La novela policíaca es, probablemente, la principal contribución norteamericana a los géneros narrativos. Dejando a un lado excepciones poco relevantes, puede considerarse iniciador de ésta al genial Edgar Allan Poe, con sus relatos breves protagonizados por el peculiar Dupin.

Agatha Christie

No obstante, la afición a este tipo de novelas se extendió pronto al continente europeo, especialmente a Inglaterra, tanto en lo referente a su lectura como al cultivo de las mismas. Así, el segundo gran autor con que cuenta el género –Arthur Conan Doyle, con su inigualable Sherlock Holmes- es británico. Y desde entonces, han alternado los novelistas de uno y otro lado del Atlántico.

No obstante, existen claras diferencias entre la narrativa policíaca inglesa y la norteamericana. En ésta, los escenarios se circunscriben a los bajos fondos y sus protagonistas son detectives marginales y casi siempre violentos. Por el contrario, en la británica, nos encontramos con ambientes aristocráticos o, al menos, elevados, y sus investigadores son inteligentes, deductivos y sólo emplean la fuerza en situaciones extremas –muchos de ellos, nunca-.

Una excelente muestra de estos rasgos de la novela policíaca al estilo inglés es la extraordinaria obra de Agatha Christie (Torquay, Inglaterra, 1890-1976), conocida como ‘la gran dama del crimen’. Sus novelas, más de ochenta, siguen casi siempre un mismo desarrollo, lo que no disminuye un ápice su calidad. La autora nos sitúa en un escenario donde se van desarrollando una serie de asesinatos y los lectores vamos recibiendo la información sobre las pistas que se hallan a la vez que el protagonista que debe desentrañar el misterio.
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Es indiscutible que escribir mucho no es sinónimo de escribir bien. La literatura universal está llena de ejemplos  de autores que, con una sola obra, ganaron fama mundial. No obstante, el hecho de tener una obra prolífica tampoco significa que la calidad sea inferior. Bien es cierto que mantener un nivel artístico elevado cuando se escribe mucho no es fácil. Pero ha habido algunos genios que lo lograron.

Retrato de Lope de Vega

Uno de los más importantes -si no el más- es el español Lope Félix de Vega Carpio (Madrid, 1562-1635), cuya producción es, probablemente, la de mayor volumen de la literatura universal. En efecto, no creemos que haya habido un escritor con una obra tan amplia y muy pocos, además, la superan en calidad.

Escribió poesía, narrativa y teatro, siendo en éste último en el que más destacó, ya que a él se debe la creación de la Comedia Nueva, subgénero teatral autóctono cuyo éxito sólo puede equipararse al que hoy día tiene el futbol, pues, al igual que en éste, el público de todas las clases sociales asistía con fervor e incluso había aficionados a tal o cual dramaturgo que polemizaban entre sí.

Pero, además, Lope tuvo tiempo a llevar una intensa vida, en la que se acumularon las amantes y los hijos ilegítimos. Hasta su ordenación como sacerdote en 1614 –y probablemente después-, su actividad amatoria fue muy intensa.
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El periodo histórico que conocemos como Barroco y que viene a coincidir con el siglo XVII fue una etapa de pesimismo vital. Frente al Renacimiento, que confería al hombre el papel de eje del Universo y exaltaba el goce de la vida, el Barroco es un nuevo periodo de crisis y, sobre todo, de desorientación, cuya concepción del mundo y del ser humano es negativa.

Portada de la obra

Por ello, no es de extrañar que uno de los géneros que mayor auge cobraron fuese la prosa doctrinal de intención didáctica, cuyo objetivo primordial es facilitar al hombre una guía de conducta en este mundo hostil, generalmente a través de la religión.

Revestida de distintos moldes literarios –puede presentarse en forma de novela, de ensayo o incluso poética-, constituye uno de los cauces expresivos del conceptismo propio del Barroco, el cual se basa en la preponderancia del contenido sobre las galas retóricas, en la expresión de ideas mediante una prosa desnuda que halla en la antitesis, la contradicción y el ingenio intelectual sus principales aliados estilísticos.

