Al leer el Quijote, uno no puede dejar de preguntarse cuánto hay de autobiográfico en él. Y es que si el ilustre hidalgo manchego vive toda una serie de aventuras bajo su disfraz de caballero, no menos accidentada fue la vida de su creador, el genial manco de Lepanto.

Monumento a Cervantes en Toledo

Miguel de Cervantes y Saavedra nació en Alcalá de Henares en 1547. Eran sus padres Rodrigo de Cervantes, cirujano de escasa fortuna a juzgar por los distintos lugares a que hubo de emigrar, y Leonor de Cortinas. De su juventud se poseen pocos datos. Se sabe que estudio en Madrid, en el estudio de Juan López de Hoyos. La primera noticia cierta que se tiene de él es que, en 1569 y a causa de un duelo con un tal Sigura, hubo de huir a Italia, enrolándose en el sequito del Cardenal Acquaviva. Ello le permitirá conocer de primera mano el arte renacentista.

El hecho más glorioso de su vida es, indudablemente, la Batalla de Lepanto –calificada por él mismo como ‘la más alta ocasión que vieron los siglos pasados, los presentes ni esperan ver los venideros’-, en la que Cervantes, a bordo de la galera Marquesa y enfermo de fiebres, participa heroicamente, recibiendo varias heridas, entre ellas la que le deja inmóvil la mano izquierda.

De regreso a España, con cartas de recomendación para Don Juan de Austria en las que se recomienda que se le conceda el grado de capitán, es apresado por los turcos y recluido en Argel, penoso cautiverio que durará cinco años y cuya experiencia incluirá en relatos de cautivos como el famoso que aparece en el Quijote.
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Entre los movimientos románticos de los distintos países, uno de los primeros en manifestarse –junto al alemán- fue el francés, con los escritos de Madame de Staël, Benjamín Constant o Chateaubriand, precursores del mismo. Y, además, nos hallamos ante uno de los más virulentos -entendido este término en sentido literario-, pues en él se dan con más fuerza que en otros los elementos propios de la tendencia: la rebeldía, el hastío ante la vida que no satisface, el sentimentalismo y la ruptura con lo racional.

'El lago' es el título de uno de sus más célebres poemas

Y, a su vez, el primer género en mostrar los rasgos propios del Romanticismo es la poesía. En efecto, en los años que van de 1820 a 1830 –época en que el teatro toma el relevo-, se produce un estallido de lirismo, que cambia los moldes poéticos imperantes e incluso la forma de entender el género.

El primer ‘hijo del siglo’ –como se llamó a los románticos- que se internó por estos nuevos caminos fue Alphonse Marie Louis de Lamartine (Mâcon, Borgoña, 1790-1869), con sus Meditaciones poéticas, primer libro de una obra rica y abundante.

Lamartine era un borgoñón de la antigua pequeña nobleza provinciana y poseía la austeridad propia de esta clase. A diferencia de otros románticos, bohemios y, en algunos casos, no muy cuerdos, llevó siempre una vida ordenada y permaneció fiel a una sola mujer.
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Imagen del poeta peruano

En este blog varias veces hemos presentado a poetas nobeles peruanos, haciendo la salvedad de que esta clasificación no implica falta de técnica sino sólo el inicio de una carrera artística donde quizá la producción de estos jóvenes escritores no es muy abundante, pero lo poco que comparten reboza calidad que satisface al lector. Sergio Gomez Reátegui Caifán, amigo mío me ha enviado este poema, el cual deja provisoriamente sin nombre; su motivación es la poesía confesional, pues el yo poético abandona las correrías amorosas en busca de una única musa que represente un todo en el Eros.

Debo contar que Caifán recoge ideas aportadas por sus contactos con el arte y las frases de terceros que le impactaron. El sabio borracho es un personaje anónimo, alguien que podría ser un filósofo del placer como Bukowski, y sin ánimo de quitarle mérito ni colgarme de su fama, confieso que el tercer verso fue aportado por este servidor, cuando conversando con él, le dije que a una de las mujeres más hermosas del mundo habría que clonarla para hacer ejércitos de ella.
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El periodo romántico en la península itálica fue una etapa de fervor patriótico y revolucionario. En aquellos años se estaba iniciando la unificación del país y todos los intelectuales anhelaban contribuir a ella aportando su pluma –algunos incluso su espada-. Por ello, el arte de esa época trataba, invariablemente, de exaltar los ánimos contra el invasor austriaco con objeto de sublevar al pueblo. Baste citar como ejemplo, las óperas de Verdi.

