Algunos hechos reales pasan a la literatura canónica, como la guerra ruso napoleónica en ‘Guerra y Paz‘ de Tolstoi, con más anterioridad el referente histórico de los abusos del comendador Fernán Gómez de Guzmán, caballero de Calatrava, acusado de tratar mal al pueblo, forzar mujeres y apoyar al rey de Portugal, quien fue ajusticiado por la comunidad en abril de 1476, dio origen a la obra de teatro de ‘Fuente Ovejuna‘ (1619) del genial Félix Lope de Vega y Carpio (Madrid, 1562-1635), conocido como el Fénix de los ingenios. Esta es una obra sobre el honor, la justicia y el amor de los villanos, estrato social que entra en conciencia de su dignidad y su importancia nacional.

La justicia tiene un matiz de fatalidad, es vista como una necesidad para suplir las deficiencias de la institucionalización del estado. Cuando los hombres apelan a la justicia entran en un entrampamiento, no pueden representarla, por ello acuden a la justicia divina. Está presente el tema de la venganza en correlación a un delito que se tiene que pagar. Hay solidaridad en el pueblo de ‘Fuente Ovejuna’, pues todos confiesan, no se puede acusar a uno solo. El rey redime al pueblo por el valor demostrado, pues también se han deshecho de un traidor a la corona. La protagonista Laurencia demuestra prudencia y virtud al enfrentarse a la asamblea de hombres del pueblo, ella mueve a los varones a tomar la acción directa y dejar de parecer femeniles por su pasividad.

La acción de las ovejas
Hay un juego semántico, los hombres de la aldea tranquilos como ovejas se vuelven lobos para defender sus derechos, este cambio agresivo se da por la mala conducta de los funcionarios, quienes abusan de su poder. Frondoso, pareja de Laurencia es un personaje villano que valora su honra por encima de cualquier otro bien, es un personaje con liderazgo tanto como su amada, quien habla del mito de las Amazonas. El pueblo muestra su buena fe, reflejo del patrón arcádico, pues el campesino se supone bueno, sencillo, honrado. Hay momentos de humor, Mengo el gracioso se burla del juez aún en el dolor respondiendo que el asesino fue Fuente ovejúnica. También hay un léxico jurídico, además se filtra el discurso religioso, interviene el tópico de Deux ex machina, el dios salido de la máquina; si no falla el rey se recurre a Dios, en esta obra el rey es representación de la justicia.
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Toda nación tiene héroes guerreros, quienes son íconos de su cultura y en algunos casos estos hombres notables han dejado algo escrito, un manual sobre el combate, su visión sobre la estrategia y la filosofía para afrontar la batalla, además están recogidos en la literatura de estos pueblos como un referente a su historia y tradición. Miyamoto Musashi (1584-1645), el más célebre samurái en la historia de Japón, empezó su carrera militar muy temprano, venciendo en combate a muerte a un guerrero adulto, cuando él solo contaba con 13 años de edad, de su experiencia guerrera e incontables duelos con los más finos esgrimistas, depuró las bases y técnicas de su Escuela de los dos sables o Nito Kenjutsu, la cual esgrimía en una mano la katana o sable largo y en otra el wakizashi o sable corto.

Su tratado de estrategia y esgrima se llama ‘El libro de los cinco anillos‘ (Go Rin no sho), que mezcla filosofía ganadora para motivarnos a abordar el combate con decisión, calma e inteligencia, sea este individual o de ejércitos, nos indica como perfeccionar la esgrima así como recomienda conocer todas las armas sea alabarda, arco y flecha, y técnicas de la pelea cuerpo a cuerpo para defender de la manera más solvente posible nuestra voluntad en un caso de conflicto. El libro se divide en los elementos naturales como tierra, que representa los fundamentos de la esgrima, agua para la fluidez mental, fuego sobre el combate abierto, viento dedicado al conocimiento de las otras escuelas y el vacío o camino de la espontaneidad.

La guía hacia la excelencia en el arte marcial
El Budo o conjunto de artes marciales japonesas tiene larga data, Musashi era un experto versado en muchos sistemas de combate y había observado errores en escuelas de esgrimistas que el venció en varios desafíos, como exceso de floritura en los movimientos, preferencias por espadas demasiado largas, descuidando el aspecto de la técnica y el equilibrio al manejarlas; desaconsejaba que se buscaran ataques de mera fuerza bruta o excesiva rapidez sin antes ponderar las reservas físicas del practicante y más aún la forma correcta de ejecutar los movimientos, la que no podía presentarse desmañada y sin un ritmo natural.
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La poesía no es, a nuestro juicio, el mejor vehiculo para plasmar ideas políticas y sociales. Para ello, existen otros géneros, como el ensayo. Sin embargo, durante unos años –los centrales del siglo XX- se intentó mostrarlas a través de ella. Es lo que se conoce como poesía social.

