"José María Arguedas (1911-1969)"

José María Arguedas escribió su libro de cuentos ‘Agua’ (1935) donde el narrador era el niño Ernesto, un personaje de corte autobiográfico, quien es remembranza de su integración temprana al mundo y costumbres de los comuneros andinos, por la situación de viajes de su padre y el abandono de su madrastra. El cuento ‘Agua’ de este libro, trata del reparto de agua de una laguna de la comunidad de San Juan y el caserío de Ventanilla, por disposición del principal y dueño del pueblo Braulio Félix, el alcalde o varayok de San Juan asegura esta operación.

Los indios temen a las balas y poder de Braulio, para el reparto acuden dos comunidades los tinkis y los sanjuanes, sólo el músico Pantaléon incita al pueblo contra Braulio, le enfrenta pero este blanco o misti le mata de un balazo en la cabeza. Ernesto, quien es niño en edad escolar ataca a Braulio hiriéndole en la frente lanzándole la corneta de Pantacha. El gamonal ordena a las autoridades que maten al niño, pero éste huye para asimilarse a la comunidad de Utek Pampa, donde no influye el poder de Braulio porque son indios libres, propietarios de sus tierras y viven de acuerdo a su cosmovisión.
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Frecuentemente, los novelistas sienten la tentación de cultivar todos los géneros narrativos. Una vez han triunfado en uno de ellos, se desafían a sí mismos intentando escribir un relato perteneciente a otro. Y, en bastantes ocasiones, salen victoriosos de la apuesta.

Mark Twain

Esta afirmación podría aplicarse a Mark Twain. Tras haber escrito dos maravillosas novelas –‘Las aventuras de Tom Sawyer’ y su continuación, ‘Las aventuras de Huckleberry Finn’-, que pueden calificarse como costumbristas y juveniles, cambió de género para redactar un relato de ciencia-ficción histórica: ‘Un yanqui en la corte del Rey Arturo’.

Samuel Langhorne Clemens (Florida, Missouri, 1835-1910), que así era su verdadero nombre, tuvo, por otra parte, una vida muy interesante. Huérfano de padre a los doce años, se vio obligado a desempeñar varios oficios – aprendiz en una imprenta, piloto de vapor en el río Mississippi, profesión que le satisfaría ‘más que ninguna otra que haya tenido después’-, antes de recalar en el periodismo y la literatura. Se enriqueció con sus obras y, más tarde, una mala inversión lo llevó a la ruina.

Para la posteridad, quedará siempre como el narrador del Mississippi, a orillas del cual nació y al que siempre estuvo ligado. Su Tom Sawyer y su Huckleberry Finn pertenecen por derecho a la galería de grandes personajes de la Literatura Universal.
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Existen varios casos en la Historia de la Literatura de hermanos que se dedican a ella. Generalmente, junto a sus propias producciones, colaboran en la creación y firman obras en común. Los hermanos Grimm o los Quintero y los Machado en España son algunos ilustres ejemplos.

Heinrich Mann

Lo que ya es menos frecuente es el caso de dos hermanos que se dedican a escribir sin hacerlo nunca en colaboración y, además, el pequeño oscurece la fama del mayor hasta el punto de estar prácticamente olvidado fuera de su país. Y esto es lo que le sucedió a Heinrich Mann (Lübeck, 1871-1950). La gran calidad de la obra de su hermano pequeño Thomas, autor de ‘Muerte en Venecia’ o ‘Los Buddenbrook’ entre otras narraciones excepcionales, lo ha condenado al más oscuro ostracismo pese a no ser un mal escritor.

Heinrich Mann, sin embargo, fue, durante un tiempo, un intelectual más respetado que Thomas. Sus primeras obras, de contenido social y autocrítica hacia su país le otorgaron la admiración de los círculos literarios. Así sucede con ‘El súbdito’, sátira de la sociedad germana a cuya organización política acusaba de haber llevado a Alemania a la Primera Guerra Mundial. También su oposición al Nazismo, que le declaró persona ‘non grata’, contribuyó a ello.

