Tennessee Williams

En el caso del primero de ellos, la mención a su origen geográfico no es mera anécdota, sino un importante dato ya que el profundo sur y su peculiar idiosincrasia social se hallan muy presentes en sus obras: un mundo anclado en el pasado, con unas convenciones anticuadas y que no termina de incorporarse a la modernidad que representa el norte del país.

Además, Thomas Lanier Williams (Mississippi, 1911-1983), verdadero nombre del escritor, a quién bautizaron como ‘Tennessee’ sus propios compañeros de estudios debido a su profundo acento sureño, fue una personalidad atormentada, constantemente perseguido por sus problemas con el alcohol y los tranquilizantes.

El éxito literario tardó en llegarle. Tenía treinta y tres años y se había visto obligado a trabajar en una zapatería para sobrevivir. Tras varios intentos, alcanzó la fama con El Zoo de cristal, que –estrenada en 1944 en Chicago- incluso estuvo a punto de ser suspendida debido al escaso número de espectadores que acudieron a verla durante la primera semana. Pero, unos días después el público formaba largas colas para asistir a su representación.


Galardonada con el Premio de la Crítica Teatral de Nueva York, se trata de una obra profundamente autobiográfica. Ambientada en el Saint Louis de los años treinta, nos presenta a la familia Wingfield. La madre, Amanda, vive obsesionada con casar a su hija Laura, una muchacha extremadamente tímida que vive para su colección de figuras de animales en cristal. Junto a ellos, Tom, hermano de Laura y poeta frustrado, es quién sostiene económicamente a la familia trabajando en una zapatería.

Una vista de Saint Louis, donde Williams vivió muchos años

Como decíamos, se trata de un retrato de la vida del propio Williams durante los años en que vivió con su madre y su hermana Rose, aquejada de serios problemas nerviosos y extremadamente tímida, que se hallaba muy unida al escritor.

Y, junto a ello, una crítica a las convenciones sociales del profundo sur –al que antes aludíamos-, que consideraban que la única salida vital para una muchacha como Laura (y como Rose) es un buen matrimonio.

Se trata, en suma, de la primera obra maestra de Tennessee Williams, a la que seguirían otras creaciones no menos geniales, como la mítica Un tranvía llamado Deseo o La gata sobre el tejado de zinc caliente.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Espacio latino.

Fotos: Tennessee Williams: AlMare en Wikimedia | Saint Louis: Exothermic en Flickr.

Castillete de una mina de carbón. La minería constituye el antagonista de La aldea perdida

También es una etapa –sobre todo en sus años finales- en que el género narrativa evoluciona mucho. En pocos años, al modelo realista imperante le sucede el Naturalismo creado por el citado Zola y a éste un nuevo realismo, esta vez menos objetivo y más espiritual.

Por otra parte, todo buen escritor sabe adoptar y asumir las novedades técnicas y estilísticas que se producen en su profesión sin por ello perder su peculiar forma de hacer literatura. Esto sucede con el asturiano Armando Palacio Valdés (Entrialgo, Laviana, 1853-1938).

En efecto, suele ser considerado un novelista tradicional, tanto por sus formas como por sus ideas. Sin embargo, también supo tomar del Naturalismo lo bueno que ofrecía sin caer en los excesos de otros. En este sentido, pueden diferenciarse en su obra dos caminos distintos: de una parte, las obras más puramente idealistas como La aldea perdida, donde defiende el mundo previo a la Revolución Industrial como una Arcadia feliz contraponiéndolo de forma maniquea a la maldad del progreso; y, de otra, sus novelas más realistas, en las que muestra con espíritu crítico problemas de la sociedad española de su época.


Es esta segunda forma de novelar la menos conocida de Palacio Valdés, ya que la crítica siempre se ha quedado con la primera por su tono más amable. Sin embargo, el autor asturiano también sabe ser crítico y fustigar aquello con lo que no está de acuerdo.

Así, a pesar de sus convicciones católicas, no duda en criticar a una parte del clero y a la religiosidad mal entendida, es decir, aquélla que se queda en las apariencias externas sin profundizar en el verdadero cristianismo.

Ayuntamiento de Avilés, ciudad donde el escritor pasó su infancia

Buena muestra de ello es la novela Marta y María, publicada en 1883, en la que muestra la dicotomía entre estas dos hermanas de clase acomodada. María es una muchacha religiosa que acaba ingresando en un convento pero también es egocéntrica y fría en sus sentimientos. Por el contrario, Marta carece de los sentimientos piadosos de su hermana pero es sincera y práctica, mucho más humana que María. A ojos de Palacio Valdés quién goza de todas sus simpatías es Marta.

