Por mucho que algunos autores se empeñen en defender lo contrario, la vida del escritor marca a fuego su obra. Aunque pretendan construir una ficción, su trayectoria vital aparece en ella inevitablemente, bien en la propia trama, bien en su contenido ideológico o bien, simplemente, esparcida aquí y allá entre los caracteres de los personajes.

Juan Rulfo también fue fotógrafo. Esta imagen pertenece a su obra visual

Si esto ocurre con escritores cuya vida ha sido más o menos plácida, mucho más lo será en quiénes han tenido una biografía terrible, como el mexicano Juan Rulfo (Apulco, Jalisco, 1917-1986). Y es que, cuando tan sólo era un niño, Rulfo vio como asesinaban a toda su familia en la llamada Guerra de los Cristeros, sublevación católica contra el gobierno de Plutarco Elías Calles, que pretendía erradicar esta religión de México y que aparece muy bien retratada por Graham Greene en El poder y la gloria.

Con estos antecedentes, se explica fácilmente el carácter difícil y depresivo de Rulfo y también lo peculiar de su escasa obra, que se limita a dos volúmenes de cuentos y la magistral Pedro Páramo, considerada por algunos como una de las más importantes novelas de siglo XX, tanto por su peculiar contenido como por sus audacias técnicas.

Entre éstas últimas destacan la ruptura temporal de los hechos –se ha hablado de ‘tiempo circular’-, el uso del monólogo y una renovadora utilización del lenguaje, con destacada presencia de mexicanismos.
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Han sido muchos los escritores que retrataron sus inicios en los devaneos amorosos con un tono más o menos picante y con mayor o menor intención autobiográfica. Probablemente, uno de los más importantes haya sido Gustave Flaubert en La educación sentimental.

Y es que, desde siempre y aunque muchos lo nieguen, quiénes se acercan a la creación literaria han sentido el impulso de mostrar su vida –la real o la que hubieran deseado-. O, dicho de otro modo, en la obra de todo escritor hay mucho de autobiografismo más o menos velado.

Una vista de La Habana, escenario y también protagonista de la novela

Uno de los narradores que sigue los pasos de Flaubert en la obra citada es el cubano Guillermo Cabrera Infante (Gibara, 1929-2005), junto a Alejo Carpentier y Lezama Lima, posiblemente el mejor autor cubano del siglo XX y, sin duda, el más polémico por su frontal oposición a la dictadura de Castro que él mismo había contribuido a instaurar mediante su lucha contra Batista, anterior dictador pero de la que muy pronto se desengañó.

La obra de Cabrera Infante constituye una original combinación del espíritu cubano con una amplísima cultura. Y todo ello revestido con un peculiar sentido del humor y expresado con una técnica literaria en la que poseen una fuerte influencia el cine, en cuanto a su construcción, y la música en lo que se refiere a su ritmo.
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Los primeros años del siglo XX asisten a una renovación de las técnicas narrativas que modifican por completo el estilo clásico de novelar y que culminan, en los años sesenta, con el ‘Boom’ del relato hispanoamericano propiciado por las obras de Vargas Llosa, García Márquez y otros muchos.

William Faulkner

Pero, antes que éstos, algunos grandes narradores habían introducido elementos nuevos en la novela. Es obligado citar el Ulises de James Joyce o la gigantesca En busca del tiempo perdido, de Marcel Proust, así como las novelas de Franz Kafka.

Poco después de ellos, surge la llamada ‘Generación perdida’ norteamericana, un grupo de escritores desengañados del mundo –habían vivido en persona la Primera Guerra Mundial- y que aportan nuevas técnicas narrativas y consolidan otras. Entre ellos, se encuentran Hemingway, Scott Fitzgerald, Steinbeck o Dos Passos.

Pero, probablemente el más cualificado de todos ellos sea William Faulkner (New Albany, Mississippi, 1897-1962), excepcional novelista que, al modo del Macondo que más tarde crearía el citado García Márquez, inventa un mundo ficticio situado en el profundo sur norteamericano al que bautiza con el sugerente nombre de Condado de Yoknapatawpha.
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Indudablemente, el tema primordial que une a los miembros de la Generación del 98 es su preocupación por España, tras la pérdida de los últimos territorios ultramarinos a manos de los Estados Unidos. Esta derrota supuso un aldabonazo en la conciencia de un país que vivía adormecido su decadencia.

Monumento a Miguel de Unamuno en Salamanca

Pero también es común a todos ellos otro tema de carácter más abstracto: la preocupación existencial, el sentido de la vida humana. Por ejemplo, en la obra de Azorín, ello se refleja a través de su obsesión por el tiempo o en la narrativa de Baroja, con su pesimismo vital.