Pero, curiosamente, una de sus novelas, el relato corto titulado ‘El profesor Unrat’ ha alcanzado fama internacional. Ello se debe a que fue llevada al cine y protagonizada nada menos que por Marlene Dietrich. A los aficionados al séptimo arte quizá no les sonará, pero, si mencionamos el título de la película, inmediatamente se darán cuenta: la adaptación cinematográfica se titula ‘El ángel azul’.
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Escribir narrativa de aventuras no es fácil. Hay que inventar lugares, argumentos, peripecias en abundancia y personajes buenos y malos bien caracterizados, de tal forma que permanezcan en la memoria colectiva. Además, llegar a un público juvenil requiere una adaptación del lenguaje a sus gustos y capacidad, de tal suerte que la obra no sea ni demasiado erudita ni demasiado vulgar.

Robert Louis Stevenson

Por ello, los escritores que acometen este empeño tienen mucho mérito. Y uno de los mejores autores de novela de aventuras de todos los tiempos es, sin duda, Robert Louis Stevenson (Edimburgo, 1850-1894). De familia acomodada, tardó un tiempo en hallar su verdadera vocación –emprendió estudios de ingeniería y llegó a ejercer como abogado-, pero su gusto por la literatura, de una parte, y su tuberculosis crónica que le impedía trabajar con regularidad, por otra, lo empujaron a dedicarse a escribir. Ésta, igualmente, fue la responsable de que cambiase varias veces de país, siempre en busca de climas benignos, para acabar viviendo en el Pacífico sur, en la isla de Samoa.

No toda la obra de Stevenson pertenece al género de aventuras. Junto a relatos de este tipo, como ‘La isla del tesoro’ o ‘La flecha negra’, escribió novelas de terror de igual calidad. Quizá la más destacada sea ‘El extraño caso del Doctor Jekyll y Mister Hyde’, inquietante aproximación a las profundidades de la personalidad humana.

‘La isla del tesoro’ fue publicada en 1883 y constituye un relato clásico de aventuras. Jim Hawkins es un muchacho que trabaja junto a sus padres en una posada del puerto. Un día, aparece un misterioso marinero con un cofre que contiene el mapa de un tesoro.
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John Ashbery (New York, 1927) es un poeta estadounidense que ejerce la catédra de literatura, su poesía es coloquial, se enuncia desde la instrospección del yo, lo que le da cierto aire confesional. En su poema ‘Una tarde citadina’ verbaliza la presentación de un recuerdo borroso que comienza en una fotografía de gente cuando estaba joven y ha cambiado por la vejez hasta llegar a una amnesia senil. Todos los amigos ancianos del yo poético se han olvidado del recuerdo de la foto de promoción, algunos quizá ya han muerto o están en la vecindad de la muerte.

El yo poético celebra su vida desde el reconocimiento de la vejez, adapta su ethos al de la tarde, que es el periodo vital que le toca vivir en este momento y el que define su identidad. La vejez se impone porque aceptarla implica reconocer la ausencia de la juventud, todo lo vivido en esa etapa es una sombra, un recuerdo fugaz que escapa de la amemoria cuanto mayor se hace la proximidad a la muerte. La tercera estrofa es una constatación del cambio, el cabello del yo poético y de sus amigos se ha vuelto gris, como la tarde, sin embargo todavía el yo enuncia su presencia y existencia al verse reflejado en el agua de un estanque.

"John Ashbery, poeta neoyorkino."

El olvido del pasado es afirmación del presente
El poema trasmite un arquetipo humano cotidiano, el sentir de un anciano ante la decrepitud, la falta de vitalidad, la tendencia al olvido. El pasado de juventud es un punto privilegiado en su historia de vida, ya que la sociedad exige el despliege de energías para interactuar con satisfacción en la ciudad. Al anciano le quedan menos espacios, se confina en su yo y en su ser de viejo por la falta de vigor y la menor participación en comunidad, consecuencia de su estado físico. La tarde es comienzo de la sombra, sema que modela la imagen de los recuerdos del yo poético.
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El Romanticismo inaugura un nuevo tipo de poeta. Hasta entonces, este había sido un ciudadano corriente, aficionado a componer estrofas líricas. Pero con el nuevo movimiento el poeta se convierte en un ser permanentemente insatisfecho, incómodo y desarraigado respecto al mundo en que vive, donde no se encuentra a gusto, y, por tanto, en permanente rebelión contra él. La imagen del poeta revolucionario o bohemio procede de entonces.