Realmente, se trata de una novela realista, un cuadro de costumbres de una ciudad provinciana llamada Nieva. Pero los elementos naturalistas afloran aquí y allá. Ejemplo evidente de ello es el momento en que nos narra la flagelación de María, en la que incluso se atisban elementos que reflejan una cierta perversión sexual.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Palaciovaldes.com.

Fotos: Castillete de mina: Fotos de Carrio en Flickr | Ayuntamiento de Avilés: Pablo G. Pando en Flickr.

Portada de una obra de Lovecraft

Sin embargo, en la base de todo ello se encuentra algo mucho más sencillo: el temor a lo desconocido. En efecto, lo que ignoramos hace aflorar nuestros miedos más atávicos y, cuando un escritor se dio cuenta de ello, revolucionó el género de tal forma que ya nunca volvería a ser el mismo.

Ese escritor fue el norteamericano Howard Philips Lovecraft (Providence, Rhode Island, 1890-1937) y, aunque murió siendo casi un desconocido, su obra ha creado escuela y casi todos los autores posteriores del género se hallan, en mayor o menor medida, en deuda con él.

Puede decirse que las circunstancias vitales de Lovecraft crearon el caldo de cultivo necesario para su dedicación posterior. Fue un niño enfermizo y solitario, que prefería la compañía de los libros a la de otros muchachos y sus años posteriores fueron desgraciados. Nunca gozó de buena salud y ciertos problemas mentales agudizaron esta circunstancia con el paso del tiempo.


Sus orígenes literarios se hallan marcados por la influencia de grandes escritores del género de terror: su compatriota Edgar Allan Poe, Lord Dunsany o Algernon Blackwood, pero pronto adoptó un universo peculiar que le ha dado fama mundial.

Como decíamos, Lovecraft, quizá por su propia experiencia, fue muy pronto consciente de que lo que verdaderamente genera miedo en el ser humano es lo desconocido. Por ello, toda su obra gira en torno a este eje. Incluso los relatos de Los mitos de Cthulhu, que crean una suerte de universo paralelo al real, se apoyan en esta idea. Nunca llegamos a saber a ciencia cierta si se trata de deidades extraterrestres o de seres de origen desconocido que estaban en nuestro planeta antes que nosotros.

Placa en honor a Howard Philips Lovecraft en Providence

Pero este rasgo del miedo a lo desconocido se hace más patente aún en otro tipo de relatos entre los que se halla La bestia en la cueva. Narra éste la historia de un hombre que se pierde mientras visita una inmensa caverna. Cuando está sólo y a oscuras, se ve acechado por una extraña criatura a la que consigue matar pero que no ve hasta ser rescatado. Su sorpresa entonces será mayúscula.

El verdadero miedo en este relato procede, no de criaturas sobrenaturales o extrañas, sino del interior del propio protagonista, de su sensación de soledad y de hallarse abocado a lo que cree una muerte segura. Se trata, por tanto, de un terror psicológico que Lovecraft sabe dosificar de manera extraordinariamente magistral.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Ciberanika.

Fotos: Portada: Marxchivist en Flickr | Placa conmemorativa a Lovecraft: Thefuturefire en Flickr.

Detalle del monumento a Ramón Gómez de la Serna en Madrid

No obstante, mayor valor tiene la aportación de una de las figuras más importantes del vanguardismo español. Se trata de Ramón Gómez de la Serna (Madrid, 1881-1963), que participó de una forma u otra en todas las tendencias que se sucedieron en aquella etapa de renovación.

Excéntrico donde los hubiera, la vida de ‘Ramón’ –como él mismo se hacía llamar- constituye una permanente ruptura con las convenciones: pronuncia conferencias vestido de torero o desde el trapecio de un circo, celebra banquetes en los que sólo se consumen medicamentos o recita poemas a lomos de un elefante.

Esto, que podría ser considerado fruto de una personalidad snob, es más bien una muestra de su concepción del mundo, a sus ojos grotesco y sólo explicable en términos de humor.


Todo ello le convierte en verdadera encarnación del espíritu de las vanguardias. Pero, al margen de sus novelas, su teatro y sus excelentes biografías, la gran aportación de Gómez de la Serna a la literatura son sus greguerías, un género nuevo que se halla a medio camino entre la máxima filosófica y el simple chiste.