Imagen caricaturizada de Leopardi

En buena lógica, la literatura no fue una excepción. Desde Ugo Fóscolo hasta Vincenzo Gioberti, pasando por Alessandro Manzoni o Cesare Balbo, todos contribuyeron al ideario patriótico y a exaltar la unificación. La lucha había comenzado y en ella participarían todos. Por ello, un poeta que –dentro de lo posible- se mantuviera encastillado en su intimidad tenía que ser una rareza.

Éste es el caso de Giacomo Leopardi (Recanati, 1798-1837). Claro que a ello contribuyó no poco su infancia, aislada en un pequeño pueblo y presidida por una autoridad materna rígida, y su delicada salud, que provenía de una enfermedad ósea de nacimiento.

Leopardi poseía una amplísima cultura, fruto de su esmerada educación y de su aislamiento, que encontraba compañía en los libros. A causa de ello, fue un poeta precoz, que publica su primera composición a los dieciocho años. Se trata de un título harto significativo del pesimismo y la melancolía que le acompañó toda su vida: Cercanía de la muerte. En ella se aprecia que el poeta se encuentra aún en una fase de aprendizaje, pues es patente la influencia de Dante y Alfieri.
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Busto de Sócrates

En la antigua Grecia fue necesaria la revolución sobre el conocimiento que trajo la filosofía. Lo que no se puede olvidar es que estos primeros hombres fueron piadosos a su manera, como Sócrates, que creía en la fuente de origen divino del talento de intérpretes como Ion, un rapsoda celebrado en Atenas.

Es con el método de inducción llamado mayéutica que Sócrates pone ejemplos a este recitador para que acepte la inspiración divina que le permite conmover a su público, pues conociendo sólo de Homero, no conoce el arte por completo, ni toda la ciencia sobre la que habla el vidente en sus epopeyas.

Ion participa en concursos de rapsodas, aspira a ganar unos eventos próximos, a pesar de su talento, cree que ignorar a los otros grandes autores como Hesiodo y Arquíloco está justificado porque se ocupa de recitar e interpretar al mejor autor. Por ello Sócrates le dice que aún los que no son los mejores pueden hablar bien sobre los objetos de los que se ocupa la poética como la guerra, la genealogía de los dioses, los hombres notables, etcétera y en cierta forma Platón en boca de su maestro Sócrates adelanta la importancia del enfoque interdisciplinario con el ejemplo del arte.
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Aristóteles y la catarsis

La palabra poética es la más frecuente en literatura y es que no solo da cuenta del hilo conductor de un poemario, sino también de la estructura discursiva de una narración. Esto sirve para ver cómo se organizan los recursos y la técnica literaria de un autor, a fin de mantener el sentido de su obra. Aristóteles de Estagira redactó ‘La Poética’, tratado que nos lleva a la interpretación de las partes y el conjunto de una creación literal, que se entendía a la época como obra escrita en verso y esto incluía la filosofía, medicina, etc.

Aristóteles centró su análisis en la tragedia y la epopeya, buscando deslindar la unidad de acción, la que guía la obra a través del inicio, nudo y desenlace, de hecho que habían disgresiones, pero no tantas como en la novela contemporánea. Aparte una voz coral reemplazaba el relato de acciones que se presenta en la narrativa, y Aristóteles llamaba poeta al escritor porque todo estaba escrito en verso, por un origen en el yambo, forma métrica griega. Además el artista está reconocido como creador, etimología de poeta.

Las partes de la mímesis
La intención del autor es recrear la naturaleza mediante la técnica y en cierta forma dar una visión elevada de su referente. Las conductas de los personajes están dispuestas de acuerdo a la función que cubren en la obra. Estos pueden separarse y entregarse la verdad dando lugar a la anagnórisis. Es en las peripecias donde se da pie a las acciones episódicas, son base para el desarrollo de la tragedia, que al mostrar el padecimiento del héroe, despierta en el público la catarsis o sentimiento mezcla de miedo y piedad, esto es la captación del pathos de la obra por el auditorio.
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Andre Breton, figura del surrealismo

Tras las galas y oropeles modernistas y el conceptismo poético posterior, la lírica salió totalmente transformada y todo aquél caudal enriquecedor requería una lenta asimilación. Por ello, la segunda década del siglo XX fue una etapa experimental. Así, en un breve periodo de tiempo, se suceden los llamados movimientos de vanguardia o sencillamente ‘las vanguardias’.

En afortunada expresión de Ortega y Gasset en su ensayo ‘La deshumanización del arte’, éstos concebían la literatura como juego y, en consonancia con ello, todo tipo de audacias eran permitidas. Desde la exaltación del maquinismo del futurista Marinetti hasta los collages o los caligramas del cubista Apollinaire, pasando por la asociación arbitraria de palabras del creacionista Huidobro, toda clase de experimentos eran bien vistos.