Fue un craso error, pues, al margen de mínimas excepciones, los resultados fueron decepcionantes: una lírica prosaica, tendenciosa y estéticamente pobre. Afortunadamente, sus cultivadores pronto se dieron cuenta de ello y abandonaron estos temas.

Y es que el género –a nuestro modo de ver- nunca puede ser mayoritario, como pretendían, ya que el lenguaje poético es, por definición, connotativo. En el, las palabras escapan de su significado real para cargarse de contenidos metafóricos o simbólicos y ello dificulta su comprensión. Además, lo estéticamente bello debe estar presente; de lo contrario, no estaremos ante poesía, sino ante otra cosa.

Los dos grandes adalides de esta corriente fueron Blas de Otero y, sobre todo, Gabriel Celaya, quienes, durante unos años, trataron de hacer llegar la poesía ‘a la inmensa mayoría’, en palabras del primero, y convertirla ‘en un instrumento para cambiar el mundo’, en las del segundo. Para conseguirlo, se obligaron a simplificar su obra y ello supuso un desperdicio de su indudable talento.
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En la mayoría de poemas logrados, el deseo es infinito, casi imposible de satisfacer, pues el yo poético se presenta desgarrado en aceptación de una situación incómoda, con su ánimo oscilando entre el lamento o una tenue resignación. Nelly Sachs (1891-1070), poeta judío alemana ganadora del premio Nobel de Literatura en 1966 tiene una poesía donde la pérdida se contempla en su dimensión máxima, sumiendo al yo poético en el consumo de su vitalidad ante la ponderación de la contingencia. De estas características es su poema ‘Y nadie sabe cómo seguir ‘, donde el yo poético femenino comienza enunciando su soledad como un naufragio que le trae amargura.

Sachs registró escenas de desolación como el holocausto nazi en su poema ‘¿Quién vació la arena de vuestros zapatos?’, aunque en distinta gradación, el sufrimiento dirige la razón de ser del yo poético aquí, donde el amante aparece en el pasado, en un tiempo de imposible recuperación, pues el Eros es un espacio para ser llenado, sin embargo es estéril realizar esta operación hacia atrás, para lo cual la poeta ilustra la metáfora de una cesta que pierde sus frutas. Ella rinde su aliento al amante indiferente pero no halla correspondencia y su ser debe habitar en la dureza de un cardo que no llegará a ser flor.

El Eros como recuerdo inconcluso
En este poema, el yo poético femenino recuerda a un amante que la acompañó poco tiempo, dejándole con la naturaleza como espacio de su soledad, para ella, el mar y la luna son potencias del cosmos que reflejan la inmensidad de su deseo, pero como hay fracaso el Eros se afirma en la pérdida, en un proyecto inconcluso sin solución de continuidad. El recuerdo del amante aparece oscuro, desdibujado por el paso del tiempo, sirve para dar significado al vacío afectivo que ella siente, mientras su entorno se presta a la contemplación por la vastedad que aportan las imágenes del mar y la arena, las que configuran una sinestesia con la sal o el sabor de insatisfacción constante en su ánimo.
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La generación del 27 español nos aportó los más destacados poetas de vanguardia de la península, muchos de ellos adscritos al surrealismo literario, que como recordamos se basó en los postulados del subconsciente y del psicoanálisis para explorar la intimidad del pensamiento humano. Juan José Domenchina es un poeta que trabajó el registro de la depresión y la desmotivación del yo poético, donde la vida se configura como una pesadilla lúcida de desesperanza y tedio aplastante, como un tránsito hacia no saber dónde ir ni cómo aprovechar el curso de la existencia en el que se está inmerso ineludiblemente.

Domenchina ya recreaba esta crisis del yo poético en su poema ‘Hastío‘, viendo al enunciador del poema en la contingencia de un aplastamiento por una falta de vitalidad de raíz existencial. Domenchina sufrió episodios de reumatismo que lo tuvieron postrado e inactivo con dolor, esto puede ser una de las tantas motivaciones para proyectar su ser contingente de esta forma en su poesía. Lo que hace el yo poético es funcionar desde la crisis, ver la vida como una noche prolongada, razonar desde la perspectiva de un sufrimiento constante y no valorar la vida porque lo bueno le está negado.

