De entre todas las grandes tragedias de Shakespeare, Macbeth ha pasado a la posteridad como una de las más perfectas, junto a Otelo, Hamlet y El Rey Lear. Su fuerza dramática es extraordinaria y el componente trágico impresionante. Fue escrita hacia 1606, para agasajar a Jacobo I, recién nombrado Rey de Inglaterra y que, hasta entonces, lo había sido de Escocia. Por ello, se basa en un oscuro periodo de la historia de ésta, el de Macbeth, monarca escocés entre 1040 y 1057.

Una edición de Macbeth

Pero la fuente es lo de menos. Lo realmente importante es que se trata de una de las mayores tragedias de la literatura universal. Es el drama de la ambición política desmedida. El protagonista es el arribista que no duda en traicionar y matar para lograr el poder absoluto. Pero, si éste es perverso, peor es su esposa, que no duda en animarlo en sus abyectos planes cuando se muestra arrepentido, aunque al final los remordimientos la aniquilen.

Cuando regresan triunfantes de la batalla, Macbeth y Banquo, dos generales del ejército del Rey Duncan, se tropiezan con tres brujas que les vaticinan que el primero llegará a ser rey y que los hijos del segundo heredarán el trono.

Al llegar a sus dominios, Macbeth le cuenta a su esposa lo ocurrido y entre ambos se conjuran para asesinar al rey. La ocasión es inmejorable cuando éste les visita en su castillo y perpetran el magnicidio.
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La Francia del siglo XVII vivió un renacer del clasicismo, especialmente en lo referente a la literatura y, dentro de ésta, al teatro. Se recuperan los temas de los grandes trágicos griegos –Esquilo, Sófocles- y las formas externas de aquellos dramas. Fueron dos las grandes figuras que capitanearon este renacer: Pierre Corneille y Jean Racine.

Retrato de Jean Racine

Si bien fue el primero quién inició el camino, corresponde a Racine (La Ferté-Milon, 1639-1699) su perfeccionamiento. Aunque estaba destinado a seguir la carrera religiosa, pronto optó por otra más rentable: integrarse en la Corte como panegirista del Rey Luis XIV, trabajo por el cual recibió una pensión que le permitió dedicarse a la literatura.

Sus primeras obras fueron estrenadas por la compañía de Molière, pero no debió quedar muy satisfecho de la labor de éstos, pues las siguientes fueron encargadas a otro grupo teatral. Ello motivó la enemistad entre ambos.

El teatro de Racine está constituido prácticamente en su totalidad por tragedias. Todas ellas muestran un esquema común: la pasión de los personajes mueve la trama, que suele centrarse en dos jóvenes cuyo amor es imposible por pertenecer a grupos rivales o por imposición del Rey. Formalmente, su estructura es sencilla y ajustada a las normas clásicas y los argumentos se extraen de la antigüedad.
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Mucho antes de ser conocida por la República instaurada en ella tras la Primera Guerra Mundial, la ciudad alemana de Weimar fue famosa por coincidir en ella una serie de grandes pensadores y literatos cuya contribución es esencial para comprender el Romanticismo alemán.

Friedrich Schiller

Entre éstos se encontraban Herder y Wieland, pero, sobre todo, Johan Wolfgang von Goethe y Friedrich Schiller. La conjunción de todos ellos dio lugar al llamado Sturm und drang –en castellano, podría traducirse como Tormenta e impulso-, un movimiento que, con su exaltación de lo subjetivo y las emociones, enterraría el Racionalismo imperante y abriría el camino al Romanticismo.

Sin embargo, la carrera profesional de Schiller (Marbach am Neckar, 1759-1805) no parecía inclinarse por las letras. Médico militar, ocupó varios destinos antes de ser nombrado Consejero de Weimar y entrar en contacto con el ambiente cultural de la ciudad. Curiosamente, aunque se conocieron antes, Schiller y Goethe tardaron en trabar amistad. Los que habrían de contarse entre los más grandes dramaturgos alemanes de todos los tiempos no congeniaron del todo bien en principio. Quizá fueran rencillas de genios.