Uno de sus mejores cultivadores fue el aragonés Baltasar Gracián (Belmonte de Calatayud, 1601-1658). Jesuita dedicado a la predicación, tarea habitual entre los clérigos de la época hasta el punto de que algunos adquirieron tal fama que se acudía a escucharlos desde lugares lejanos –probablemente Paravicino sea el más popular de ellos-, toda su creación literaria se preocupa de enseñar normas de conducta vital a sus conciudadanos. Títulos como El político, El discreto u Oráculo manual y arte de prudencia dan buena prueba de ello.
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El movimiento romántico supuso para la poesía una verdadera revolución, al combinar metros y estrofas diferentes e incluso crear otras nuevas, así como introducir en ella temas hasta entonces inexistentes. Pero también –sobre todo en sus años finales- degeneró en sus formas, dando lugar a una lírica ripiosa y demasiado retumbante.

Busto en honor a Rosalía de Castro

Por ello, era necesaria la llegada de algún poeta de altura que asimilase aquellos avances, asentándolos y eliminando los excesos. Y este papel correspondió, en las letras hispanas, a Gustavo Adolfo Bécquer y a Rosalía de Castro, la cual, además, propició con su obra el renacer –llamado ‘Rexurdimento’- de la literatura en gallego. Ahí reside, además de en su extraordinaria creación, la verdadera importancia de esta figura.

Rosalía de Castro (Santiago de Compostela, 1837-1885) fue una mujer luchadora. Hija de madre soltera, con el estigma que ello suponía en la época, tuvo siempre una salud enfermiza y, probablemente, si no se hubiese casado con Manuel Martínez Murguía, erudito de las letras, sus poemas hubiesen quedado inéditos, pues fue éste quién la animó a publicarlos.

Su obra no es muy abundante. Junto a algunos relatos breves, cinco libros de poemas: el inicial La flor, todavía romántico, A mi madre, puro sentimiento, Cantares gallegos, Follas novas, de una cierta denuncia social, y En las orillas del Sar, que vuelve a lo íntimo. Dos rasgos esenciales presiden todos ellos: de una parte, la desnudez expresiva, ajena a toda retórica, que recupera la esencia de la palabra y otorga al ritmo y la musicalidad el protagonismo lírico; y de otra, la expresión de la intimidad dolorida y nostálgica, en un ejercicio de sinceridad.
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A lo largo de la historia de la literatura, han sido muchos los novelistas que han escrito narraciones de aventuras. Y ello no deja de ser curioso, porque –salvo contadas excepciones- nada hay más opuesto al aventurero que el intelectual, cuya actividad suele concentrarse en reflexionar sobre los problemas del hombre y las circunstancias de su tiempo.

Pío Baroja y Nessi

Pero si hay un escritor en el que esta contradicción resulta aún más evidente, éste es Pío Baroja y Nessi (San Sebastián, 1872-1956). En efecto, el vasco tenía un temperamento especial, un tanto apático, fruto de su pesimista visión del ser humano, y, sin embargo, siempre añoró ser un aventurero, como alguno de sus antepasados, según veremos.

Sin duda, daba salida a esta frustración en sus obras. Y debemos felicitarnos por ello porque, de este modo, Baroja nos ha brindado algunas de las mejores páginas de la narrativa de aventuras. Buen ejemplo de ello son sus Memorias de un hombre de acción, nada menos que veintidós novelas protagonizadas por Eugenio de Aviraneta, dinámico conspirador del siglo XIX y antepasado del autor.