Desterrado en plena vida
El yo poético ve la vida como un destierro, como una marcha sin sentido que solo le agota. Estar desterrado es ser expulsado, estar fuera del festín de la vida. Él no puede controlar su vida, esta se da ‘tan sin camino’, amarga, carente de toda gratificación, ‘infecunda’ para este yo poético que carga a la vida de desazón. Todos los epítetos negativos dirigen la lectura al lamento de la contingencia de la encarnación del yo, quien se sostiene y cobra sentido en ese pesimismo que se hace más denso conforme se avanza en el poema. La vida se asume con inseguridad al abordar temores como el paso del tiempo y la sensación de repetir el camino de otros que no se han librado de ese destino.
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Afortunadamente para la cultura, cada vez es más fácil encontrar libros por Internet, también llamados libros electrónicos o, en perverso término inglés, ebooks. Y decimos perverso porque el Castellano es suficientemente rico como para no necesitar préstamos de ninguna otra lengua.

Pero vamos al hecho. Como señalábamos, cada vez son más las obras literarias que se pueden hallar en Internet. Probablemente, este fenómeno sea lo mejor que le ha sucedido a la cultura desde que aparecieron las bibliotecas públicas, que facilitan libros gratis a sus asociados. El hecho de poder leer desde nuestra casa casi cualquier obra de calidad y sin ningún gasto supone una verdadera revolución cultural.

Existen numerosas páginas web de las que pueden descargarse –legalmente- escritos literarios. Pero, dentro de ellas, debemos diferenciar dos clases. Por una parte, están las que, a modo de una biblioteca, contienen archivadas las obras y, generalmente, como en éstas, se encuentran separadas por géneros y autores. Y, por otra, están las que podríamos denominar buscadores propiamente dichos, es decir, aquellas webs en las que basta introducir el nombre de una obra o un autor y ellas nos redirigen directamente al portal donde ésta se encuentra almacenada.

Entre éstas últimas, una de las más recientes es Neotake, creada por el malagueño José Gómez. Se trata, por tanto, de un potente buscador que nos ofrece la posibilidad de descargar libros en diferentes formatos y en un gran número de idiomas. En cuanto a éstos, de momento, incluye el Castellano, el Inglés, el Alemán, el Chino, el Francés, el Portugués o el Italiano, entre los más hablados y, como complemento, el Sueco, el Danés e incluso el Latín y, como curiosidad, el Tagalo, hablado en Filipinas.
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En un poema se pueden oponer significados de entidades que corresponden al ánimo del yo poético, el cual oscila entre luz y oscuridad, según dé cuenta de gozo o pérdida. En el poema ‘Alba’ de Federico García Lorca, el estilo del romancero nos divide dos tiempos en la enunciación del poema, un presente de separación donde la amada ha huido, o en otra lectura podría estar muerta, y el pasado común a los amantes como un alba o una luz que le falta llegar a ser amanecer, a concretarse en la claridad del día. Lo que se valora positivo está a punto de desdibujarse, pues predomina el peso de la pérdida y se instala el sema de la oscuridad en el poema.

La esperanza no tiene la potencia en este poema para competir con la desilusión, por ello el yo poético se siente solo en el campo, aún entre el paisaje, lo que llega a vislumbrar es la aurora, para caer de nuevo en el presente de soledad. El campo en el pasado ha constituido el terreno de la arcadia porque estuvo vinculado al gozo y la recreación del Eros, en cierta forma está idealizado hacia atrás porque en el presente de conflicto el deseo es infinito. El deseo para satisfacerse requiere de agentes externos al yo poético, de un curso de solución que desborda sus posibilidades de acción.

El alba como luz tenue
En el poema falta concretar un presente que lleve al yo poético a sentirse en un continuo de amanecer, pues la separación de su amada lo ha dejado sumido en la oscuridad. El sema de luminosidad es su anhelo, su motivo de conflicto y en él se proyecta para dividir el presente del pasado. No hay futuro viable porque no hay cercanía con la amada, esto da espacio al lamento del presente y la nostalgia del pasado que se desdibuja conforme el yo poético se define más en la ausencia del Eros. La felicidad es una potencia tenue en el poema, no depende ni siquiera de la actuación del yo lírico, es un significado de claridad que se va a identificar con un deseo de cambiar el orden del presente, desde el pesar ante el conflicto.
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Una estrategia de lectura para entender el mensaje de un cuento es la connotación de los nombres de los protagonistas, pues siempre significan una virtud reforzada en el tiempo o un vicio curado en un periodo de aprendizaje. El cuento ‘Griselda‘ de Giovanni Boccaccio, es la historia de la paciencia de un humilde y bella pastora, desposada con el rico Gualtieri; su nombre significa en germano vieja heroína, y es una narración de la paciencia sufrida por esta mujer ante las crudas pruebas de su marido, como avergonzarla por ser hijo del pastor de ovejas Giannúculo y hacerle creer que mandó matar a sus dos hijos, de 12 y 6 años, cuando en verdad los mandó a educar a Bolonia, con su familia de los condes de Pánago.

