Todo trabajo requiere su aprendizaje y el literario no tiene por qué ser una excepción. Un escritor tiene que ir progresivamente aprendiendo su oficio y perfeccionando sus técnicas hasta llegar a sus obras maestras, en las que ya ha logrado pulir sus defectos y mejorar sus virtudes.

William Shakespeare

Esto le ocurrió también a William Shakespeare (Stratford-upon-Avon, Inglaterra, 1564-1616), a quién podemos calificar, sin temor a equivocarnos, como el mejor autor de tragedias de todos los tiempos. Incluso él, que muestra algunos defectos en sus primeras obras –no obstante, excelentes-, fue eliminándolos progresivamente hasta llegar a sus grandes dramas: Macbeth, Otelo, Hamlet y El Rey Lear.

Curiosamente, es muy poco lo que se sabe a ciencia cierta sobre la vida de uno de los escritores más populares de todos los tiempos. Con mayor o menor certeza, sabemos que nació en Stratford y que era hijo de un fabricante de guantes, por lo que su situación económica no era boyante. Se casó muy joven, a los dieciocho años, con Anne Hathaway, mujer mayor que él y por entonces embarazada. Tras ello, su pista reaparece en Londres en 1592 como actor, director y escritor teatral. Pero, desde 1611, retorna al anonimato. Parece que volvió a Stratford, donde vive con su familia, parcialmente retirado hasta su muerte.

Es muy celebrado el pasaje de su testamento donde Shakespeare lega a su esposa ’su segunda cama preferida’, clara alusión a sus infidelidades. Pero, fuera de esto, poco más se sabe del mayor escritor en lengua inglesa.
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La literatura hispana de los llamados Siglos de Oro –el XVI y el XVII- es, sin ningún género de dudas, la mejor de nuestra historia. Contar, en tan breve periodo de tiempo, con prosistas de la talla de Gracián, narradores como Cervantes o Quevedo, poetas como Góngora o dramaturgos de la categoría de Lope de Vega, Calderón o Tirso de Molina prueban indiscutiblemente esta afirmación.

Pedro Calderón de la Barca

Concretamente, el género teatral experimenta un espectacular desarrollo, con la creación de la Comedia Nueva a manos de Lope, a quién seguirán otros autores como Mira de Amescua o Guillén de Castro. Pero, por si esto fuera poco, existe una segunda generación de dramaturgos a la que se conoce como generación de Calderón de la Barca y en la que se incluyen, además de quién les da nombre, algunos de la valía de Moreto o Rojas Zorrilla.

Por tanto, el panorama teatral de los Siglos de Oro muestra dos grandes autores –sin menospreciar a los restantes-, cada uno de los cuales posee su propio grupo de seguidores: Lope de Vega y Calderón, con la particularidad de que es al primero a quién debe atribuirse la creación de la dramaturgia que luego seguirán los demás.

Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600-1681), de familia montañesa, se formó en el Colegio Imperial de los Jesuitas y en las Universidades de Alcalá y de Salamanca. Ordenado sacerdote en 1650, fue, durante muchos años, el autor favorito de la Corte, donde estrenó casi todas sus obras, muchas de ellas de tal altura literaria que su influencia se extiende hasta bien entrado en siglo XVIII.
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La filosofía idealista de principios del siglo XIX –fundamentalmente, la de Fichte y Schelling- que dio lugar al Romanticismo también ejerció una fuerte influencia en las mentalidades, dando lugar al nuevo espíritu de la época, inconformista y rebelde. Y, fruto de éste, es la figura del conspirador, hombre insatisfecho con las circunstancias socio-políticas de su tiempo y que busca modificarlas a través de métodos revolucionarios.

José de Espronceda

En España, como en todas partes, se dieron muchos de estos personajes, pero, quizá, por su carácter de figura literaria de primer orden, uno de los más relevantes fue José de Espronceda Delgado (Pajares de la Vega, Almendralejo, Badajoz, 1808-1842), cuyo nacimiento el mismo año en que se inicia la Guerra de la Independencia parece una premonición de su espíritu belicoso.

Pese a que su padre, militar de profesión, lo encaminaba a la carrera de las armas, él prefirió la de las letras, estudiando con el poeta y erudito Alberto Lista. El hecho de haber presenciado la ejecución del militar liberal Rafael del Riego influyo, probablemente, en sus ideas radicales. Y, así, con tan sólo quince años, fundaría una sociedad patriótica de tintes masónicos: los Numantinos. Al ser descubiertos por el régimen absolutista, el poeta fue condenado a cinco años de reclusión en un convento de Guadalajara, del que saldría a las pocas semanas gracias a la influencia de su padre.