Pero debemos precisar que no todo en el vasco son narraciones de este tipo. Es más, pueden distinguirse en sus novelas dos clases muy diferenciadas. De una parte, las que venimos mencionando, sencillos relatos plagados de aventuras -aquí también se incluyen sus cuentos-. Y, por otra, las que, ajenas a toda acción, se concentran en el otro tema en el que Baroja se hallaba a gusto: el análisis de la condición humana y el hastío vital que procede de su pesimismo ante el hombre y el mundo. Entre éstas, probablemente la mejor sea El árbol de la ciencia.
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Sobre héroes y tumbas

El surrealismo quiso siempre trascender los límites del realismo, al que identificaba como una narración de la parte consiente del hombre, así el surrealismo se interesa por el mito y la magia porque son formas de pensamiento no racional. La idea surrealista es evitar la censura y la línea divisoria entre sueño y vigilia. El objetivo final es expresar todo, las 24 horas de la persona. Ernesto Sábato (Rojas, Argentina, 1911) presenta una obra icónica de este ismo literario, con su segunda novela ‘Sobre héroes y tumbas‘ (1961), parte de un trilogía que empezó con ‘El Túnel ‘ y termina con ‘Abadón, el exterminador‘. Esta es una novela total que va cambiando de textura por páginas y partes.

El incesto es una motivación fuerte en la familia de Fernando Vidal Olmos, quien de niño se enamora de su madre y transfiere ese deseo a su prima Ana María, con ella tiene a Alejandra y cuando está niña llega a la edad de merecer, su padre consuma el incesto. Fernando ha estudiado a la secta de los ciegos que describe en su ‘Informe sobre ciegos’, una parte visceral, erótica y tanática a la vez en esta novela. Esta protagonista, personaje muy fuerte sobre la cual orbitan amantes de todo calibre ve en el amor sincero del joven Martín Del Castillo, para quien la obra es novela de aprendizaje, una esperanza de redención, pero el influjo de la secta, el cual no se descree en la obra, hace que mate a su padre y luego se suicide en el fuego.

El dominio de un conocimiento peligroso
Sábato como Roberto Arlt representa la literatura problemática, las novelas de tesis, donde es posible vincular el arte al conocimiento. Fernando Vidal como Juan Pablo Castell es un personaje incómodo para la secta de los ciegos, por sus pesquisas e investigaciones, pues sabe que el mundo está gobernado por el mal, representado en pasiones oscuras larvadas que cuando se liberan dan una sensación de poder, las que canalizadas como hacen los jerarcas de la secta, podrían en peligro la hegemonía de estos siniestros personajes. A Sábato le interesa el crimen presente en novelas que no son policiales, así da densidad psicológica a sus personajes, como la bella Alejandra, quien es dragón y princesa a la vez, porque maneja secretos peligrosos que impiden acercarse plenamente a ella.
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Al igual que en otros aspectos de las artes, en la literatura también se origina una mitología propia, constituida por personajes que han calado tan profundamente en la conciencia colectiva que se erigen en representativos de una forma de entender la vida –ya sea para bien, ya como ejemplo de perversión- hasta el punto de que son rápidamente identificados con una actitud vital.

Monumento a Tirso de Molina en Madrid

Los ejemplos son muy numerosos, pero, por citar algunos, podríamos decir que Emma Ozores –y su correlato francés, Bovary- personifican la insatisfacción de la persona reducida a una vida superficial y frívola; Werther se erige como arquetipo del idealismo y la rebeldía románticas; o don Quijote es la encarnación del idealismo y la lucha inútil por la justicia.

Como ellos, don Juan Tenorio es personificación de muchas cosas y no todas positivas. Así, por una parte, es el prototipo del rebelde ante la sociedad, que vive saltando por encima de sus convenciones y haciendo lo que le viene en gana, rasgos muy atractivos en cualquier época y lugar. Pero, por otra, es un ser perverso, que no duda en engañar para lograr sus objetivos sexuales, aunque con ello arruine la vida de sus víctimas.

Sea como fuere, se trata de uno de los personajes literarios que más han calado en la conciencia universal, hasta el punto de  que, en casi todas las épocas y lugares se han realizado reelaboraciones del mito. Moliere, Zorrilla o Lord Byron son algunas de las figuras literarias que se han ocupado de él.
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El nacimiento de la prosa literaria es tardío en la literatura española con respecto a otros países y también si se lo compara con la poesía. Hasta su aparición, su lugar era ocupado por ésta en su modalidad épica, es decir, aquélla que narra las hazañas de los grandes héroes del momento –el Poema de Mío Cid es un proverbial ejemplo en este sentido- y, sobre todo, por textos en Latín.

