La riqueza del teatro clásico español es enorme. Desde que Lope crease la Comedia Nueva, las aportaciones de nuestra dramaturgia han sido extraordinarias, tanto en lo referente a géneros como en lo que respecta a autores y obras.

Texto de un sainete de Ramón de la Cruz

Ciertamente, no es el sainete la más importante de ellas, pero sí se trata de un género teatral autóctono y peculiar. Podríamos definirlo como aquella pieza breve de carácter humorístico que toma sus temas y personajes de las clases populares. Sus orígenes se encuentran en los llamados entremeses, obras de corta extensión que, durante los Siglos de Oro, se representaban en los descansos de las comedias largas y como complemento de éstas.

Si bien existieron precursores, su creador es Ramón de la Cruz (Madrid, 1731-1794), verdadero retratista de las clases populares madrileñas, hasta el punto de que se ha dicho que sus obras, más que teatro, son puros documentos de época. Tras iniciarse escribiendo tragedias y comedias de corte clásico y de escaso éxito, pronto halló su camino en el sainete.

Produjo más de trescientos de éstos, con un extraordinario éxito de público, aunque no tanto de crítica. Ello le convirtió, durante años, en verdadero dueño de los teatros madrileños, nada se movía en el panorama dramático de la Corte sin haber pasado previamente por sus manos.
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La comedia es, para Tirso de Molina, ante todo diversión. Un teatro que permita al espectador evadirse de sus preocupaciones y pasar un rato agradable. Por tanto, es lógico que la conciba como un juego en que cada personaje representa su papel y, al final, todo acaba felizmente.

Monumento a Tirso en Madrid

Esta fórmula se aplica en Don Gil de las Calzas Verdes, en Marta la piadosa, en La villana de Vallecas o en El vergonzoso en palacio, entre otras obras cómicas.

La crítica ha dividido sus comedias en piezas de costumbres y de intriga. Pero, realmente, esta distinción carece de sentido, ya que en todas se hallan presentes los dos elementos: la exposición superficial de la sociedad con tintes burlescos y el conflicto –sobre todo psicológico- entre los personajes.

De este modo, sus comedias se basan en una parodia de las relaciones sociales y ello le permite desarrollar situaciones de gran comicidad. La acción siempre se construye de una de estas dos formas: bien en torno a un personaje que, para lograr sus intenciones, encubre a los demás su verdadera personalidad, bien en torno a uno que, con el mismo objetivo, la desnuda de tal suerte que obliga a los otros a hacer lo mismo.
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Todo pensador que se precie tiene que ser polémico. De otro modo, no sería independiente, cualidad básica de todo intelectual auténtico. No obstante, pocos habrán generado tantos ríos de tinta como Voltaire, hasta el extremo de que se ha creado un adjetivo –‘volteriano’- para definir a aquéllos que siguen su actitud y se muestran rebeldes ante las convenciones establecidas y propugnan romperlas.

Retrato de Voltaire

Sin embargo, François-Marie Arouet (París, 1694-1778) no fue siempre ni tan revolucionario ni tan radical. Hijo de un notario de familia aristocrática, se formó en los mejores colegios y, mientras estudiaba Derecho, se introdujo en una organización secreta, la Sociedad del Temple. Hacia 1717, una sátira contra el Duque de Orleáns, a la sazón Regente de Francia tras la muerte de Luis XIV, le valió la reclusión en la Bastilla, que se repetiría poco después a causa de un enfrentamiento con el Duque de Rohan, del que el escritor salió apaleado.

Desterrado a Inglaterra, por esos años se produce un importante giro en su pensamiento. Allí recibe la influencia de Newton y John Locke y queda admirado ante la tolerancia británica. De regreso a Francia, difundirá las ideas de estos pensadores. Nuevos problemas legales a causa de sus críticas al fanatismo religioso tanto cristiano como musulmán, le llevan a instalarse en Berlín, bajo la protección de Federico II.