Si bien la obra del segundo abarca otros géneros, la de Schiller es, fundamentalmente, teatral. Escribió un buen número de dramas, casi todos con idéntico sentido: la defensa de la libertad frente a la tiranía de los poderosos, con la intención de formar y educar al pueblo. Así sucede en Don Carlos o Wallenstein.
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Cartel de la versión teatral

Las novelas ejemplares de Don Miguel de Cervantes tienen algo de fábula, por el significado de querer dar una lección provechosa, pero esto no quiere decir que sean netamente didácticas, pues los recursos artísticos del padre de las letras castellanas no acaban de deslumbrarnos. En La Gitanilla hay geminación en las historias de los dos jóvenes amantes, Preciosa, la quinceañera criada por una vieja gitana que la hurtó de recién nacida, siendo su verdadero nombre Constanza de Acevedo y de Meneses, hija del corregidor Fernando de Acevedo, caballero de la orden de Calatrava, y la de su novio, Juan de Cárcamo de familia acomodada, que a petición de la muchacha vive aprendiendo los usos gitanos y cambia de nombre a Andrés Caballero.

Mientras la pareja vive sin casarse, honestamente, la prueba de dos años de aprendizaje que pide la gitanilla, se recrea un ambiente de arcadia gitana, de gran solidaridad, complicidad y compañerismo. La única sombra de temor es la vuelta del poeta Sancho, quien tiempo atrás dedicó un poema en loa de la bella gitanilla, más superados los celos de Andrés, se vuelve amigo de este y se hace llamar Clemente. La identidad gitana es un requerimiento para la gente que ingresa al aduar, ellos rompen con el pasado de la sociedad estamental para sujetarse a las leyes y costumbres pasadas de generación en generación en el campamento gitano.

La virtud y la belleza como reflejo del linaje
Preciosa se entera de su origen al visitar la casa de los corregidores, pero solo lo revela al ver a Andrés al borde de ser ajusticiado por matar a un soldado que lo deshonró de una sonora bofetada. Esta es la mayor peripecia para ambos, la prisión del joven, pues la entrega de la verdad o anagnórisis la realiza Preciosa a sus legítimos padres, quienes la reconocen por una marca en el pecho y dos dedos de un pie algo juntos. Preciosa canta romances y poemas, baila con gracia y también es madura de entendimiento. Sus juicios son prudentes porque se inspiran en la justicia, algo que va de la mano con el carácter de su novio, quien se porta reticente a aprender a robar para consagrarse gitano.
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Todo trabajo requiere su aprendizaje y el literario no tiene por qué ser una excepción. Un escritor tiene que ir progresivamente aprendiendo su oficio y perfeccionando sus técnicas hasta llegar a sus obras maestras, en las que ya ha logrado pulir sus defectos y mejorar sus virtudes.

William Shakespeare

Esto le ocurrió también a William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Inglaterra, 1564-1616), a quién podemos calificar, sin temor a equivocarnos, como el mejor autor de tragedias de todos los tiempos. Incluso él, que muestra algunos defectos en sus primeras obras –no obstante, excelentes-, fue eliminándolos progresivamente hasta llegar a sus grandes dramas: Macbeth, Otelo, Hamlet y El Rey Lear.

Curiosamente, es muy poco lo que se sabe a ciencia cierta sobre la vida de uno de los escritores más populares de todos los tiempos. Con mayor o menor certeza, sabemos que nació en Stratford y que era hijo de un fabricante de guantes, por lo que su situación económica no era boyante. Se casó muy joven, a los dieciocho años, con Anne Hathaway, mujer mayor que él y por entonces embarazada. Tras ello, su pista reaparece en Londres en 1592 como actor, director y escritor teatral. Pero, desde 1611, retorna al anonimato. Parece que volvió a Stratford, donde vive con su familia, parcialmente retirado hasta su muerte.