Pero si hubo uno de sus integrantes que se ocupó y preocupó constantemente del asunto, éste fue Miguel de Unamuno (Bilbao, 1864-1936), tanto en su vertiente religiosa como en la que se refiere a la búsqueda de la propia identidad. En efecto, son innumerables las páginas del bilbaíno en las que reflexiona sobre la capacidad del hombre para alcanzar su individualidad personal, para liberarse de todo control ajeno y erigirse en un ser independiente capaz de lograr su realización personal. Es lo que él mismo denominaba “el ansia de serse”.

De hecho, en varios relatos del vasco, los propios personajes se revelan contra su creador –el propio Unamuno-, exigiendo su propia capacidad para dirigir su vida y constituirse en seres independientes. En otros, como Abel Sánchez, el protagonista ve anulada su individualidad ante las virtudes del amigo, que le opacan y ello le llevará a cometer un acto atroz.
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Define la crítica como teatro ‘del absurdo’ aquél desarrollado desde 1950, en que, a partir de situaciones y diálogos sin sentido, se denuncia desde planteamientos existenciales la situación del hombre en el mundo. Y presenta como creadores de él a Samuel Beckett, con su drama Esperando a Godot, y al francés Eugène Ionesco, con La cantante calva.

Sin embargo, no reparan –o, si lo hacen, no le confieren la importancia que merece- en un tipo de teatro que venía desarrollándose en España anteriormente y que, buscando la comicidad, planteaba situaciones no menos absurdas que aquél. Quizá el hecho de que se tratase de teatro cómico le restase valor a su entender.

El literario Café Gijón, donde Jardiel escribió algunas de sus obras

No obstante, nos encontramos ante una de las reformas más audaces llevadas a cabo en la vertiente cómica del género teatral a lo largo del siglo XX. De hecho, tan avanzada era que no fue bien comprendida y sus creadores nunca se sintieron realmente valorados. Entre éstos se encontraban Álvaro de la Iglesia y ‘Tono’, pero sus dos máximos exponentes fueron el sin par Miguel Mihura y Jardiel Poncela. Además, el caso de éste último es particularmente triste, ya que la incomprensión de la crítica le llevaría a bordear la locura.

Y eso que Enrique Jardiel Poncela (Madrid, 1901-1952) llegó incluso a la Meca del cine. En efecto, lo brillante de su humor hizo que fuese contratado para trabajar como guionista en Hollywood, donde se adaptaron algunas de sus obras.
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Las principales preocupaciones del ser humano son universales y atemporales. Por mucho que pasen los años y las técnicas nos proporcionen nuevos instrumentos que hacen nuestra vida más cómoda, se mantienen invariables.

Henrik Ibsen

Por ello, un teatro de tipo psicológico que ahonde en ellas conservará siempre su actualidad. No es casual que algunas obras de William Shakespeare continúen siendo las más representadas ni que las de August Strindberg parezcan escritas ayer mismo. Ello se debe a que los problemas que plantean poseen absoluta vigencia, ya que se hallan en la esencia misma del Hombre.

Lo mismo sucede con los dramas del noruego Henrik Ibsen (Skien, 1828-1906), quién, además, muestra un componente feminista que les otorga aún mayor actualidad y que, con su peculiar forma de entender la obra dramática, abre las puertas al teatro moderno.

En efecto, la gran mayoría de las obras de Ibsen presentan personajes femeninos poderosos. Mujeres independientes –en ocasiones, hasta el extremo del egoísmo- que, ante una disyuntiva importante, escogen por sí mismas el camino a seguir, alterando por completo su vida y la de sus familias. Este destacado rasgo de su teatro le costaría más de un disgusto al dramaturgo.
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De entre todas las conductas intelectuales, posiblemente la más sencilla sea la negación de todo por el simple hecho de negarlo, es decir, sin proponer nada a cambio. Dicho en otras palabras, es mucho más fácil destruir que construir.

Óscar Wilde

Entre las muchas corrientes de pensamiento que en el mundo han sido, ha habido varias caracterizadas por este afán demoledor. El problema surgía cuando tenían que proponer algo que sustituyese lo derribado. Ahí comenzaba su fracaso y la propia demostración de su inutilidad.

Uno de ellas fue, sin duda, el llamado ‘Nihilismo’ ruso, una tendencia que se impuso entre la juventud durante la segunda mitad del siglo XIX y que atacaba radicalmente todo lo instituido. En política, se hallaba cercana al Anarquismo y sus métodos violentos y, durante un tiempo, tuvo cierto éxito. De hecho, fueron muchos los intelectuales que se ocuparon de ella, generalmente para criticarla. Buena muestra de ello es la novela Padres e hijos, de Iván Turgueniev o el cuento El árbol navideño y la boda, de Dostoievski.