Pero la base fundamental de la greguería es la metáfora, entendida ésta como la figura que pone en relación dos términos, uno real y otro imaginario, a los que compara de forma incompleta. A partir de ella, ‘Ramón’ ejercita todo un repertorio que, en sus momentos más logrados, recuerda a las audacias conceptistas de Quevedo. Muchas de ellas son de contenido humorístico, otras son más líricas, algunas de contenido filosófico, pero todas constituyen verdaderos ejercicios intelectuales.

Una vista de la madrileña calle de Velázquez, donde Gómez de la Serna vivió muchos años

Las que constituyen el texto Nuevas greguerías, publicado en la revista Renovación española en mayo de 1918 vienen a añadirse a las primeras creadas por el genio de ‘Ramón’. Son, por tanto, más perfectas en su contenido que aquéllas. Ello se aprecia en la extensión de algunas, que desbordan el tamaño de las primeras –apenas una frase- para constituir casi un pequeño relato.

Sin embargo, las mejores son las más breves, ya que requieren un ejercicio intelectual y de condensación realmente extraordinario. Buen ejemplo es aquella que compara una nuez con un pequeño cerebro, una “sesada vegetal”. Se trata, en suma, de excepcionales muestras de ingenio.

Podéis leer el texto aquí.

Fuente: Realidad literal.

Fotos: Monumento a Gómez de la Serna: Zaqarbal en Flickr | Calle Velázquez (Madrid): Pablo F. Burgueño en Flickr.

En esta lógica de lo inverosímil se basó Enrique Jardiel Poncela (Madrid, 1901-1952) -flanqueado por otros autores como Miguel Mihura o, más tarde,  Álvaro de La Iglesia- para su loable propósito de renovar la risa, de crear un teatro de humor intelectual que se hallaba en las antípodas de lo ofensivo y facilón que abunda hoy entre los autores cómicos.

Una calle del distrito madrileño de Fuencarral, donde nació Jardiel Poncela

Podría definirse esta citada lógica de lo inverosímil, a grandes rasgos, como la creación de argumentos disparatados que, desde un punto de vista racional, pueden suceder pero resultan muy difícilmente creíbles. Para imaginarlos y, sobre todo, para desarrollarlos con coherencia hace falta un gran talento.

Pero no se limita Jardiel a esta técnica para construir su peculiar humor. A éste colaboran muy mucho unos diálogos plenos de ingenio, chispeantes, en los que la ironía y el absurdo constituyen elementos muy importantes. Y, junto a ello, personajes disparatados.


A pesar de su genialidad, Jardiel fue poco comprendido en su tiempo. La crítica le atacó duramente y el escritor, aquejado de depresiones desde muy joven, vivió sus últimos días amargado y sospechándose perseguido por aquélla. Sin duda, no lo merecía. El público aclamaba sus obras, cada una de las cuales constituía un éxito mayor que la anterior.

Su problema probablemente fuera que sus técnicas eran demasiado novedosas para su tiempo. Y ello nos lleva a otro rasgo que no debe olvidarse: la absoluta modernidad del teatro de Jardiel, que hace que hoy pueda representarse como si acabara de ser escrito.

Buena muestra de todo ello es la pieza Los ladrones somos gente honrada, estrenada en 1941 y subtitulada por su autor como “comedia casi policíaca en un prólogo y dos actos”.

Daniel ‘el Melancólico’ y sus cómplices tratan de robar en una mansión mientras se celebra una fiesta. Pero el delito se suspende cuando éste se enamora de Herminia, hija de los señores de la casa. Al cabo de poco tiempo, Daniel y la joven se casan.

Jardiel trabajó como guionista en Hollywood. En la foto, el mítico cartel que existe en la colina de esa ciudad

Entonces, los compinches del antiguo ladrón deciden vengarse de él intentando robar a la pareja. Daniel lo descubre pero no puede revelar las intenciones de aquéllos sin descubrir su pasado a su esposa y a los padres de ésta. Por ello, los instala en su casa como parientes.

Puede imaginarse la cantidad de situaciones disparatadas e hilarantes que se suceden a partir de ese momento. Éstas conducen, además, a que vayan apareciendo oscuros secretos de los personajes aparentemente formales –el mayordomo, el padre de Herminia-.

En suma, un enorme lío que Jardiel sabe desenredar con su extraordinario talento teatral. Afortunadamente, el tiempo le ha situado en el lugar que su genialidad merecía y hoy sus obras continúan siendo representadas con clamoroso éxito.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Aloha Criticón.