Es muy celebrado el pasaje de su testamento donde Shakespeare lega a su esposa ’su segunda cama preferida’, clara alusión a sus infidelidades. Pero, fuera de esto, poco más se sabe del mayor escritor en lengua inglesa.
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La literatura hispana de los llamados Siglos de Oro –el XVI y el XVII- es, sin ningún género de dudas, la mejor de nuestra historia. Contar, en tan breve periodo de tiempo, con prosistas de la talla de Gracián, narradores como Cervantes o Quevedo, poetas como Góngora o dramaturgos de la categoría de Lope de Vega, Calderón o Tirso de Molina prueban indiscutiblemente esta afirmación.

Pedro Calderón de la Barca

Concretamente, el género teatral experimenta un espectacular desarrollo, con la creación de la Comedia Nueva a manos de Lope, a quién seguirán otros autores como Mira de Amescua o Guillén de Castro. Pero, por si esto fuera poco, existe una segunda generación de dramaturgos a la que se conoce como generación de Calderón de la Barca y en la que se incluyen, además de quién les da nombre, algunos de la valía de Moreto o Rojas Zorrilla.

Por tanto, el panorama teatral de los Siglos de Oro muestra dos grandes autores –sin menospreciar a los restantes-, cada uno de los cuales posee su propio grupo de seguidores: Lope de Vega y Calderón, con la particularidad de que es al primero a quién debe atribuirse la creación de la dramaturgia que luego seguirán los demás.

Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600-1681), de familia montañesa, se formó en el Colegio Imperial de los Jesuitas y en las Universidades de Alcalá y de Salamanca. Ordenado sacerdote en 1650, fue, durante muchos años, el autor favorito de la Corte, donde estrenó casi todas sus obras, muchas de ellas de tal altura literaria que su influencia se extiende hasta bien entrado en siglo XVIII.
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La novela policíaca es, probablemente, la principal contribución norteamericana a los géneros narrativos. Dejando a un lado excepciones poco relevantes, puede considerarse iniciador de ésta al genial Edgar Allan Poe, con sus relatos breves protagonizados por el peculiar Dupin.

Agatha Christie

No obstante, la afición a este tipo de novelas se extendió pronto al continente europeo, especialmente a Inglaterra, tanto en lo referente a su lectura como al cultivo de las mismas. Así, el segundo gran autor con que cuenta el género –Arthur Conan Doyle, con su inigualable Sherlock Holmes- es británico. Y desde entonces, han alternado los novelistas de uno y otro lado del Atlántico.

No obstante, existen claras diferencias entre la narrativa policíaca inglesa y la norteamericana. En ésta, los escenarios se circunscriben a los bajos fondos y sus protagonistas son detectives marginales y casi siempre violentos. Por el contrario, en la británica, nos encontramos con ambientes aristocráticos o, al menos, elevados, y sus investigadores son inteligentes, deductivos y sólo emplean la fuerza en situaciones extremas –muchos de ellos, nunca-.

Una excelente muestra de estos rasgos de la novela policíaca al estilo inglés es la extraordinaria obra de Agatha Christie (Torquay, Inglaterra, 1890-1976), conocida como ‘la gran dama del crimen’. Sus novelas, más de ochenta, siguen casi siempre un mismo desarrollo, lo que no disminuye un ápice su calidad. La autora nos sitúa en un escenario donde se van desarrollando una serie de asesinatos y los lectores vamos recibiendo la información sobre las pistas que se hallan a la vez que el protagonista que debe desentrañar el misterio.
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Es indiscutible que escribir mucho no es sinónimo de escribir bien. La literatura universal está llena de ejemplos  de autores que, con una sola obra, ganaron fama mundial. No obstante, el hecho de tener una obra prolífica tampoco significa que la calidad sea inferior. Bien es cierto que mantener un nivel artístico elevado cuando se escribe mucho no es fácil. Pero ha habido algunos genios que lo lograron.

Retrato de Lope de Vega

Uno de los más importantes -si no el más- es el español Lope Félix de Vega Carpio (Madrid, 1562-1635), cuya producción es, probablemente, la de mayor volumen de la literatura universal. En efecto, no creemos que haya habido un escritor con una obra tan amplia y muy pocos, además, la superan en calidad.