Retrato de Don Juan Manuel

Aunque sus primeras manifestaciones –las Glosas Silentes y las Emilianenses- se sitúan en el siglo X, según datación de Menéndez Pidal, habría que esperar al siglo XIII para presenciar un cultivo habitual de obras en prosa con intención artística. A su aparición contribuyeron en buena medida los sabios árabes y judíos que se incorporaron a Castilla con la Reconquista y, sobre todo, la irrupción de seglares en la cultura, hasta entonces patrimonio casi exclusivo de los religiosos.

Por tanto, podemos situar el origen de la prosa literaria en los reinados de Fernando III el Santo y, sobre todo, en el de Alfonso X el Sabio. Se trata de una literatura de intención didáctica y moral. No obstante, su valor estético es todavía relativo, a pesar de la normalización ortográfica y sintáctica llevada a cabo por el Rey sabio.

Habría que esperar a la llegada del sobrino de éste, Don Juan Manuel, para poder hablar de una prosa con intenciones verdaderamente artísticas. Nacido en Escalona, provincia de Toledo, en 1282, fue un activo político, que participo en las luchas dinásticas entre sus parientes, y uno de los hombres más cultos de su tiempo.
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Puede decirse sin miedo a equivocarse que la irrupción de Lope de Vega en el, por otra parte, escueto panorama dramático español de su época supuso la aparición y consolidación de un teatro nacional de extraordinaria calidad. El Fénix creó toda una dramaturgia a la que bautizó como Comedia Nueva y sentó cátedra hasta el punto de dar lugar a toda una escuela.

Una edición de las obras de Guillén de Castro

Uno de sus principales seguidores fue Guillén de Castro (Valencia, 1569-1631), formado en la Academia de los Nocturnos y que sería, a su vez, máximo representante de la llamada Escuela Valenciana y gran admirador de Lope. No obstante, Guillén ya tenía obra publicada cuando conoció al maestro y, por ello, su teatro presenta ciertas peculiaridades respecto al de éste.

Ello no significa que no se le pueda considerar discípulo de Lope. Sí lo es, lo que ocurre es que –como sucederá más tarde con otros autores, como Tirso de Molina o Mira de Amescua- posee una personalidad y un talento propios.

Compuso Guillén unas treinta y cinco obras teatrales, entre las que la crítica destaca Las mocedades del Cid, en la que, con un trasfondo a medio camino entre la historia y la leyenda, muestra la gestación del héroe desde su adolescencia hasta conformarse como gran batallador. Pero posee también otras obras muy estimables.
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No es muy frecuente en la literatura que un padre y su hijo sean ambos escritores famosos. Normalmente, los descendientes acostumbran a tomar otros derroteros profesionales –quizá a sabiendas de las penurias económicas que proporciona la escritura- o, en caso de dedicarse a ella, no suelen alcanzar la categoría de su padre.

Alejandro Dumas hijo

Sin embargo, este hecho sucede con los Dumas, ambos llamados, además, Alejandro. Si el padre fue un novelista y dramaturgo famoso, no menos lo fue su hijo natural, aunque éste con una obra más reducida en cantidad.

En efecto, Alejandro Dumas hijo (París, 1824-1895) nació fruto de la relación del autor de Los tres mosqueteros con una humilde costurera. Reconocido por su padre en 1831, estudió en los mejores colegios y, como aquél, vivió una juventud un tanto disipada, quizá movido por el estigma que, en aquellos tiempos, significaba ser hijo natural.

En 1844, conoció a la cortesana Marie Duplessis, quién inspiraría La dama de las camelias, escrita primero como novela –fue publicada en 1848- y, más tarde, adaptada al teatro.
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