pianista, ella siente frialdad en su padre, cierta distancia porque están en ocupaciones distintas, mientras él aplasta a sus competidores, ella busca el reconocimiento del público y de la crítica, gracias al esfuerzo de sus hábiles dedos que también son hermosos, como valor positivo en el relato.

El purismo separa
No estoy en contra de escribir literatura pura, más bien soy su defensor, lo que me parece arriesgado es vivir con directivas de purismo, se me hace inconcebible que alguien me diga ‘ya que eres escritor no tengas negocios, ni siquiera como renta’, quizá en el cuento tanto la hija como el padre son puristas, una a tiempo completo en su arte, sin interesarse por las actividades de su progenitor que han propiciado la libertad para su actividad, y el padre que se siente traicionado porque su hija no se dedica a ejecutiva, peor aún, no se vuelve una iniciada en los negocios, se separan ambos, haciéndose extraños, más lejanos cada vez que el narrador (el padre) se afirma en su distancia diciendo ‘yo no soy artista’, a modo de anáfora en la narración.
Seguir leyendo »

Tradicionalmente, se ha divido en género teatral en tragedia y comedia y, a su vez, éstas en diversas tendencias. Pero un arte tan complejo no siempre es fácil de enclaustrar en rígidas clasificaciones. El creador siempre va por delante de ellas. Así, por ejemplo, existe la tragicomendia al igual que la comedia melodramática.

Por ello, a la hora de hablar de un autor de teatro, lo mejor es huir de etiquetas y limitarse a caracterizar del mejor modo posible su obra, sobre todo si es tan peculiar como la de los hermanos Álvarez Quintero.

Serafín (1871-1938) y Joaquín (1873-1944) Alvarez Quintero, sevillanos de Utrera, cultivaron, en efecto un tipo de teatro alegre y amable. El hecho de calificarlo así no significa que se trate de obras cómicas –ni siquiera son estrictamente comedias, pues plantean siempre algún tipo de conflicto-, sino que rebosan alegría de vivir. Sus personajes son buenos, amantes de la vida, seres sencillos que, sin tener muchas cosas, saben ver siempre el lado amable del vivir y de la sociedad.

En este sentido, cabe decir que los conflictos que muestran sus obras podrían calificarse de melodramáticos, en el mejor sentido de la palabra. No hay en ellas grandes tragedias, sino pequeños problemas de la vida que siempre se resuelven bien. Se trata de piezas simpáticas, con diálogos vivos, llenos de gracia y salero andaluz y con un indudable componente costumbrista. La ternura, la luz de su tierra y un lenguaje elegante completan la descripción de estas obras.
Seguir leyendo »

Si tuviéramos que establecer una línea de descendencia histórica entre los grandes detectives de la literatura, tendríamos que comenzar por Auguste Dupin, seguir por Sherlock Holmes y, en tercer lugar, situar a Hercule Poirot, en una continuidad que discurre paralela a la de sus creadores, Edgar Allan Poe, Arthur Conan Doyle y Ágatha Christie.

Y es que, en efecto, tras la genial obra de Doyle, el siguiente gran nombre en la narrativa policíaca es el de Ágatha Christie, quien, además, presenta una obra tan extensa como variada, siempre dentro del género detectivesco –salvo su incursión, menos conocida, en la novela romántica bajo el seudónimo de Mary Westmacott-.

La llamada Reina del crimen también muestra otra novedad: la creación de dos investigadores absolutamente distintos, como son el citado Hercule Poirot, más o menos profesional y delicado, como buen belga, y Miss Marple, madura ama de casa que no duda, para resolver sus accidentales casos, en incomodar a todo el mundo con su insaciable curiosidad.

Pero Ágatha Christie (Torquay, Reino Unido, 1890-1976) también escribió un buen numero de narraciones en las que no aparecen ninguno de ambos y el protagonista es colectivo. Buen ejemplo de ello es la popular Diez negritos. En este tipo de novelas, la construcción de la trama suele ser parecida: varias personas se reúnen, más o menos accidentalmente en una casa y se produce uno o varios asesinatos de los que todos los presentes son sospechosos.
Seguir leyendo »

El paso del tiempo ha sido una preocupación recurrente en las mentes depresivas, la contingencia del cambio es motivo de horror, más cuando se ve la edad avanzada como pérdida de vitalidad y belleza, en vez de ganancia de experiencia. Hay formas de contemplar el cambio, lo usual es el lamento del yo poético, más no la reflexión de un ente tercero a este proceso. En el poema Espejo de Silvia Plath, una mujer es reflejada a diario en un espejo que la divide en una línea de tiempo, donde esta persona ha sido una muchachita y está en potencia a convertirse en una vieja que se asoma como un pez feroz. Antes de este vaticinio, el espejo reflexiona sobre su ser y su posición en el espacio, pues en él se instala la voz del yo poético.

En poemas como ‘Lady Lazarus‘, se reveló la depresión de Plath, junto a su impulso suicida, sin embargo, esta confesión no desdibuja en absoluto la sensibilidad de la poeta, que pone a la mujer joven aún, como objeto de estudio de una conciencia suprasensible, en este caso, su propio espejo. El espejo no está libre de angustia, porque él siente el tedio de estar pegado a una pared, que parece una extensión de su materia, al extremo de cosificarse con ella y solo distraer este pensamiento cuando una persona se refleja en él. La mujer día a día expresa sus emociones, como sentirse gratificada ante el espejo al agitar sus manos o derramar lágrimas.
Seguir leyendo »

En algunos poemas lo que nos deslumbra es como el autor puede verbalizar en un orden complicado los eventos que enumera como referentes de una situación que recrea, en cierta forma menciona en forma difícil lo simple, esto vale para el estilo, también para hacer participar al lector en el proceso de decodificación del mensaje del texto artístico.

En estos poemas nada está demás, todo detalle cuenta para quien tenga la paciencia de releer o hacer una lectura detenida y captar el máximo de variantes a la lectura denotativa. Este virtuosismo está patente en la poesía de Pamela Alexander (Estados Unidos, 1948), una escritora que trasunta motivaciones metafísicas en sus composiciones.

Su poema ‘Retrato con bestias y ómnibus’ gira en torno a la descripción de una foto en sepia de un siglo de antigüedad; en ella aparecen dos niños que miran atentos el objetivo del fotógrafo, una mujer detrás de ellos en falda larga que mira como escrutando su futuro, pues está esperando su transporte en una parada de autobús.
Seguir leyendo »