Allí escribirá fecundamente durante un tiempo –El siglo de Luis XIV, Micromegas- hasta que se vuelve a meter en problemas, esta vez con el propio monarca. Éste había dicho que pensaba exprimir al intelectual como a una naranja y Voltaire, como venganza, huyó de la corte con un manuscrito del rey con el que se proponía ridiculizarlo ante toda Europa. Detenido en Francfort, fue expulsado del país como un criado ladrón.
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Famosas gárgolas de la Catedral

Nuestra señora de París no es otra que la archiconocida catedral de Notre-Dame, situada en el distrito cuarto de la capital francesa. Cada día recibe la visita de numerosos turistas e interesados en el estilo gótico. Pero, además de como monumento artístico inconfundible e inspiración para múltiples artistas, Notre-Dame es también célebre por ser el hogar imaginario de uno de los personajes de ficción más famosos del mundo: el jorobado creado por la pluma del francés Víctor Hugo.

El popular escritor, arruinado y recién divorciado, recibe el encargo de escribir sobre la relación entre Quasimodo, un jorobado sordo y Esmeralda, una exótica y bella gitana. La escritura del manuscrito le llevaría unos meses en los que Víctor Hugo perdería incluso la salud, llegándose a obsesionar con su obra según cuenta la leyenda. Sin embargo, el éxito del libro no tuvo parangón, convirtiéndose la relación entre Esmeralda y Quasimodo en otro de los ejemplos de uno de los arquetipos modernos más reconocibles y que será repetido hasta la saciedad: la historia de amor entre una bestia y una mujer bella.

Quasimodo es un feo y deforme ser que vive escondido en la Catedral y que se encarga de hacer sonar las campanas. El archidiácano Claude Frollo es el responsable de su tutela que, haciendo gala de su maldad y su desprecio por la condición humana, pide a su discípulo que rapte a Esmeralda, una gitana por la que siente una atracción improcedente en un hombre de su condición. Quasimodo ejecuta al secuestro, pero en el intento es sorprendido por Febo de Châteaupers, quien lo somete al maltrato público. Es en este momento cuando la dulce Esmeralda acude al espectáculo para dar de beber al jorobado. Entre ellos surgirá entonces una tierna amistad. Frollo, enfadado por su intento fallido de secuestro, cae en la cuenta de que Esmeralda y Febo están enamorados, por lo que empieza a preparar un plan maligno para apropiarse de la mujer. No te vamos a contar el desenlace (que no tiene desperdicio y, además, nada que ver con la edulcorada versión Disney), porque llegados a este punto seguro que te apetece descubrirlo por tí mismo.
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No deja de resultar extraordinario, a ojos del lector, el hecho de que un mismo literato pueda escribir los mayores dramas y también excelentes comedias. ¿Cómo pueden crearse obras de la hondura trágica de La vida es sueño o los autos sacramentales y, a la vez, enredos cómicos tan graciosos como, por ejemplo, Casa con dos puertas mala es de guardar?.

Casa en que vivió Calderón de la Barca, en Madrid

Sin embargo, todo esto era capaz de hacerlo Calderón de la Barca, el más grande autor, junto a Lope de Vega, de nuestro teatro clásico. Y no deja de resultar curioso que ambos genios fueran como el haz y el envés de una moneda: al Lope mundano, vital, comunicativo y, por qué no decirlo, un poco ególatra, se opone el Calderón introvertido, discreto y volcado en sus trabajos intelectuales. No obstante, ambos cultivaron el mismo modelo teatral: la Comedia Nueva patentada por el primero.

Si Lope fue el iniciador del género, Pedro Calderón de la Barca (Madrid, 1600-1681) es su último representante de gran talla. Tras él, sólo quedaran algunos seguidores de mucho más baja calidad. Militar, secretario al servicio de nobles y, más tarde, sacerdote, legó una obra abundante y de excepcional calidad.

La producción cómica calderoniana se circunscribe a lo que se conoce como comedias de capa y espada, cuyo extraordinario éxito entre el público se explica por la combinación de intrigas amorosas, incontables lances y enredos, misterios y todo ello aderezado por conceptos como el honor o la sátira social.
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La Francia del siglo XVII vivió un renacer del clasicismo, especialmente en lo referente a la literatura y, dentro de ésta, al teatro. Se recuperan los temas de los grandes trágicos griegos –Esquilo, Sófocles- y las formas externas de aquellos dramas. Fueron dos las grandes figuras que capitanearon este renacer: Pierre Corneille y Jean Racine.