Escribió poesía, narrativa y teatro, siendo en éste último en el que más destacó, ya que a él se debe la creación de la Comedia Nueva, subgénero teatral autóctono cuyo éxito sólo puede equipararse al que hoy día tiene el futbol, pues, al igual que en éste, el público de todas las clases sociales asistía con fervor e incluso había aficionados a tal o cual dramaturgo que polemizaban entre sí.

Pero, además, Lope tuvo tiempo a llevar una intensa vida, en la que se acumularon las amantes y los hijos ilegítimos. Hasta su ordenación como sacerdote en 1614 –y probablemente después-, su actividad amatoria fue muy intensa.
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El periodo histórico que conocemos como Barroco y que viene a coincidir con el siglo XVII fue una etapa de pesimismo vital. Frente al Renacimiento, que confería al hombre el papel de eje del Universo y exaltaba el goce de la vida, el Barroco es un nuevo periodo de crisis y, sobre todo, de desorientación, cuya concepción del mundo y del ser humano es negativa.

Portada de la obra

Por ello, no es de extrañar que uno de los géneros que mayor auge cobraron fuese la prosa doctrinal de intención didáctica, cuyo objetivo primordial es facilitar al hombre una guía de conducta en este mundo hostil, generalmente a través de la religión.

Revestida de distintos moldes literarios –puede presentarse en forma de novela, de ensayo o incluso poética-, constituye uno de los cauces expresivos del conceptismo propio del Barroco, el cual se basa en la preponderancia del contenido sobre las galas retóricas, en la expresión de ideas mediante una prosa desnuda que halla en la antitesis, la contradicción y el ingenio intelectual sus principales aliados estilísticos.

Uno de sus mejores cultivadores fue el aragonés Baltasar Gracián (Belmonte de Calatayud, 1601-1658). Jesuita dedicado a la predicación, tarea habitual entre los clérigos de la época hasta el punto de que algunos adquirieron tal fama que se acudía a escucharlos desde lugares lejanos –probablemente Paravicino sea el más popular de ellos-, toda su creación literaria se preocupa de enseñar normas de conducta vital a sus conciudadanos. Títulos como El político, El discreto u Oráculo manual y arte de prudencia dan buena prueba de ello.
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El movimiento romántico supuso para la poesía una verdadera revolución, al combinar metros y estrofas diferentes e incluso crear otras nuevas, así como introducir en ella temas hasta entonces inexistentes. Pero también –sobre todo en sus años finales- degeneró en sus formas, dando lugar a una lírica ripiosa y demasiado retumbante.

Busto en honor a Rosalía de Castro

Por ello, era necesaria la llegada de algún poeta de altura que asimilase aquellos avances, asentándolos y eliminando los excesos. Y este papel correspondió, en las letras hispanas, a Gustavo Adolfo Bécquer y a Rosalía de Castro, la cual, además, propició con su obra el renacer –llamado ‘Rexurdimento’- de la literatura en gallego. Ahí reside, además de en su extraordinaria creación, la verdadera importancia de esta figura.

Rosalía de Castro (Santiago de Compostela, 1837-1885) fue una mujer luchadora. Hija de madre soltera, con el estigma que ello suponía en la época, tuvo siempre una salud enfermiza y, probablemente, si no se hubiese casado con Manuel Martínez Murguía, erudito de las letras, sus poemas hubiesen quedado inéditos, pues fue éste quién la animó a publicarlos.

Su obra no es muy abundante. Junto a algunos relatos breves, cinco libros de poemas: el inicial La flor, todavía romántico, A mi madre, puro sentimiento, Cantares gallegos, Follas novas, de una cierta denuncia social, y En las orillas del Sar, que vuelve a lo íntimo. Dos rasgos esenciales presiden todos ellos: de una parte, la desnudez expresiva, ajena a toda retórica, que recupera la esencia de la palabra y otorga al ritmo y la musicalidad el protagonismo lírico; y de otra, la expresión de la intimidad dolorida y nostálgica, en un ejercicio de sinceridad.
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