A Gualtieri, sus amigos y criados le habían conminado a buscar mujer, porque pasaba demasiado tiempo en la caza y cetrería. Él quiso buscarla por sí solo y no recibir a la recomendada de sus allegados. Gualtieri siempre tuvo miedo de las murmuraciones por la diferencia social con su mujer, al punto de a 13 años de casados llegar a decirle que había conseguido dispensa de Roma para dejarla y devolverla a su casa. Así le dice que se va a casar de nuevo, nada menos que con su hija, una bella adolescente, pero ese es el momento de la anagnórisis o la entrega de la verdad para todos los personajes, la reconciliación final de la pareja trayendo a Giannúculo a casa y el fin de las humillaciones de la paciente Griselda.

La virtud está presente en todos los rangos sociales
El experimento de Gualtieri es efectuado con una mujer de resistencia excepcional al dolor y a los golpes de la vida. Él cuando finge dejar a su esposa la regresa con una simple camisa a casa de su padre, para llamarla a luego a la prueba final de la supuesta boda. En esta demostración están presentes damas de la comarca que se regocijan con el fin de los tormentos de la bella Griselda y la honran como señora digna de virtud. El relato termina con preguntas retóricas del autor, para ejemplificar que la distribución de los dones como la prudencia, el buen talante, la sabiduría y paciencia no dependen del dinero o la posición social; para la época hay una revaloración de la función de la gente humilde, llamada a ser los nuevos protagonistas de un liderazgo social en que ellos participen pasando por varias pruebas a su virtud.
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Indudablemente, la vida marca a fuego el pensamiento e influye de modo determinante en el carácter de las personas. Y cuando ésta es desgraciada, no podemos pedirles alegría y buen humor, sencillamente, porque quizá no los han conocido.

Por ello, a un hombre que quedó huérfano de padre a los tres años, enfermó de tuberculosis crónica a los diecisiete, vivió en la pobreza y pudo estudiar gracias a una beca y atravesó dos guerras mundiales presenciando sus horrores –su padre murió en la primera-, no puede pedírsele que escriba una literatura simpática y amable.

Este hombre fue Albert Camus (Mondovi, Argelia, 1913-1960) y, a la vista de su biografía, no podía tener otro pensamiento que no fuese el existencialismo.

Se conoce así, de modo genérico –su sistematización filosófica es otro tema- a la corriente que se desarrolla tras la Segunda Guerra Mundial y que se pregunta por el sentido de la existencia humana. Tras dos guerras de exterminio y algunas otras civiles no menos crueles, no es extraño que el hombre, a la vista de su capacidad destructora y de los horrores presenciados, se preguntase cuál era su papel en el mundo y, aún más, qué sentido tiene la vida. Ante ese mundo, que se ve como absurdo, el hombre se siente perdido y ello deriva en angustia y dolor.
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Un cuento infantil puede versar sobre aventuras de personajes inanimados, o aquellos que requieren el movimiento impreso de los niños como los juguetes, a los que se transfieren propiedades como el amor, el ansia de aventura, el valor, el temor o la envidia. Hans Christian Andersen (1805-1875), escritor danés celebre en el género infantil, quiso prefigurar el amor en los pequeños en las figuras de un soldadito de plomo cojo y una bailarina que se enamoran por ser los juguetes de un mismo niño. El soldadito participaba en la vanguardia de las batallas de juego de su amo y al anochecer las contaba a la bailarina al estar guardados los juguetes.

El cuento pasa por varias peripecias como la caída del soldadito por la ventana, su entrada al estómago de un ave que luego es llevada de comida a la casa del niño. El soldadito mientras estaba en peligro solo pensaba en su bailarina, en cierta forma, salvando la distancia de tiempo, nos recuerda algo el tema de la canción ‘Marionetas de Cartón’ del grupo Iracundos, que rescata la sensibilidad contenida aún en los objetos dedicados al teatro, por ser repertorio del arte que se convida al público. El amor está enunciado como una fuerza primordial, capaz de entronarse en la materia inerte, condicionando el ethos de estos seres que en el juego y el descanso tienen una conciencia de pertenencia y afecto.

El amor sobrevive luego de las peripecias
Este cuento ilustra la naturaleza del amor en los niños, mostrándolo como entrega, sacrificio, sinceridad con la pareja y otros valores como el compartir la aventura o el peligro final. En este relato el soldadito y la bailarina al reencontrarse caen al fuego y sus cuerpos de plomo se unen en una peana en forma de corazón, como la recompensa final a sus desventuras y esfuerzos. Es importante notar que el niño de la casa evita que se quemen por completo y rescata a las dos figuritas unidas por la base. El viaje de zozobra del soldadito solo refuerza el amor por su bailarina, al extremo de que al reencontrarse y verla en el fuego es él quien ingresa a las llamas para intentar salvarla.
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