Retrato de Alfred de Vigny

Hay un sin fin de ejemplos que podríamos poner, pero, por citar a algunos muy conocidos, mencionaremos a Lord Byron o a nuestro Espronceda. Y, en lo que a Francia respecta, a Nerval, Vigny, y, poco después, a Baudelaire y Rimbaud.

Alfred de Vigny (Loches, 1797-1863) tenía todo para lograr el triunfo social. De familia aristocrática, fue educado personalmente por su madre siguiendo las pautas al uso de Rousseau. Aunque la Revolución Francesa recortó sus riquezas, nunca se vieron en apuros económicos.

Sin embargo, el poeta nunca se sintió cómodo en el mundo. Dotado, quizá, de un exceso de sensibilidad, su visión del mundo siempre fue terriblemente pesimista y no mayor fe albergaba en el Hombre. Todo ello le condujo a buscar cobijo, en los últimos años de su vida, en el estudio de las religiones orientales, especialmente en el Budismo.
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Roland Barthes (Francia, 1915-1980) semiólogo y crítico literario estructuralista fue de los más influyentes en sentar y dilucidar la terminología para el análisis de los textos literarios, entendidos como objeto de estudio. En su ensayo ‘De la obra al texto’ (1971) presenta dos términos próximos en significado pero con particularidades que han pasado a ser reconocidas en los sílabus de los programs universitarios de literatura a nivel mundial. La obra es producción de un autor, tiene filiación y puede reflejar bastante de su biografía o de un momento importante de las coordenadas espacio y tiempo de su historia de vida.

Un caso en que el referente autobiográfico es modelado por un autor es Proust, donde el yo que enuncia la narración es ficcional o de papel. El texto es plural en sentido, parte de la intertextualidad, del paso o lectura de una obra previa o hipotexto a una obra que la desarrolla como referente, arquetipo, o variante. Esta lectura se da en el hipertexto, sin embargo como se trata de ficción es una obra nueva, y para atender a su proceso de escritura hay que recurrir a la teoría literaria para decodificarla como texto, intentando abolir la distancia entre escritura y lectura.

Roland Barthes, crítico estructuralista francés.

Cómo se lee obra y texto
Para Barthes la obra es objeto de consumo porque produce placer estético, aunque este beneficio podría variar según el lector o el autor empírico. Se podría llegar a sentir placer en el análisis literario al hallar ideas diferentes y coherentes sobre el proceso de escritura, lo que se plantea como un juego dialéctico a un lector competente, cada vez más informado de teoría literaria. Este receptor es quien se adentra con más solvencia a la aprensión del texto, o en última instancia da cuenta de la obra al pasarla a su estado de texto, el cual solicita la colaboración práctica del lector.

La obra en el texto se entiende como juego, trabajo, producción, práctica, en esta etapa se siente placer de leer y reescribir a los autores. En una analogía con el concepto de signo lingüístico, la obra está a nivel del significado medianamente simbólica, y el texto a nivel del significante radicalmente simbólico. Sabemos que los estudios culturales han considerado aspectos relevantes del autor como su cultura, estrato social para entender la obra.  El texto es un concepto que expande el de la obra, le multiplica sentidos e implicancias, pues reconoce la diversidad de lecturas según método y receptor.

"Roland Barthes en su estudio."

Conclusión
El paso de la obra al texto es el de la lectura de placer a la de estudio y análisis donde se decodifican los elementos constitutivos de la ficción para reproducir el proceso de la escritura de la obra, esto no solo sucede en el caso de la teoría literaria, sino también cuando un hipotexto es desarrollado por un hipertexto, ya que la intertextualidad es fuente de sentido plural.