Retrato de Jean Racine

Si bien fue el primero quién inició el camino, corresponde a Racine (La Ferté-Milon, 1639-1699) su perfeccionamiento. Aunque estaba destinado a seguir la carrera religiosa, pronto optó por otra más rentable: integrarse en la Corte como panegirista del Rey Luis XIV, trabajo por el cual recibió una pensión que le permitió dedicarse a la literatura.

Sus primeras obras fueron estrenadas por la compañía de Molière, pero no debió quedar muy satisfecho de la labor de éstos, pues las siguientes fueron encargadas a otro grupo teatral. Ello motivó la enemistad entre ambos.

El teatro de Racine está constituido prácticamente en su totalidad por tragedias. Todas ellas muestran un esquema común: la pasión de los personajes mueve la trama, que suele centrarse en dos jóvenes cuyo amor es imposible por pertenecer a grupos rivales o por imposición del Rey. Formalmente, su estructura es sencilla y ajustada a las normas clásicas y los argumentos se extraen de la antigüedad.
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Mucho antes de ser conocida por la República instaurada en ella tras la Primera Guerra Mundial, la ciudad alemana de Weimar fue famosa por coincidir en ella una serie de grandes pensadores y literatos cuya contribución es esencial para comprender el Romanticismo alemán.

Friedrich Schiller

Entre éstos se encontraban Herder y Wieland, pero, sobre todo, Johan Wolfgang von Goethe y Friedrich Schiller. La conjunción de todos ellos dio lugar al llamado Sturm und drang –en castellano, podría traducirse como Tormenta e impulso-, un movimiento que, con su exaltación de lo subjetivo y las emociones, enterraría el Racionalismo imperante y abriría el camino al Romanticismo.

Sin embargo, la carrera profesional de Schiller (Marbach am Neckar, 1759-1805) no parecía inclinarse por las letras. Médico militar, ocupó varios destinos antes de ser nombrado Consejero de Weimar y entrar en contacto con el ambiente cultural de la ciudad. Curiosamente, aunque se conocieron antes, Schiller y Goethe tardaron en trabar amistad. Los que habrían de contarse entre los más grandes dramaturgos alemanes de todos los tiempos no congeniaron del todo bien en principio. Quizá fueran rencillas de genios.

Si bien la obra del segundo abarca otros géneros, la de Schiller es, fundamentalmente, teatral. Escribió un buen número de dramas, casi todos con idéntico sentido: la defensa de la libertad frente a la tiranía de los poderosos, con la intención de formar y educar al pueblo. Así sucede en Don Carlos o Wallenstein.
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Encolpio y Gitón en la película de Fellini

De la más importante obra de Petronio solo se conservan algunos fragmentos, escritos en prosa y verso, que hacen gala de un hermoso latín que no duda en utilizar coloquialismos y dejes de la época. Es por ello por lo que, a parte de su valor como obra escrita y testigo de la época, los lingüístas se frotan las manos por la suerte que tienen con El Satiricón, un ejemplo directo de los usos de la lengua. La escritura de Petronio es considerada abigarrada y barroca por algunos y se pueden establecer relaciones con otros escritores anteriores, como el romano Ovidio o el griego Aristófanes, de cuyas fuentes seguramente bebió el autor.

De entre los segmentos que nos quedan se puede extraer uno de los primeros relatos homosexuales de la época. Al mismo tiempo, Petronio construye lo que sería el texto precursor de la tradición de la novela picaresca europea. Así, el autor nos cuenta las aventuras y desventuras sentimentales entre dos amantes. Encolpio está perdidamente enamorado de Gitón, un hermoso adolescente que, sin embargo, lo lleva de cabeza. Las peripecias sufridas por el pobre Encolpio con el fin de evitar las infidelidades de su novio son el leit motiv del relato por el que pasan diversos personajes, a cada cual más libertino.

En el texto también se incluyen algunos cuentos milesios de carácter sexual. Las fábulas milesias son un género narrativo que aparece entre el año I y II a.C. y que consiste en una narración en primera persona donde se combina el humor con el erotismo, llegando a tocar muchas veces la temática mística o mágica, hablando incluso de metamorfosis. Es normal que las obras de Petronio gozasen de una enorme popularidad entre los ambientes libertinos de la Roma antigua (que eran muy populares después de todo) llegando a ser las preferidas entre los mandatarios de la época. No hay que olvidar que el propio Petronio pertenecía a la corte del malogrado emperador Nerón, donde era famoso por la organización de espectáculos, fiestas y demás celebraciones fastuosas.
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Generalmente, cuando se nos habla de los humanistas del Renacimiento, pensamos en sesudos caballeros cuyas profundas obras indagan en lo divino y lo humano y que no concedían ni un mínimo de su tiempo al humor o a lo festivo. Pero esto dista mucho de la verdad.