Marchó entonces a Portugal, donde conocería a Teresa Mancha, con la que mantendría una turbulenta relación. Más tarde, quizá siguiendo a su amada, pasó a Inglaterra y de allí a Francia, donde se cree que combatió en las barricadas de París durante la Revolución de 1830, que elevaría al trono a Luis Felipe de Orleáns.
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“Si alguno de ellos desea pasar por sabio, una sonrisa, un aplauso, un movimiento de orejas a manera de asno serán suficientes para hacer creer a los demás que él se halla al tanto de lo que se trata, pese a que en el fondo no entienda cosa alguna.” (Elogio de la Locura)

Retrato de Erasmo de Rotterdam, National Gallery of London

Pese a lo que tradicionalmente se ha dicho, Elogio de la Locura (publicada en 1511) no es un libro anticlerical. El mismo Erasmo de Rotterdam, humanista y librepensador, lamentaría esta lectura contra una religión que él profesaba y respetaba. Sin embargo, en el manuscrito se saldan deudas con determinadas instituciones eclesiásticas claves en la vida del autor. Esto es, los centros educativos. Para Eramo dichas escuelas creaban seres domados, incapaces de pensar por ellos mismos, encerrados en cárceles intelectuales de las que les sería muy difícil salir. Con una profunda voluntad didáctica empezó Erasmo a adentrarse en la escritura.

En Elogio de la locura no solo se trata el asunto del control de las mentes librepensadoras sino que se hace apología por una institución, la religiosa, limpia y no lucrativa. Una institución que vele por las almas y que deje de lado esa fascinación por el poder que, según Erasmo, caracterízaba la rama católica. Como vemos, todo un desafío a la autoridad papal. Tras el Concilio de Trento y la separación del Cristianismo entre católicos y protestantes, los libros de Erasmo de Rotterdam fueron incluidos en el Índice de obras prohibidas de la Iglesia Católica.

En el libro se nos presenta a la Locura, hija de la ebriedad y la ignorancia, que tiene como compañeros de andanzas al Narcisismo, el Olvido, la Pereza, el Placer o el Sueño profundo. La propia Locura se dirige al lector para relatarle cómo su presencia a lo largo de la Historia es la causante de los mayores estragos en la sociedad y de la decadencia de las instituciones eclesiásticas. No en vano, Erasmo se unió a Lutero en la defensa de un cristianismo primigenio.
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El siglo XVIII es el del Racionalismo y la Ilustración. La Razón fue idolatrada y este hecho, no tan beneficiosa como pudiera parecer a primera vista para algunas cosas, sí lo fue para otras. Probablemente, el mejor fruto de ello fue el afán docente que preside la obra de escritores y tratadistas.

Retrato de Gaspar Melchor de Jovellanos

En efecto, todos los pensadores de la época propugnaron la necesidad de educar al pueblo, de sacarlo del analfabetismo secular que padecía y, por ende, eliminar de una vez por todas las supersticiones por las que aquél se guiaba. Este interés didáctico se trasladó pronto a la literatura y, a causa de ello, ésta es de menor calidad artística que la de otros periodos.

Este menoscabo de la calidad literaria, que ya seria importante en lo referente al ensayo, es peor cuando afecta a la lírica, al teatro o a la narrativa. No obstante, el objeto de la literatura no es sólo la pura belleza estética, sino que debe albergar contenidos humanos y, de entre ellos, no es el peor la educación.

Una vez realizada esta precisión, debemos señalar, no obstante, que también esta centuria muestra autores y obras interesantes. Y, de entre ellos, uno de los más insignes es Gaspar Melchor de Jovellanos (Gijón, 1744-1811), insigne polígrafo que vivió todas las circunstancias de una convulsa etapa histórica. Magistrado de varias Audiencias, fundador del Real Instituto Asturiano de Náutica y Mineralogía –de nuevo el afán docente-, Ministro de Gracia y Justicia, también sufrió destierro y cárcel cuando las circunstancias políticas cambiaron.
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Retrato de Santa Teresa en el Museo San Pío V, Valencia

Dicen que Las moradas es la mejor obra de Santa Teresa de Jesús. En un artículo precedente ta habíamos hablado de Camino de Perfección, un compendio de consejos para las monjas carmelitas. Con 62 años Santa Teresa se embarca en Las moradas, prácticamente obligada por el Padre Gracián y bajo la atenta mirada de la Inquisición, que empieza a estar más que descontenta con sus obra progresistas. Como en Camino, se trata de una obra que versa sobre las tribulaciones de la vida mística, sus deberes y obligaciones, siempre con un marcado carácter didáctico.

