A mediados del siglo XVIII, la literatura de estilo barroco que tan extraordinarios frutos había dado en la centuria anterior ya no era sino una degeneración exagerada de retórica y artificios ornamentales, una involuntaria caricatura del lenguaje de los Lope, Calderón o Quevedo.

Busto al Padre Isla

Particularmente acentuado se apreciaba esto en la oratoria y muy especialmente en la sagrada. En efecto, España se hallaba plagada de predicadores cuyo discurso resultaba ininteligible para el pueblo. Y ello por un doble motivo: de una parte, por la ignorancia de aquellos oradores y, de otra, por lo rebuscado, absurdo e incorrecto de su lenguaje.

Como una parodia despiadada de esa situación se eleva la novela de José Francisco de Isla, el Padre Isla (Vidanes, León, 1703-1781), Historia del famoso predicador fray Gerundio de Campazas, alias Zotes, conocida popularmente como el Fray Gerundio.

La obra cuenta la vida de un muchacho, Gerundio, que, como de pequeño mostrase excelente memoria para repetir los discursos de los predicadores que pasaban por su pueblo, fue destinado a la oratoria religiosa. Tras recibir una deficiente educación, se lanza a los caminos y pueblos para torturar con sus discursos a todo aquél que quiera oírlo. Junto a él, su amigo fray Prudencio –trasunto del autor-, hombre sabio que trata de orientar la oratoria del protagonista por caminos menos grandilocuentes.
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La riqueza del teatro clásico español es enorme. Desde que Lope crease la Comedia Nueva, las aportaciones de nuestra dramaturgia han sido extraordinarias, tanto en lo referente a géneros como en lo que respecta a autores y obras.

Texto de un sainete de Ramón de la Cruz

Ciertamente, no es el sainete la más importante de ellas, pero sí se trata de un género teatral autóctono y peculiar. Podríamos definirlo como aquella pieza breve de carácter humorístico que toma sus temas y personajes de las clases populares. Sus orígenes se encuentran en los llamados entremeses, obras de corta extensión que, durante los Siglos de Oro, se representaban en los descansos de las comedias largas y como complemento de éstas.

Si bien existieron precursores, su creador es Ramón de la Cruz (Madrid, 1731-1794), verdadero retratista de las clases populares madrileñas, hasta el punto de que se ha dicho que sus obras, más que teatro, son puros documentos de época. Tras iniciarse escribiendo tragedias y comedias de corte clásico y de escaso éxito, pronto halló su camino en el sainete.

Produjo más de trescientos de éstos, con un extraordinario éxito de público, aunque no tanto de crítica. Ello le convirtió, durante años, en verdadero dueño de los teatros madrileños, nada se movía en el panorama dramático de la Corte sin haber pasado previamente por sus manos.
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La comedia es, para Tirso de Molina, ante todo diversión. Un teatro que permita al espectador evadirse de sus preocupaciones y pasar un rato agradable. Por tanto, es lógico que la conciba como un juego en que cada personaje representa su papel y, al final, todo acaba felizmente.

Monumento a Tirso en Madrid

Esta fórmula se aplica en Don Gil de las Calzas Verdes, en Marta la piadosa, en La villana de Vallecas o en El vergonzoso en palacio, entre otras obras cómicas.

La crítica ha dividido sus comedias en piezas de costumbres y de intriga. Pero, realmente, esta distinción carece de sentido, ya que en todas se hallan presentes los dos elementos: la exposición superficial de la sociedad con tintes burlescos y el conflicto –sobre todo psicológico- entre los personajes.

De este modo, sus comedias se basan en una parodia de las relaciones sociales y ello le permite desarrollar situaciones de gran comicidad. La acción siempre se construye de una de estas dos formas: bien en torno a un personaje que, para lograr sus intenciones, encubre a los demás su verdadera personalidad, bien en torno a uno que, con el mismo objetivo, la desnuda de tal suerte que obliga a los otros a hacer lo mismo.
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No deja de resultar extraordinario, a ojos del lector, el hecho de que un mismo literato pueda escribir los mayores dramas y también excelentes comedias. ¿Cómo pueden crearse obras de la hondura trágica de La vida es sueño o los autos sacramentales y, a la vez, enredos cómicos tan graciosos como, por ejemplo, Casa con dos puertas mala es de guardar?.

Casa en que vivió Calderón de la Barca, en Madrid

Sin embargo, todo esto era capaz de hacerlo Calderón de la Barca, el más grande autor, junto a Lope de Vega, de nuestro teatro clásico. Y no deja de resultar curioso que ambos genios fueran como el haz y el envés de una moneda: al Lope mundano, vital, comunicativo y, por qué no decirlo, un poco ególatra, se opone el Calderón introvertido, discreto y volcado en sus trabajos intelectuales. No obstante, ambos cultivaron el mismo modelo teatral: la Comedia Nueva patentada por el primero.