En este escenario sitúa Óscar Wilde (Dublín, 1854-1900) su drama Vera o los nihilistas, en el que adopta un tono más serio que el acostumbrado. Y es que el escritor irlandés estaba dotado de un portentoso sentido de la ironía –sus cuentos son claro ejemplo de ello- que no siempre fue bien entendida. De hecho, ésta y sus frecuentes excentricidades le granjearon numerosos enemigos que, en cuanto tuvieron la mínima ocasión, se vengaron cumplidamente.
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Una de las corrientes más importantes de la literatura del siglo XX fue el Existencialismo, que buscaba dar respuesta a las angustias del Hombre ante un mundo hostil y violento que impedía su desarrollo espiritual.

Hermann Hesse

En una época marcada a fuego por dos guerras mundiales cuyas consecuencias nunca habían sido vistas por hombre alguno, los escritores tratan de hallar salidas a las que el Hombre contemporáneo pueda aferrarse.

Para unos, éstas se hallan en la religión cristiana, como se aprecia en las obras de Graham Greene, Chesterton, o el italiano Giovanni Papini. Para otros –sobre todo posteriores a la Segunda Guerra Mundial-, más pesimistas debido a su ateísmo, no hay solución, el Hombre es una criatura trágica en un mundo absurdo. Tal es el caso de Jean Paul Sartre o Albert Camus.

Pero también existen otros autores cuya búsqueda deriva hacia creencias o ideas, cuando menos, más originales. Éste es el caso del alemán Hermann Hesse (Calw, 1877-1962) quién cree encontrar salida a las angustias humanas en las religiones orientales, con su fuerte componente espiritual y ascético.
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A principios del siglo XX surgen en Estados Unidos un grupo de escritores unidos por similares inquietudes existenciales. Marcados a fuego por la Primera Guerra Mundial, con su atroz secuela de víctimas, contienda que vivieron en primera persona, fueron bautizados por la también escritora y mecenas Gertrude Stein como la ‘Generación Perdida’.

Retrato de Francis Scott Fitzgerald

De ella formaron parte John Steinbeck, el cronista de la vida californiana, William Faulkner, excepcional renovador de las técnicas narrativas, Scott Fitzgerald, John Dos Passos o Ernest Hemingway, entre otros. Todos ellos suponen un excepcional salto de calidad e innovación en la novela norteamericana.

Francis Scott Fitzgerald (Saint Paul, Minnesota, 1896-1940) personifica como pocos todos los vicios y virtudes de este grupo. Bebedor y aventurero, amigo de la opulencia, sus novelas –muchas de ellas grandes éxitos- nunca le permitieron mantener el ritmo de vida que él y su esposa Zelda -enfermedad aparte- trataron siempre de llevar.

Pero si por algo ha pasado a la historia de las letras Fitzgerald –además de por la indudable calidad de sus novelas- es por ser el narrador de la vida de las clases altas norteamericanas del periodo de entreguerras. La que, probablemente, sea su mejor creación, El gran Gatsby, es la crónica de un arribista que se instala entre ellas durante los años veinte y cuyo pasado oscuro les atrae tanto como les molestan sus excentricidades.
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El siglo XX, con sus enormes convulsiones, produjo un tipo de intelectual que podría calificarse como desorientado. Si el papel de éste es reflexionar acerca del Hombre y la Sociedad para proponer corrientes de pensamiento que arrojen luz sobre ellos, los de la pasada centuria –salvo escasas excepciones- se mostraban tan perdidos como el común de los mortales.

En un mundo sacudido por brutales guerras, el intelectual del siglo XX bastante tiene con buscarse a sí mismo, con hallar un sentido a su vida y a su obra que, a la vez, expliquen, en lo posible, el papel del Hombre en el mundo.

Obras de Pavese sobre una cómoda

Un claro ejemplo de ello es el poeta y novelista italiano Cesare Pavese (San Stefano Belbo, 1902-1950). Experto en literatura norteamericana, traductor de muchos narradores de la ‘Generación perdida’ – desde Steinbeck hasta Hemingway- y profundo admirador de la obra de Walt Whitman, Pavese es la viva imagen de la búsqueda de uno mismo y del pesimismo existencial.

Bien es cierto que su vida no fue fácil y que algunos simplifican su suicidio final achacándolo a desengaños amorosos. Pero no lo es menos que la idea de quitarse la vida se encuentra a lo largo de toda su obra. Quizá a causa de tanto buscarse inútilmente a sí mismo. O quizá precisamente porque terminó encontrándose.
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