En este manuscrito, articulado en siete moradas, ahonda un poco más en los peligros del alma y en qué hacer para evitarlos. Al hacer referencia al castillo se está refiriendo al alma, aclarando en el capitulo primero que la llave para llegar a ella no es sino la oración. Así, ésta serviría para dejarnos llevar y abrir nuestros corazones a Dios. De nuevo, consejos para poder desentrañar los entresijos del alma y alcanzar el camino hacía la iluminación del ser. Por consejo del Padre Gracián escribe los mandatos que parecen necesitar las monjas del Monasterio de Nuestra Señora del Carmen respecto a la oración, puesto que supuestamente “mejor se entienden el lenguaje unas mujeres de otras”.

Ya en la introducción Santa Teresa explicita su declaración de intenciones. En primer lugar deja claro su descontento al verse obligada a escribir ese libro en medio de un período complicado de su vida. En 1577 se encontraba Teresa en Toledo, donde empezaría a escribir, para luego trasladarse al Convento de Ávila, en el que pasaría un año. Allí había ido a parar después de la propagación de calumnias y comentarios deshonrosos hacia su persona, librándose de ser mandada a un convento en América. Muchas críticas le valieron por su estatuto de mujer “andariega”, pero ella permaneció con las monjas de la Encarnación, que la hicieron priora, durante un año. Una vez en Sevilla, Santa Teresa recibió la llamada de la Inquisición por supuestas faltas morales, denuncia de la que finalmente se libraría.
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Escena de El Decamerón por John William Waterhouse

El Decamerón, del italiano Giovanni Boccaccio, presenta un punto de partida curioso y un imaginario riquísimo que serviría de modelo para muchas de las obras que se desarrollarían durante el Renacimiento. La historia arranca durante la peste bubónica o peste negra que asoló Florencia a mediados del siglo XIV. Los diez protagonistas, siete mujeres y tres hombres, se refugian en una villa de las afueras por diez días. Durante cada uno de los días todos ellos habrán de relatar a los otros una historia, de ahí que el texto esté conformado por 100 relatos, versando sobre temas profanos.

Dichas historias no son enteramente invención de Bocaccio, sino que recogen parte de la cultura oral italiana, con referencias a fuentes francesas y latinas. Lo profano adquiere una gran importancia ya que los protagonistas son seres terrenales e incompletos, con sus faltas y sus carencias. Además, hay una ausencia de referencias místicas o fantásticas. La concepción profana de la humanidad estaría adelantándose en este libro como una de las características diferenciales de la literatura renacentista. El tratamiento que se hace de hombres y mujeres es a la vez cínico e indulgente para con sus faltas, lo que transfiere a la novela un doble rasero interesante.

La sensualidad de El Decamerón es uno de los aspectos más recordados del manuscrito pese a que, como hemos visto, no sea el único. La Iglesia Católica llegaría a considerar la lectura de este libro como un pecado, suponemos que por la importancia que se le atribuye a la convivencia de hombres y mujeres en un ambiente paradisíaco donde Eros, dios del amor, se desarrollaría plenamente caracterizando sus relaciones con la sensualidad y el placer, tanto físico como intelectual.
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Es indiscutible que escribir mucho no es sinónimo de escribir bien. La literatura universal está llena de ejemplos  de autores que, con una sola obra, ganaron fama mundial. No obstante, el hecho de tener una obra prolífica tampoco significa que la calidad sea inferior. Bien es cierto que mantener un nivel artístico elevado cuando se escribe mucho no es fácil. Pero ha habido algunos genios que lo lograron.

Retrato de Lope de Vega

Uno de los más importantes -si no el más- es el español Lope Félix de Vega Carpio (Madrid, 1562-1635), cuya producción es, probablemente, la de mayor volumen de la literatura universal. En efecto, no creemos que haya habido un escritor con una obra tan amplia y muy pocos, además, la superan en calidad.

Escribió poesía, narrativa y teatro, siendo en éste último en el que más destacó, ya que a él se debe la creación de la Comedia Nueva, subgénero teatral autóctono cuyo éxito sólo puede equipararse al que hoy día tiene el futbol, pues, al igual que en éste, el público de todas las clases sociales asistía con fervor e incluso había aficionados a tal o cual dramaturgo que polemizaban entre sí.