Si Lope fue el iniciador del género, Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600-1681) es su último representante de gran talla. Tras él, sólo quedaran algunos seguidores de mucho más baja calidad. Militar, secretario al servicio de nobles y, más tarde, sacerdote, legó una obra abundante y de excepcional calidad.

La producción cómica calderoniana se circunscribe a lo que se conoce como comedias de capa y espada, cuyo extraordinario éxito entre el público se explica por la combinación de intrigas amorosas, incontables lances y enredos, misterios y todo ello aderezado por conceptos como el honor o la sátira social.
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A grandes rasgos, podría establecerse una clasificación del teatro clásico, basándose en sus contenidos, en tres tipos. De una parte, está el teatro de evasión, que busca entretener y divertir al espectador. Por otra, se halla el de denuncia, que, a su vez, puede ser de contenido político o de muestra de vicios y defectos sociales. Y un tercero sería el estético, pura búsqueda de la belleza literaria, en el que el argumento es secundario.

Jean-Baptiste Poquelin, Molière

Todos son válidos y tienen su público. No obstante, si un dramaturgo logra conjugar en una sola obra los tres, en mayor o menor medida, coincidiremos en que tiene mérito.

Esto es lo que trataba de hacer –aunque no siempre lo conseguía- Jean-Baptiste Poquelin, más conocido por Molière (París, 1622-1673), personaje singular que, pudiendo haber ocupado puestos relevantes en la Administración del Estado, optó por el entonces poco prestigioso oficio de cómico, en buena medida por su relación con Armanda Béjart.

Como quiera que fuese, el hecho es que Molière fue actor y escritor de comedias para su propia compañía. Y, frente al prestigio de un Corneille o un Racine, nunca contó con el apoyo de los entendidos, aunque sí del público.
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Algunos autores conciben su obra como una búsqueda de la belleza, otros, como un vehículo para transmitir sus inquietudes, y unos terceros, como un medio para mostrar su indignación sobre aquello que consideran que está mal. En fin, cada escritor tiene unos objetivos concretos.

Retrato de Francisco de Quevedo

Lo que no es tan habitual es que belleza, inquietudes e indignación coincidan en un sólo autor y esto ocurre con Francisco de Quevedo (Madrid, 1580-1645), uno de los mayores genios de nuestras letras y máximo exponente de la prosa conceptista, con un prodigioso dominio del idioma castellano. De familia aristocrática, su vida fue un cotinuo combate contra la corrupta administración del Estado, personificada en el conde duque de Olivares y otros validos, y aún tuvo tiempo para granjearse otros enemigos –es proverbial su perpetua polémica con Góngora- y escribir una extraordinaria obra lírica.

Dotado de un ingenio y una mordacidad poco comunes, arremetió contra todo y contra todos en obras satíricas que critican oficios y conductas (los entrometidos, las alcahuetas, los soplones, etc). Buen ejemplo de ello son obras como Los sueños o el Discurso de todos los diablos.

También tiene este sentido La hora de todos y la Fortuna con seso, subtitulada Fantasía moral y publicada en Zaragoza en 1650. Se trata de un relato lucianesco –así llamados por Luciano de Samosatra, uno de los mayores satíricos de la Antigüedad-, que sigue el modelo del ‘mundo al revés’.
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Cuando se habla de Miguel de Cervantes, tiende siempre a identificársele con su obra magna, Las aventuras del ingenioso hidalgo don Quijote de La Mancha. Ello es lógico, porque la mejor novela de todos los tiempos ha de tener -por fuerza- mucho peso en nuestra conciencia. Pero el genial manco escribió otras muchas obras que –si no fuera por la calidad de aquella extraordinaria creación- no la desmerecerían en absoluto.

Retrato de Miguel de Cervantes

Entre ellas se encuentra la colección de relatos breves conocida como Novelas ejemplares y cuyo título es engañoso, por lo que requiere una precisión. El calificativo de ejemplares no alude a ningún tipo de moralidad ni de asuntos modélicos. El título proviene del ‘exemplum’ medieval, un tipo de narración breve caracterizado por su intención de entretener al lector, sin mayores aspiraciones.

Sin embargo, estos relatos cervantinos se asemejan más a la novela italiana de tipo cortesano que a aquel género medieval, en la línea del Decameron de Boccaccio, aunque no por ello pierden su absoluta originalidad.

Y es que la vida de Miguel de Cervantes (Alcalá de Henares, 1547-1616) es, en sí misma, una narración de aventuras. Ya a los veintidós años hubo de huir a Italia para librarse de la cárcel, donde acabaría cayendo más adelante, participó en la colosal Batalla de Lepanto y estuvo cautivo de los moros en Argel. Todo ello por no hablar de otros sucesos oscuros que rodean su vida.
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Si unimos una sociedad regida por unas normas estrictas y un tanto hipócritas, un hombre de talento que, por su forma de ser, gusta de impactar y es incapaz de pasar desapercibido y que, además, satiriza a aquélla –bien es cierto que de un modo bastante amable- y, por último, una conducta entonces penada por la Ley, tendremos un cóctel explosivo que, por fuerza, había de acabar mal.