Fotos: Fuencarral: Daquella Manera en Flickr| Cartel de Hollywood: Sörn en Flickr.

Herbert George Wells

En los casos de más talento –como por ejemplo el de Julio Verne- ello desembocó en obras casi proféticas que adelantaban descubrimientos futuros y escritas con indudable calidad literaria. En suma, en el surgimiento de la literatura de ciencia-ficción, que tan enorme éxito alcanzaría con el tiempo.

Se trataba de escritores visionarios –aunque posterior, Aldous Huxley sería otro buen ejemplo- que, en muchas ocasiones también utilizaron sus creaciones para alertar de los peligros de cultivar una ciencia sin ética, que llevaría a la civilización humana a su exterminio como tal y convertiría al Hombre en mero instrumento y, como tal, en un esclavo.

Otro de estos geniales autores fue el británico Herbert George Wells (Bromley, 1866-1946), también un visionario, que especuló con avances científicos tales como los viajes en el tiempo o con sucesos extraordinarios como una invasión extraterrestre (en su relato La guerra de los mundos que, llevada a la radio por Orson Wells produjo una oleada de pánico en Estados Unidos).


Pero Wells fue también un hombre de profundas convicciones éticas. Militante de la Sociedad Fabiana, que preconizaba una suerte de socialismo utópico ajeno al marxista, mostró siempre preocupación por los desvalidos. Pero también quiso advertir, como los citados anteriormente, sobre los peligros que acarrearía una Ciencia que se desarrollase al margen de principios éticos.

Lo llevó a cabo en su novela La isla del doctor Moreau publicada en 1896, que cuenta la historia de Edward Prendick, náufrago del ‘Lady Vain’ que arriba a un islote en el que se halla refugiado el doctor Moreau. Éste ha sido expulsado de su trabajo en Gran Bretaña por llevar la experimentación con seres vivos demasiado lejos.

Una vista de Bromley, ciudad natal de Wells

Despreciado por la comunidad científica, ha continuado en aquella soledad sus investigaciones. Libre de todo control, ha llevado éstas hasta límites aberrantes, mezclando diferentes animales e incluso a éstos con seres humanos. El resultado son auténticos monstruos.

Se trata, por tanto, de una obra de ciencia-ficción. Pero también de un alegato ético que, como decíamos, trata de advertir sobre los riesgos que tiene para la civilización humana la utilización de la Ciencia con fines espurios y ajena a todo control de la ética. No es la mejor novela de Wells pero, aunque solamente sea por su profundo mensaje, merece la pena.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: El Kraken.

Fotos: Herbert George Wells: JasonAQuest en Wikimedia | Bromley: Nigel Cox en Geograph.

'El astillero' es el título de una de las novelas más conocidas de Onetti

Son muy conocidos los casos del condado de Yoknapatawpha en William Faulkner o del Macondo de Gabriel García Márquez, mundos míticos y, en ocasiones, mágicos que constituyen una reproducción a escala del orbe y de la sociedad humana.

Lo mismo sucede con la Santa María del uruguayo Juan Carlos Onetti (Montevideo, 1909-1994). Utilizada por vez primera en La vida breve, buena parte de sus narraciones –incluidas las más populares, El astillero y Juntacadáveres- se desarrollan en ese lugar fantástico hasta que el escritor, cansado de ella, la hace perecer en un devastador incendio en Dejemos hablar al viento. Sin embargo, la Santa María onettiana no es del todo irreal. Según propia confesión, la nostalgia de su Montevideo natal cuando vivía en Buenos Aires es, en gran medida, responsable de su aparición. Por tanto, debe haber en Santa María mucho de la capital uruguaya.

Periodista durante muchos años, Onetti es una figura mítica de las letras de su país. Hombre bohemio, bebedor y mujeriego, de carácter triste y sombrío, soportó durante mucho tiempo la aureola de escritor maldito.


Dos rasgos esenciales conforman su obra. De una parte, la influencia del citado Faulkner y, de otra, su existencialismo. En efecto, el mundo de Onetti es sórdido y depresivo, habitado por criaturas promiscuas y alcohólicas pero también lúcidas. Y todo ello presidido por la soledad, principal obsesión y tema del uruguayo.

Una vista de Montevideo, ciudad natal de Onetti

Precisamente ésta constituye en eje argumental del cuento El cerdito. Una anciana que vive sola disfruta invitando a merendar a tres pilluelos de los suburbios, unos muchachos marginales que le recuerdan a su nieto y que disfrutan, encantados, de los dulces que les ofrece. Sin embargo, un hecho macabro e inesperado confiere al relato un final sorprendente.