Y todos estos movimientos –Futurismo, Cubismo, Dadaísmo, Ultraísmo o Creacionismo-, tan originales como efímeros, vinieron a confluir en una corriente que es síntesis de todos ellos y cuya importancia en la literatura posterior es fundamental: el Surrealismo, creado por André Breton y Louis Aragon.

André Breton (Tinchebray, Francia, 1896-1966), de orígenes humildes, participó en la Primera Guerra Mundial y, tras ella, entró en contacto con los círculos dadaístas y con los experimentos freudianos acerca de la escritura ‘automática’, consistentes en escribir fuera del control de la Razón y de limitaciones estéticas y morales.
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Woolf refleja su vida en sus obras

Cuentan que, en 1918, Miss Harriet Weaver llevó a Virginia Woolf el manuscrito del ‘Ulises’ y que ésta –propietaria de una editorial de obras de vanguardia junto a su marido, Leonard Wolf- lo rechazó por su obscenidad.

Sin embargo, la obra siempre ejerció en ella una mezcla de atracción y repulsión. Según sus propias palabras, “es una obra fallida. A mi juicio, no le falta talento; pero de baja estofa. El libro es difuso. Es enmarañado. Es pretencioso. Es de baja ralea, no sólo en el sentido evidente, sino también en la acepción literaria”. Entonces, ¿qué era lo que la atraía de la novela?

Quizá fuera el hecho de que, tanto Joyce como ella eran científicos de la narrativa. Su deseo era experimentar con ella, aunque por caminos distintos. El primero, jugando con el lenguaje y edificando una mitología de la vida. La segunda, elaborando una mística de las emociones y los recuerdos. Y ambos han marcado el devenir de la novela moderna.
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Estatua de Franz Kafka

Franz Kafka (1883-1924) fue un escritor checo que exploró en su narrativa los conflictos internos de la condición humana. Muchas veces bajo una apariencia de monotonía, orden impuesto por el deber, cotidianeidad, se revelan males, contingencias e insatisfacciones profundas, que dominan la vida de los personajes de estos relatos atrapados en un curso marcado por un destino al que resulta imposible darle la vuelta. Los personajes anónimos de varios cuentos de Kafka han sido actualizados como arquetipos del drama humano.

Kafka fue hijo de comerciantes judíos, por ello no le fue ajeno el tedio producido por el férreo trabajo que sobreviene como obligación. En su cuento ‘El comerciante’, el narrador relata el aburrimiento de la vida dedicada al mantenimiento del negocio, sin descontar la inseguridad de tener su dinero en bancos como si estos fuesen personas intangibles y desconocidas. Lo que remata el descontento de este personaje reflexivo y autocrítico es su soledad, la falta de una familia que vele por él en el campo afectivo.

Un único remanso fugaz aparte del trabajo
La esperanza en el cuento está denunciada como la aproximación a las expectativas vitales. El narrador no tiene hijos, por ello se conforma al acariciar el pelo de los niños a la salida de su trabajo rumbo a su casa. Este hombre se siente solo, a pesar de tener empleados con quienes no ha podido socializar de forma cabal. Su comercio lo tiene descuidado, desarreglado, pues esa actividad programa las mejores horas de su vida, con el ritmo de la rutina que lo consume al haber perdido el gusto por lo que hace.
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Pescara, ciudad natal del autor

Hay poetas que se encierran en sí mismos, viven en una especie de vida interior. Concentrados en su creación lírica, todo lo del mundo les es ajeno –si es que ello es posible- o, al menos, lo ignoran. Es lo que un crítico denominó, en afortunada expresión ‘encastillarse en su torre de marfil’ y se trata de una nueva versión del trance creador romántico. De ello se ha acusado a grandes poetas como Juan Ramón Jiménez.

Pero también existe la versión opuesta. La de aquellos líricos que compaginan la creación con una actividad política y aventurera quizá excesiva. Es proverbial el ejemplo de Lord Byron, muerto cuando luchaba por la independencia de Grecia, o, en las letras castellanas, el de Espronceda, tan parecido a aquél por tantos motivos. Pero no son los únicos.

Otro poeta que se inscribe en esta línea es el italiano Gaetano Rapageneta, más conocido como Gabriele D’Annunzio (Pescara, 1863-1938). Por poner un ejemplo de sus actividades, hablaremos de cuando, tras la Primera Guerra Mundial, la Conferencia de París declaró la cesión a Yugoslavia de la irredenta ciudad italiana de Fiume (hoy Rijeka, en Croacia). El poeta, liderando a los nacionalistas italianos, se apoderó de la ciudad expulsando a las tropas aliadas que la controlaban y exigió la restitución de la misma a Italia. Ante la negativa, declaró el Estado libre de Fiume. En buena lógica, la intentona acabó mal, pero nos brinda una idea de las actividades belicosas del poeta.
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