Óscar Wilde

Esa sociedad era la aristocrática Inglaterra victoriana, la persona, Oscar Wilde, y el hecho delictivo, su relación con Lord Alfred Douglas, denunciada por el padre de éste. Y las consecuencias fueron dos años de trabajos forzados para el escritor que arruinaron su vida.

Y es que, hasta entonces, Wilde (Dublín, 1854-1900), había sido un dandy que triunfaba tanto en los escenarios teatrales como en los salones de la alta sociedad y que, en no pocas ocasiones, había dejado boquiabiertos a sus compatriotas con su comportamiento libre y excéntrico.

A partir de su encarcelamiento, ya nunca fue el mismo. Arruinada su reputación, sus amigos le dieron la espalda y hubo de refugiarse en París, donde malvivió apenas cinco años, abandonado por todos. Fruto de aquella dolorosa experiencia fueron dos obras: De Profundis, extensa carta a Douglas llena de resentimiento, y La balada de la cárcel de Reading, en la que muestra la amargura de la prisión.
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Es un fenómeno todavía por estudiar el desarrollo alcanzado por la literatura rusa a partir de mediados del siglo XIX. En efecto, hasta esa época, las letras rusas habían pasado desapercibidas en el panorama internacional. En cambio, a partir de la obra de Aleksandr Pushkin –considerado el creador de la literatura rusa moderna-, se produce un espectacular florecimiento que abarca a autores de la talla de Gogol, Dostoievski, Turgueniev o Tolstoi.

Nikolai V. Gogol

Es, por tanto, difícil precisar hasta que punto este auge se produjo por influencias exteriores, como la de la literatura francesa, o bien por una maduración de elementos autóctonos. Pero, en cualquier caso, el hecho es que las letras rusas logran, en esta época, una extraordinaria calidad.

Una importante culpa de ello la tuvo Nikolai Vasilievich Gogol (Bolshie Sorochintsy, Ucrania, 1809-1850), amigo y discípulo de Pushkin, de quien recibió una fuerte influencia que supo asimilar en un estilo propio y singular. La vida y la obra de Gogol se encuentran vinculadas a San Petersburgo, ciudad en la que residió casi toda su vida y en la que están ambientadas muchas de sus obras.

Gogol es un cronista de la sociedad rusa, de la que brinda una visión satírica e irónica. No obstante, su intención final no es la burla de aquella, sino que, tras esta motivación superficial, se halla una intención reformadora de las anquilosadas estructuras sociales que regían la vida del Imperio zarista. Ello se aprecia sobre todo en sus relatos cortos, autenticas obras maestras de humor y calidad literaria -La nariz es proverbial en este sentido-.
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Con frecuencia, la crítica literaria y, aún más, el público solemos recordar a un autor por sus obras más populares. Aunque haya escrito otras de mayor calado y hondura, siempre nos quedamos con aquéllas más conocidas y que supusieron un triunfo editorial o escénico, en el caso de los dramaturgos.

Y no sólo sucede esto. En determinadas ocasiones, incluso se rechazan las mejores obras porque, al ser demasiado originales para su época, son poco comprendidas y han de pasar años y evolucionar el género antes de que sean aceptadas. Esto le ocurrió en su tiempo a Arniches, creador de la llamada Tragedia grotesca.

Las dos caras del teatro: la tragedia y la comedia

Carlos Arniches (Alicante, 1866-1943) fue un prolífico escritor teatral. Entre su primera obra, Casa editorial, y la última que estrenó póstumamente, Don Verdades, vieron la luz más de un centenar de piezas escritas en colaboración con otros autores y sesenta y tres en solitario. Entre las primeras, figuran zarzuelas, sainetes, teatro de circunstancias y, en general, todo tipo de obras cómicas. Pero es en las segundas donde Arniches alcanza su verdadera talla. Éstas son, fundamentalmente de dos tipos: sainetes y tragedias grotescas.

El sainete era un género teatral menor que retrataba las costumbres y los vicios de las clases populares madrileñas, siempre con buenas dosis de humor amable. Su iniciador y primera figura fue Ramón de la Cruz, a mediados del siglo XVIII. Pero es Arniches quién, recogiendo todo este bagaje, proporciona al género rasgos inequívocos, empezando por un lenguaje propio que, desde entonces, ha quedado como el clásico del Madrid castizo. Obras como El santo de la Isidra o Los milagros del jornal son harto representativos de esta corriente.
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