Onetti combina lo tierno con lo absurdo y lo cruel de modo magistral. Todo ello narrado con su prosa personal. Pero, en palabras de Vargas Llosa, autor de un ensayo sobre el uruguayo, “su mundo es más bien pesimista, cargado de negatividad, y eso hace que no llegue a un público muy vasto”. Es, en efecto, su obra de difícil lectura por la amargura y el desengaño ante el mundo y el Hombre que rezuma.

Podéis leer el cuento aquí.

Fuente: Sólo Literatura.

Fotos: Astillero: Albasmalko en Wikimedia | Montevideo: Morrissey en Flickr.

Torre de la Universidad de Princeton, donde Castro fue profesor

En efecto, se trata de un conjunto de intelectuales más jóvenes y mejor preparados que plantean ideas distintas. La crítica los ha agrupado bajo el membrete de ‘Generación de 1914′ y, a diferencia de sus antecesores, poseen una sólida formación universitaria que incluso han ampliado en el extranjero. De hecho, la gran mayoría son profesores universitarios y su vocación docente es notoria.

No obstante, esta generación, cuyos grandes animadores son Ortega y Gasset y Eugenio D’Ors, es también elitista. Frente a las soluciones radicales del Noventa y ocho, propugnan un reformismo burgués de cuño liberal inspirado en el ejemplo europeo. Igualmente, frente al irracionalismo de sus antecesores, son fuertemente racionales y defensores de lo intelectual.

No obstante, este grupo, en el que también se integran, entre otros, Gregorio Marañón, Manuel Azaña, Salvador de Madariaga o Claudio Sánchez Albornoz, también presenta puntos coincidentes con los noventayochistas. Uno de los más relevantes es su preocupación por España, aunque desde puntos de vista diferentes.


De hecho, muchos de ellos tratan de buscar en la Historia los motivos de la decadencia contemporánea. En este sentido, uno de los que más se distinguió fue Américo Castro (Cantagallo, Brasil, 1885-1972), protagonista de una interminable polémica con el citado Albornoz.

Hijo de emigrantes –de ahí su lugar de nacimiento-, Castro fue un excepcional historiador que colaboró con Menéndez Pidal en el Centro de Estudios Históricos creado por éste e impartió su docencia en universidades europeas y americanas.

Como buen erudito de la Historia, Castro también se preocupó de la América hispana y, sobre todo, de sus relaciones con la madre patria. Fruto de esta inquietud es el ensayo Hispanoamérica como estímulo, publicado en la Revista de las Españas en 1926.

Imagen del municipio granadino de Huétor, donde Américo Castro pasó su infancia

Castro defiende que la forma de mejorar la relación entre las antiguas colonias y la península –entonces un tanto tensas- es la modernización de España, que únicamente se lograría a través de la educación, de la erradicación del analfabetismo en ésta última. Para él, España cuenta con la ventaja, a la hora de relacionarse con sus antiguas colonias, de un pasado, un idioma y una cultura comunes y el único motivo por el que éstas son más partidarias de relacionarse con otros países es que no se sienten orgullosas de la madre patria.

Por ello, si ésta les brindase una imagen de prosperidad y les facilitase vías de desarrollo, volvería a generarse un pan-hispanismo en el que todas se sentirían cómodas. Se trata, por tanto, de lo que podríamos calificar como regeneracionismo hispanoamericano.

Podéis leer el artículo aquí.

Fuente: Francisco Arias Solís.

Fotos: Universidad de Princeton: Antonio G4 en Flickr | Huétor: Arkángel en Flickr.

Monumento a Joseph Conrad en Gdynia, Polonia

En las letras españolas es proverbial el caso de Mariano José de Larra, quién, emigrado de niño a Francia con sus padres, hubo de aprender de nuevo el castellano a su regreso, pues lo había olvidado.

Pero, probablemente, el escritor que mejor personifica esta circunstancia es el polaco Joseph Conrad (Podolia, 1857-1924). En efecto, el genial autor de Lord Jim, tras veinte años dedicado a la navegación, decidió instalarse en Inglaterra y dedicarse a escribir en inglés, un idioma que había aprendido a los veinte años y que nunca consiguió hablar bien.