Pero, además, Lope tuvo tiempo a llevar una intensa vida, en la que se acumularon las amantes y los hijos ilegítimos. Hasta su ordenación como sacerdote en 1614 –y probablemente después-, su actividad amatoria fue muy intensa.
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Quevedo sigue siendo un referente

La primera dificultad al leer libros del siglo de oro es el asunto de las grafías arcaizantes como la s larga, la doble s, algunas contracciones de preposiciones más adjetivos demostrativos y la ortografía que da cuenta de una pronunciación en un estado de evolución anterior al nuestro. Francisco de Quevedo (1580-1645) fue un consumado representante del Barroco, quien tuvo varios registros en su ficción como el histórico y biográfico, de este género es su libro ‘Historia y Vida de Marco Bruto’, una obra que tiene citas en latín, disgresiones de historias de otros personajes aparte de los protagonistas Marco Bruto y Julio César, incluso juicios de moral cristiana.

Los toques didácticos en Quevedo no le restan mérito literario, por el contrario enriquecen su obra en complejidad por el dominio de la historia antigua, el sentido de exempla o conjunto de ejemplos para tomar una lección sobre moral, derecho, política, juicios de la conducta de los personajes célebres, etc. Hay que destacar que el registro humorístico de Quevedo no es explotado en este libro, antes bien solo habría una velada mención irónica al nombre de Bruto y su connotación, al decir que este personaje disimuló su inteligencia en público y fue por muchos historiadores interpretado como tonto.

El discurso de la conspiración
De forma similar a ‘Julio César’ de William Shakespeare, este libro de Quevedo también trata del poder de la palabra, la retórica y la interpretación de la ética de acuerdo a los vaivenes de un enfrentamiento entre bandos políticos. Cuenta esta historia que los padres biológicos de Marco Bruto fueron Servilia y Junio Bruto, pero durante su gestación esta mujer tuvo relaciones con Julio César, lo que movió al general romano a tratar a Marco Bruto como si fuera su hijo adoptivo. De allí que este lazo no es negado ni siquiera por el parricida, y el narrador lo juzga como el mayor error de este personaje al querer convencer al pueblo romano que Julio César era malo y merecía la muerte por sus vicios.
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Adaptación cinematográfica de la pieza teatral

Los tríos amorosos siempre han dado buen resultado. Cuando alguien nos cuenta la historia de una viuda que se casa con un hombre que a la vez está enamorado de la hija de ésta, todo el mundo piensa directamente en la Lolita de Vladimir Navocob. Pero ya en 1913 el prolífico Jacinto Benavente recoge este motivo, inspirado por la novela de su buen amigo Adrià Gual, Misteri d’amor, para crear una obra de teatro que ha quedado como uno de los referentes más importantes dentro del panorama dramatúrgico español. La Malquerida es una historia de amor y celos que aún hoy sigue interesando a los aficionados.

Premio Nobel en 1922, Don Jacinto Benavente fue un simpatizante del Frente Popular antes y durante la Guerra Civil. Cuando la dictadura se instauró definitivamente en España, el autor tuvo serios problemas con la censura, llegando a convertirse en persona non grata para la autoridades franquistas. Prueba de ello es la orden explícita que prohibía mencionar su nombre en las representaciones de sus obras. En 1947 Benavente bajó la cabeza y se presenció en la Plaza Oriente de Madrid durante una manifestación pro-franquista. A partir de ese momento la censura no le causaría grandes problemas y sería reconocido como uno de los estandartes del teatro español, recibiendo la Medalla del Mérito en el Trabajo en 1950.

Volviendo a La Malquerida, podemos decir que entronca con la vertiente española del drama rural con tintes de un realismo pesimista. Dicho género fue muy popular durante finales del siglo XIX y principios del XX. La obra representa la historia de tres personajes caracterizados a través de un Yo que nunca se va a abandonar durante el relato. Raimunda, Esteban y Acacia conforman este triángulo amoroso dentro de un drama naturalista. Raimunda queda viuda y se casa con Esteban. En un principio la mujer se topa con la animadversión de su hija, Acacia, hacia el nuevo marido… pronto se descubrirá que tras ese velo de rechazo directo se han forjado unos sentimientos casi antinaturales entre el hombre y la hija. El punto álgido del dramatismo se produce cuando Esteban, llevando su pasión hasta un extremo insostenible, comience a matar a cuantos pretendientes se acerquen a Acacia. Es por ello que en el pueblo se la empieza a llamar La Malquerida.
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