Lectura del ensayo | ‘De la obra al texto’, de Roland Barthes en Fba.unlp.edu.ar

Imágenes:

Barthes en Marcelocoelho.folha.blog.uol.com.br

Barthes en Palavraguda

Los años centrales del siglo XIX en la narrativa inglesa se hallan presididos por la gran figura de Charles Dickens. Su obra, abundante en cantidad y calidad, determina la creación novelística de la época y ha oscurecido a otros excelentes escritores coetáneos a él.

Wilkie Collins

Por otra parte, cuando se habla de la aparición de la novela policíaca, generalmente suele comenzarse con Edgar Allan Poe e, inmediatamente, hablar de Conan Doyle y su mítico Sherlock Holmes, olvidando que, entre uno y otro, hay algunos narradores que realizaron una importante contribución al género.

Uno de ellos es William ‘Wilkie’ Collins (Londres, 1824-1889), hijo del pintor del mismo nombre y emparentado políticamente con Dickens –un hermano suyo estaba casado con la hija de éste-, con el que escribió algunas obras.

Collins es hoy un novelista bastante olvidado y, sin embargo, realizó aportaciones destacadas al incipiente género policíaco como la resolución lógica de los casos, la aparición de detectives aficionados o el situar a un grupo de personas –todas sospechosas- en el lugar del delito.

Curiosamente, padecía un tipo de artritis que lo obligaba a consumir opio –en forma de láudano- para evitar los dolores y muchas de sus narraciones fueron escritas bajo los efectos de aquél.
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San Juan de la Cruz

Juan de Yepes o San Juan de la Cruz (Fontiveros, 1542-1591) es un poeta místico, que llevó verdades cristianas a la poesía. En ‘La noche oscura’ describe como el alma viaja en la oscuridad hacia el encuentro con Dios, en la alegoría de una amada que busca a su amado y se guía por su luz.  El alma sale del cuerpo, que  está recreado por la imagen de la casa sosegada, subrepticiamente, la amada reposará una vez encontrado al amado para dormir sobre su pecho. En la representación del cuerpo como casa se alude a la teoría mística, hay vías sucesivas, la primera purgativa de todo lo que es lastre.

Se busca salir de los sentidos representados por el cuerpo, que retienen al hombre, pero aún no se está del todo purgado, hay otros lastres en el intelecto y los conocimientos. La noche trae el sema de oscuridad vital para entender este poema. Nosotros vivimos en noche, incluso la fe es ratificación de la oscuridad; la fe es fe porque no vemos, nadie tiene fe frente a la evidencia, aún no estamos iluminados. El alma debe salir ’sin ser notada’, pues hay fuerzas que la retienen, tiene que aprovechar el momento para la fuga por la vía purgativa del sentido y el conocimiento para la unión con Dios.
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Durante la primera mitad del siglo XX, en los años en que el llamado Realismo mágico daba sus primeros pasos, se desarrolló igualmente en la narrativa hispanoamericana una corriente conocida como ‘novela indigenista’, la cual, para ser comprendida por quién no conoce la idiosincrasia de América latina, requiere alguna explicación.

La novela denuncia la situación del indio

En los países andinos –Bolivia, Ecuador, o Perú- se han prolongado hasta tiempos recientes, quizá hasta hoy, situaciones de marginación hacia el indio, explotado en unas condiciones cuasi feudales primero por los blancos y después por las multinacionales y el poder político, que lo han mantenido en la miseria.

Por ello, es lógico que en estos territorios surgiera una narrativa de denuncia de esta situación, que, siguiendo los lejanos pasos de la peruana Clorinda Mato de Türner, incidiera con un crudísimo realismo en mostrar la paupérrima vida del indio.

Tres novelistas inauguran el género a la vez que constituyen sus mejores exponentes: el boliviano Alcides Arguedas y su ‘Raza de bronce’, el ecuatoriano Jorge Icaza con ‘Huasipungo’ y el peruano Ciro Alegría con ‘El mundo es ancho y ajeno’, entre otras.
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