Sin embargo, lo escribía primorosamente, hasta el punto de que hoy es considerado uno de los mejores narradores en esa lengua. La explicación nos la brindó él mismo señalando que, al escribir en inglés, “experimentaba una sutil e imprevista armonía con mi temperamento” y sentenciar “si no hubiera sabido inglés, no habría escrito ni una sola línea en mi vida para su publicación”.


Como quiera que fuese, el hecho es que, tras veinte años como capitán mercante, Conrad se instaló en las islas británicas e inició una carrera literaria impresionante. A lo largo de ella, dos cuestiones se hallan siempre presentes: las tensiones políticas y sociales de su tiempo y su experiencia como navegante. O, dicho de otro modo, las injusticias que presenciaba y que atacaban directamente a sus convicciones y la aventura.

Pero también se da en sus novelas muy frecuentemente el hecho de situar a sus héroes ante la disyuntiva vital de optar entre el bien y el mal, hacer lo correcto o perderse en aras de la ambición o la simple supervivencia. La citada Lord Jim o su famosísima El corazón de las tinieblas son buena muestra de todo ello.

Joseph Conrad y, en segundo plano, el Hotel Raffles de Singapur, donde el escritor concibió Lord Jim

Y también -aunque no alcanza la talla literaria de las anteriores- podemos ver muchos de estos rasgos en El agente secreto, donde Conrad se sumerge en el mundo del anarquismo violento que tantos atentados realizó a fines del siglo XIX. Su protagonista, Adolf Verloc es un oscuro personaje que juega a dos bandas: por una parte, se encuentra involucrado en un grupo de anarquistas y, por otro, mantiene oscuros contactos con el señor Vladimir, empleado de una embajada extranjera.

Basada en un hecho real, el atentado de 1894 para destruir el Observatorio de Greenwich, Conrad expone cómo estas actividades suelen desencadenar la ruina vital para sus protagonistas y, sobre todo, cómo muchos de estos conspiradores, lejos de moverse por limpios ideales, se rigen por oscuras intenciones.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: El Ortiba.

Fotos: Monumento a Conrad: Yorkville en Flickr | Conrad y el Hotel Raffles: Pablo Sánchez en Flickr.

Retrato de Marcel Proust

No se trata de autores realistas que, al modo de un Pérez Galdós, retratan de modo objetivo lo que les rodea, sino de artistas que pintan una sociedad en descomposición de la que ellos mismos forman parte y que se convierten así en personajes de su misma obra.

Seguramente, quién mejor ejemplifica esta figura es el francés Marcel Proust (Auteuil, 1871-1922) cuyo mismo retrato nos sugiere la época de la ‘Belle Epoque’, aquellos tiempos previos a la Primera Guerra Mundial en que –sin atisbar la catástrofe- la sociedad se contemplaba complacida de sus progresos y en que la fe en el Hombre permanecía ilimitada e intacta.

Enfermizo y delicado, perteneciente a la alta sociedad por nacimiento, Proust emprendió muchas cosas sin finalizar ninguna. Hasta que se sumió en la creación de la monumental obra que le hizo historia y a la que consagraría su vida desde los cuarenta y dos años, en una carrera contra la enfermedad que le consumía.

Naturalmente, nos referimos a En busca del tiempo perdido, gigantesca historia de su vida y su mundo que constituye una de las cimas de la literatura del siglo XX. Pero no se trata de una autobiografía. Es, sin duda, una novela. Lo que ocurre es que se encuentra repleta de rasgos de su vida y de personajes a los que resulta fácil identificar en aquel tiempo.

Es, sin duda, una obra original, una narración en que no ocurre nada, aparte del devenir diario de unos aristócratas decadentes que viven en la inacción. Y, junto a ello, impresionantes descripciones, pensamientos de la persona que nos habla y, sobre todo, un muy peculiar tratamiento del tiempo.

Una vista de Venecia, donde Proust vivió una temporada con su madre

Pero Proust, antes de esta monumental creación, había publicado -nunca mejor dicho, ya que él costeó la edición- Los placeres y los días, un libro misceláneo que recoge artículos, pensamientos, breves narraciones y algún que otro texto poético.

Pese a ser una obra de juventud, ya permite atisbar el estilo moroso del autor que luego presidirá su gran obra, los largos párrafos plagados de subordinación y completamente macizos, las extensas descripciones y la belleza del lenguaje. Se trata de una creación dominada por el decadentismo que presidía aquella época en descomposición.

Podéis leer la obra aquí.

Fuente: Martín Cid.

Fotos: Marcel Proust: Clairity en Flickr | Venecia: Liliana Porta en Arte y fotografía.