Busto en honor a Rabelais

Humanistas hubo que, entre comentario y cometario sobre la obra de Platón, se distraían escribiendo glosas picantes a los versos de Ovidio, u otros que contaban entre sus aficiones, aparte de la filosofía, el buen vino de la tierra.

Sin duda, entre los de este tipo se incluía el galo François Rabelais (Chinon, ¿1494?-1553), médico y literato perseguido por los eruditos de La Sorbona y que es, probablemente, uno de los escritores franceses sobre los que sus compatriotas –tan conocidos por su chauvinismo- han vertido más cantidad de improperios. Como muestra, valgan dos ejemplos: Voltaire lo calificó de filosofo borracho y Lamartine de ‘ensuciador de la triste humanidad’. No obstante, como cualquier hombre polémico, también cuenta con defensores. Así, Chateaubriand lo sitúa como creador de la literatura francesa y Balzac lo considera ‘el mayor espíritu de la humanidad’.

Probablemente, quiénes lo criticaron no comprendían el carácter satírico de su obra. De entre todos sus escritos, lo mejor es la serie de Gargantúa y Pantagruel, compuesta por cinco novelas y que es una inmisericorde burla de su sociedad. Estos personajes son dos gigantes, pero no perversos, sino bondadosos, glotones y aficionados al vino, cuyos festines gastronómicos dan lugar a infinidad de situaciones cómicas.
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Retrao de Pierre-Augustin de Beaumarchais

Aunque muchos recuerden la celebérrima ópera de Gioachino Rossini, Il Barbiere di Siviglia, también conocida bajo el nombre de Almaviva, la autoría del texto original pertenece a un personaje curioso y picaresco, el francés Pierre-Augustin de Beaumarchais (1732-1799). Además de Rossini, otro de los grandes, Wolfang Amadeus Mozart, adaptaría lo que despues sería una ópera mundialmente conocida: Las bodas de Fígaro. Dos obras centradas en las peripecias de una boda imposible, en el caso de El barbero de Sevilla, la de la bella Rosina con el Conde de Almaviva. Además de por sus famosas obras de teatro, muy valoradas en la época, Beaumarchais fue conocido también entre las esferas de la literatura francesa por sus actas judiciales, unos textos llenos de malicia y sarcasmo, muy acordes con su personalidad.

El barbero de Sevilla nos narra la historia del romance entre una hermosa joven, Rosina, encerrada en una mansión por su tutor, el anciano y autoritario Don Bartolo, que desea casarse con ella. Sin embargo Rosina está enamorada de un joven, el Conde de Almaviva. Entre ellos dos se erige la figura de un simpático barbero, Fígaro, que ejercerá de alcahueta para que los enamorados puedan casarse. Como hemos dicho, las sugerencias del barbero serán disfrazar al conde para poder franquear la mansión de Don Bartolo y pedirle en matrimonio a Rosina. Tras una serie de peripecias, los dos dos jovenes consiguen casarse antes de que Bartolo tome a Rosina como suya.

La vida del propio autor estaría marcada por tres matrimonios, el primero de ellos con una viuda diez años mayor que él de la que heredaría su solemne apellido. Las sospechas de la época apuntan que el propio Beaumarchais fue el artífice de la muerte de su primera mujer. Hijo de un relojero, patentaría un nuevo tipo de mecanismo para relojes con un escape totalmente nuevo. Sus virtudes le hicieron subir en la escala social hasta llegar a la Corte, donde fue el profesor de arpa de las hijas de Luís XV. Como se sabe, la corte francesa suponía el camino directo a las funciones públicas del Estado, y Beaumarchais era un buen promotor de su propia persona. Contando con la protección real, siguió sus andanzas como funcionario público y se casó dos veces más. Hasta que en 1775 estrenaría, con un éxito rotundo, El barbero de Sevilla.
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